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miércoles, 4 de septiembre de 2013
sábado, 15 de septiembre de 2012
15º Festival de Jazz de San Javier - Luis Salinas
15º Festival de Jazz de San Javier - Luis Salinas:
Concierto de Luis Salinas dentro del Festival de Jazz de San Javier.
sábado, 21 de julio de 2012
domingo, 4 de diciembre de 2011
Berta Rojas plays "Danza" by Edin Solis Nominated by WAMA as Video of th...
Concert Hall en Dublín, donde fue solista de la Irish Radio an Television Orchestra.
Recientemente estuvo en el estudio 4 de Flagey en Bruselas, que la recibió como solista de la Brussels Philarmonic Orchestra en un concierto emitido para la Televisión Nacional belga. Tuvo el honor de abrir la Cumbre de las Primeras Damas de las Américas, a la que asistió la entonces Primera Dama, Hillary Rodham Clinton
Berta mantiene una prolífica agenda de grabaciones. Su CD Intimate Barrios es una de las grabaciones más celebradas del gran compositor y guitarrista paraguayo Agustín Barrios, que brilla con la espontaneidad y cercanía que un compatriota brinda a su música.
Con su CD Cielo Abierto y más recientemente con Terruño, Berta logró grandes reconocimientos de la
crítica presentando un repertorio personal, fresco y emocionante en la guitarra clásica. También hizo
giras con Carlos Barbosa Lima, con quien grabó el CD Alma y Corazón.
Además de enriquecer continuamente su carrera artística, Berta Rojas se comprometió a fomentar el conocimiento de la guitarra clásica, haciendo especial hincapié en la promoción de la música de su país,
el Paraguay, así como también de la música latinoamericana y apoyando la carrera de jóvenes artistas. En el verano del 2009 creó el primer concurso online de guitarra clásica, el Barrios WorldwideWeb Competition, el que actualmente, en su segunda edición, genera un enorme interés en todo el mundo de la guitarra.
Fue directora artística de las tres ediciones del Festival Iberoamericano de Guitarra que se realizó en el Museo Smithsonian, en Washington DC y co-fundadora del Beatty Competition. Sus maestros fueron Felipe Sosa, Violeta de Mestral y Abel Carlevaro.
Obtuvo la licenciatura en música en la Escuela Universitaria de Música en Uruguay, donde fue alumna de Eduardo Fernández. Más tarde, logró una Maestría en Música en el Peabody Institute, bajo la guía de Manuel Barrueco.
Rojas fue Fellow of the Americas del Kennedy Center for the Performing Arts por su excelencia artística y tiene el honor de ser Embajadora del Turismo de su país, Paraguay.
Actualmente, es profesora de la cátedra de Guitarra en la George Washington University
http://www.bertarojas.com
sábado, 26 de noviembre de 2011
martes, 1 de noviembre de 2011
viernes, 7 de octubre de 2011
viernes, 15 de octubre de 2010
Terra Stereo Los 10 mejores solos de guitarra de todos los tiempos, según Gibson
Por años, las grandes canciones de rock solventaron su éxito en apasionados solos de guitarra, virtuosos, maniáticos, creativos y rabiosos que, incluso, sobrepasaron el tema para transformarse en íconos de la cultura pop contemporánea. Gibson, la marca de guitarras más importante del mundo, elaboró una lista con los 50 mejores solos de las seis cuerdas en una canción de rock, y los 10 primeros lugares son todas previsibles joyas del género que inmortalizaron a los héroes indiscutidos de este instrumento. Esta es la selección Gibson que Terra Stereo aprueba sin discusión.
1. “Stairway to Heaven” de Led Zeppelin (solo de Jimmy Page). En muchas tiendas de guitarras de los Estados Unidos había un cartel que decía: “Prohibido tocar el solo de Stairway to Heaven” debido a que todo principiante ensayaba esa solemne construcción de acordes que Jimmy Page dejó para la posteridad. Pero el éxito de este tema de 8 minutos se debió precisamente a su prolongada duración. Según refiere Charles R. Cross en su libro biográfico de Led Zeppelin, “Shadows Taller Than Our Souls”, “unos 100 DJ’s me juraron que sólo tocaban la canción porque necesitaban un descanso algo prolongado para fumar. Si hubiese tenido un minuto menos, no podrías fumar un cigarro completo; si tuviese un minuto más, hubiese sido demasiado larga”.
2. “Eruption” de Van Halen (solo por Eddie Van Halen). Llamado como el mejor solo de guitarra de todos los tiempos por muchas publicaciones, Gibson decidió que esta improvisación vertiginosa de Eddie Van Halen quedara en el segundo lugar de su lista. El tema instrumental venía incluido en el primer disco del grupo y dejó firmado una carta de presentación luminosa de lo que esta banda tenía por ofrecer. La introducción de la canción está basada en el tema “Let Me Swin” de Cactus. Como muchas de las grandes canciones de la historia, este complicado diseño sonoro no iba a ser parte del disco, Eddie Van Halen siempre usaba estos acordes para calentar antes de grabar en el estudio, y fue el productor Ted Templeman quien sugirió registrarlo. “Yo ni siquiera toque bien. Hay un error en la parte final de eso. Al día de hoy, cada vez que lo escucho, siempre pienso: “yo pude haber tocado mejor”, dijo el guitarrista.
3. “All Along the Watchtower” de The Jimi Hendrix Experience (solo por Jimi Hendrix) Este es, además, uno de los mejores covers de todos los tiempos, y la revisión que hizo Jimi Hendrix de esta vieja canción de Bob Dylan dejó un registro de guitarra insuperable. La versión original es de 1967 y un año después el guitarrista decidió reinterpretarla e incluirla en el disco “Electric Ladyland”. Hendrix supo darle su toque particular de rock psicodélico, metiendo -entre verso y verso- solos de guitarra casi imposibles de tocar, y experimentando (a fin de cuentas Hendrix fue un pionero) con todo tipo de efectos y sonido estéreo, una novedad del momento.
4. “Hotel California” de Eagles (solos de Don Felder y Joe Walsh). Esta es una de las canciones míticas de la historia de la radio, un precioso tema de amor que fue acusado de ser satánico, debido una serie de mitos y leyendas que se tejieron en su entorno. Basado en la historia de un hotel ubicado en Baja California, la historia cuenta que fue compuesto ahí, aunque los miembros del grupo dicen que nunca fueron al lugar. Fue acusada de ser satánica, por hablar de una supuesta iglesia ocultista, que sirvió para el despegue de la banda que con la edición de este sencillo se convirtió en un éxito en muchos países. Las fábulas hicieron crecer más a este tema que cuenta con un solo de guitarra inolvidable y que muchos trataron de interpretar al escucharlo al revés diciendo que había mensajes encriptados.
5. “Comfortably Numb” de Pink Floyd (solo de David Gilmour). El punto más alto e intenso de “The Wall”, el disco doble de 1980, es cuando David Gilmour trae abajo todo poder de contención con un solo de guitarra punzante. El dramático de la guitarra se posesiona de la persona de “Pink”, el personaje del filme dirigido por Alan Parker, para realizar una construcción armónica e inquietante de la guitarra que fue considerada por muchos años como el mejor solo de la historia de PInk Floyd, y en la encuesta realizada por la revista Guitar World quedó en el cuarto lugar. David trajo el demo a las grabaciones de “The Wall”, Waters escribió la letra y algunos arreglos, dándole su estructura característica, fácilmente diferenciable del demo original.
6. “Free Bird” de Lynyrd Skynyrd (solos de Gary Rossington y Allen Collins). Enfrentada legendariamente con “Stairway To Heaven” de Led Zeppelin, por su equilibrada y virtuosa progresión de acordes de guitarra, este sencillo de 1973 contiene un solo de guitarra de 4 minutos que fue un duelo entre los dos encargados de las seis cuerdas en el grupo. La versión en vivo de la canción, que cuenta con una duración de 16 minutos, tuvo más éxito que la versión de estudio. El tema es uno de los himnos del rock sureño y quedó inmortalizado como la canción de despedida a la banda cuando, lamentablemente, perdieron la vida varios de sus miembros en un accidente de aviación en 1977. Una auténtica tesis de cómo tocar la guitarra es también una de las canciones más sonadas en series de TV y películas.
7. “Layla” de Derek and the Dominos (solos de Eric Clapton Duane Allman). Eric Clapton tiene que estar en cualquier lista de solos de guitarras gracias a este tema de 1970, que fue editado en el disco de Dereck and the Dominos llamado “Layla and Other Assorted Love Songs”. La canción fue escrita para Patty Boyd, la bella mujer con la que se casó tanto George Harrison como el mismo Clapton, motivo de disputa y distanciamiento entre los músicos y amigos. Por aquel entonces, el popular “slow hands” manifestaba una creciente adicción a la heroína, lo que le representaba un problema a la hora de pertenecer a una banda o mantener relaciones estables, pero todo esto cambió cuando Patty se acercó a él durante una crisis matrimonial pidiendo consejo, fue así que el guitarrista se enamoró profundamente de ella. De esos encuentros surgiría “Layla”, una canción dedicada encubiertamente a esta musa, y cuyo nombre se inspiró en la historia de amor árabe “La historia de Layla y Majnun”, del poeta clásico persa Nezami.
8. “While My Guitar Gently Weeps” de The Beatles (solo de Eric Clapton). Nuevamente Eric Clapton figura en la lista de los 50 mejores solos de guitarra elaborada por Gibson con esta participación estelar en el “Álbum Blanco” de los Beatles. Llamado por muchos críticos como un solo de guitarra “extraterrestre”, George Harrison definió la participación del blusero de esta manera: “Eric lo grabó, y a mí me pareció que estaba realmente bien. Entonces lo escuchamos de nuevo y él dijo: ‘Creo que hay un problema: no es lo suficientemente beatle’. Así que la pusimos en el ADT [automatic double-track] para bambolearlo un poco”. Clapton no estuvo animado inicialmente en aceptar la invitación al estudio, ya que señaló en su momento: “Nadie toca con los Beatles”.
9. “Johnny B. Goode” de Chuck Berry (solo de Chuck Berry). Se trata de una de las canciones más versionadas de la historia y sirvió para definir en 1958 cual debía ser la estructura y actitud de un rockero cuando todo estaba en la prehistoria. Según Joe Perry de Aerosmith: “Si quieres tocar rock & roll tienes que empezar aquí”, mientras que la Rolling Stone incidía “tiene la mejor introducción de la historia del rock: un explosivo y agudo punteo conducido por las punzantes notas de Berry”. Y Keith Richards, guitarrista de los Rolling Stones, la define como: “preciosa, sonaba natural y el tempo era perfecto”. La jocosa visión de la vida en la música fue la fuente de inspiración para una larga lista de grupos que tomaron esa actitud provocadora de Chuck Berry y que hicieron que nazca esa revolución cultural y social que se llamo rock.
10. “Bohemian Rhapsody” de Queen (solo de Brian May). Grabada en el verano de 1975 para las sesiones del disco “A Night On The Opera”, esta es la tarjeta de presentación del magnífico Brian May. La canción es pura inspiración de Freddie Mercury, pero el sello personal y amplificado del guitarrista hizo de Queen una banda de estadios. La canción no posee estribillo y consiste en seis secciones: una introducción a capela, una balada, un solo de guitarra, un segmento operístico, una sección de rock y una coda que retoma el tempo y la tonalidad de la balada introductoria. El solo de guitarra de esta canción ha sido considerado el vigésimo mejor de todos los tiempos por muchas publicaciones, pero Gibson decidió colocarlo en la décima posición. Cuando se puso a la venta como singles, “Bohemian Rhapsody” se volvió un éxito comercial. En 1977, dos años después de su lanzamiento, la British Phonographic Industry nombró a la canción como el mejor sencillo británico entre 1952-1977.
http://www.terra.com.pe/terrastereo/noticias/mus27468/10-mejores-solos-guitarra-todos-tiempos-segun-gibson.html
1. “Stairway to Heaven” de Led Zeppelin (solo de Jimmy Page). En muchas tiendas de guitarras de los Estados Unidos había un cartel que decía: “Prohibido tocar el solo de Stairway to Heaven” debido a que todo principiante ensayaba esa solemne construcción de acordes que Jimmy Page dejó para la posteridad. Pero el éxito de este tema de 8 minutos se debió precisamente a su prolongada duración. Según refiere Charles R. Cross en su libro biográfico de Led Zeppelin, “Shadows Taller Than Our Souls”, “unos 100 DJ’s me juraron que sólo tocaban la canción porque necesitaban un descanso algo prolongado para fumar. Si hubiese tenido un minuto menos, no podrías fumar un cigarro completo; si tuviese un minuto más, hubiese sido demasiado larga”.
2. “Eruption” de Van Halen (solo por Eddie Van Halen). Llamado como el mejor solo de guitarra de todos los tiempos por muchas publicaciones, Gibson decidió que esta improvisación vertiginosa de Eddie Van Halen quedara en el segundo lugar de su lista. El tema instrumental venía incluido en el primer disco del grupo y dejó firmado una carta de presentación luminosa de lo que esta banda tenía por ofrecer. La introducción de la canción está basada en el tema “Let Me Swin” de Cactus. Como muchas de las grandes canciones de la historia, este complicado diseño sonoro no iba a ser parte del disco, Eddie Van Halen siempre usaba estos acordes para calentar antes de grabar en el estudio, y fue el productor Ted Templeman quien sugirió registrarlo. “Yo ni siquiera toque bien. Hay un error en la parte final de eso. Al día de hoy, cada vez que lo escucho, siempre pienso: “yo pude haber tocado mejor”, dijo el guitarrista.
3. “All Along the Watchtower” de The Jimi Hendrix Experience (solo por Jimi Hendrix) Este es, además, uno de los mejores covers de todos los tiempos, y la revisión que hizo Jimi Hendrix de esta vieja canción de Bob Dylan dejó un registro de guitarra insuperable. La versión original es de 1967 y un año después el guitarrista decidió reinterpretarla e incluirla en el disco “Electric Ladyland”. Hendrix supo darle su toque particular de rock psicodélico, metiendo -entre verso y verso- solos de guitarra casi imposibles de tocar, y experimentando (a fin de cuentas Hendrix fue un pionero) con todo tipo de efectos y sonido estéreo, una novedad del momento.
4. “Hotel California” de Eagles (solos de Don Felder y Joe Walsh). Esta es una de las canciones míticas de la historia de la radio, un precioso tema de amor que fue acusado de ser satánico, debido una serie de mitos y leyendas que se tejieron en su entorno. Basado en la historia de un hotel ubicado en Baja California, la historia cuenta que fue compuesto ahí, aunque los miembros del grupo dicen que nunca fueron al lugar. Fue acusada de ser satánica, por hablar de una supuesta iglesia ocultista, que sirvió para el despegue de la banda que con la edición de este sencillo se convirtió en un éxito en muchos países. Las fábulas hicieron crecer más a este tema que cuenta con un solo de guitarra inolvidable y que muchos trataron de interpretar al escucharlo al revés diciendo que había mensajes encriptados.
5. “Comfortably Numb” de Pink Floyd (solo de David Gilmour). El punto más alto e intenso de “The Wall”, el disco doble de 1980, es cuando David Gilmour trae abajo todo poder de contención con un solo de guitarra punzante. El dramático de la guitarra se posesiona de la persona de “Pink”, el personaje del filme dirigido por Alan Parker, para realizar una construcción armónica e inquietante de la guitarra que fue considerada por muchos años como el mejor solo de la historia de PInk Floyd, y en la encuesta realizada por la revista Guitar World quedó en el cuarto lugar. David trajo el demo a las grabaciones de “The Wall”, Waters escribió la letra y algunos arreglos, dándole su estructura característica, fácilmente diferenciable del demo original.
6. “Free Bird” de Lynyrd Skynyrd (solos de Gary Rossington y Allen Collins). Enfrentada legendariamente con “Stairway To Heaven” de Led Zeppelin, por su equilibrada y virtuosa progresión de acordes de guitarra, este sencillo de 1973 contiene un solo de guitarra de 4 minutos que fue un duelo entre los dos encargados de las seis cuerdas en el grupo. La versión en vivo de la canción, que cuenta con una duración de 16 minutos, tuvo más éxito que la versión de estudio. El tema es uno de los himnos del rock sureño y quedó inmortalizado como la canción de despedida a la banda cuando, lamentablemente, perdieron la vida varios de sus miembros en un accidente de aviación en 1977. Una auténtica tesis de cómo tocar la guitarra es también una de las canciones más sonadas en series de TV y películas.
7. “Layla” de Derek and the Dominos (solos de Eric Clapton Duane Allman). Eric Clapton tiene que estar en cualquier lista de solos de guitarras gracias a este tema de 1970, que fue editado en el disco de Dereck and the Dominos llamado “Layla and Other Assorted Love Songs”. La canción fue escrita para Patty Boyd, la bella mujer con la que se casó tanto George Harrison como el mismo Clapton, motivo de disputa y distanciamiento entre los músicos y amigos. Por aquel entonces, el popular “slow hands” manifestaba una creciente adicción a la heroína, lo que le representaba un problema a la hora de pertenecer a una banda o mantener relaciones estables, pero todo esto cambió cuando Patty se acercó a él durante una crisis matrimonial pidiendo consejo, fue así que el guitarrista se enamoró profundamente de ella. De esos encuentros surgiría “Layla”, una canción dedicada encubiertamente a esta musa, y cuyo nombre se inspiró en la historia de amor árabe “La historia de Layla y Majnun”, del poeta clásico persa Nezami.
8. “While My Guitar Gently Weeps” de The Beatles (solo de Eric Clapton). Nuevamente Eric Clapton figura en la lista de los 50 mejores solos de guitarra elaborada por Gibson con esta participación estelar en el “Álbum Blanco” de los Beatles. Llamado por muchos críticos como un solo de guitarra “extraterrestre”, George Harrison definió la participación del blusero de esta manera: “Eric lo grabó, y a mí me pareció que estaba realmente bien. Entonces lo escuchamos de nuevo y él dijo: ‘Creo que hay un problema: no es lo suficientemente beatle’. Así que la pusimos en el ADT [automatic double-track] para bambolearlo un poco”. Clapton no estuvo animado inicialmente en aceptar la invitación al estudio, ya que señaló en su momento: “Nadie toca con los Beatles”.
9. “Johnny B. Goode” de Chuck Berry (solo de Chuck Berry). Se trata de una de las canciones más versionadas de la historia y sirvió para definir en 1958 cual debía ser la estructura y actitud de un rockero cuando todo estaba en la prehistoria. Según Joe Perry de Aerosmith: “Si quieres tocar rock & roll tienes que empezar aquí”, mientras que la Rolling Stone incidía “tiene la mejor introducción de la historia del rock: un explosivo y agudo punteo conducido por las punzantes notas de Berry”. Y Keith Richards, guitarrista de los Rolling Stones, la define como: “preciosa, sonaba natural y el tempo era perfecto”. La jocosa visión de la vida en la música fue la fuente de inspiración para una larga lista de grupos que tomaron esa actitud provocadora de Chuck Berry y que hicieron que nazca esa revolución cultural y social que se llamo rock.
10. “Bohemian Rhapsody” de Queen (solo de Brian May). Grabada en el verano de 1975 para las sesiones del disco “A Night On The Opera”, esta es la tarjeta de presentación del magnífico Brian May. La canción es pura inspiración de Freddie Mercury, pero el sello personal y amplificado del guitarrista hizo de Queen una banda de estadios. La canción no posee estribillo y consiste en seis secciones: una introducción a capela, una balada, un solo de guitarra, un segmento operístico, una sección de rock y una coda que retoma el tempo y la tonalidad de la balada introductoria. El solo de guitarra de esta canción ha sido considerado el vigésimo mejor de todos los tiempos por muchas publicaciones, pero Gibson decidió colocarlo en la décima posición. Cuando se puso a la venta como singles, “Bohemian Rhapsody” se volvió un éxito comercial. En 1977, dos años después de su lanzamiento, la British Phonographic Industry nombró a la canción como el mejor sencillo británico entre 1952-1977.
http://www.terra.com.pe/terrastereo/noticias/mus27468/10-mejores-solos-guitarra-todos-tiempos-segun-gibson.html
viernes, 11 de diciembre de 2009
Rolf Lislevand: Nuove Musiche (2006)
Rolf Lislevand (Oslo, Noruega, 1961) es un laudista, vihuelista y tiorbista noruego especializado en música antigua.
Desde 1980 a 1984 estudió guitarra clásica en la Academia de Música del Estado de Noruega. En 1984 ingresa en la Schola Cantorum Basiliensis de Suiza, que era en aquel entonces el centro de música antigua más activo de Europa. Estudió allí bajo la guía de Hopkinson Smith y Eugène Dombois hasta 1987.
En ese momento recibió una oferta de Jordi Savall para acompañarlo en sus grupos Hespèrion XX, La Capella Reial de Catalunya y Le Concert des Nations. A través de su trabajo con Savall ha obtenido un conocimiento profundo de la música francesa para viola da gamba del siglo XVII y realizan numerosas grabaciones y conciertos por todo el mundo. Asímismo, Montserrat Figueras le introdujo a la música vocal española de los siglos XVI y XVII.
A partir de 1987 se establece en Verona, donde trabaja sobre nuevas formas interpretativas de la música italiana del siglo XVII. Viviendo en estrecho contacto con una civilización que siempre ha enfocado el modernismo como tradición, procura integrar intuición e investigación en la búsqueda de un concepto global de estilo y estética de la música barroca.
La frondosa discografía de Rolf Lislevand como solista es editada por el sello francés Astrée-Auvidis. Desde su primer CD con música del laudista italiano Hieronymus Kapsberger, obtiene las más laureadas criticas y premios internacionales, como el Diapason d’Or del año, Choc de le Monde de la Musique, 10 de Répertoire...
Ha dirigido diferentes ensembles compuestos especialmente para alguno de los más importantes festivales europeos, con grandes figuras del mercado artístico internacional, como Edimburgo, Utrecht, Brujas, Montreaux.
Es uno de los grandes intérpretes de compositores españoles del Renacimiento, prestando especial atención al siglo XVI, respetando los criterios, las formas y los instrumentos originales de época, complementado en alguna oportunidad con danzas renacentistas.
Desde 1993 Lislevand es profesor en la Staatliche Hohschule für Musik en Trossingen, Alemania. Mientras los métodos de estudio habituales en academias se basan habitualmente en criterios pedagógicos surgidos de la tradición romántica del siglo XIX, en Trossingen se trabaja guiados por ideales más acordes con un concepto humanista del artista y del ser humano.
jueves, 10 de diciembre de 2009
Niño Josele: Española (2009)
Juan José Heredia, “Niño Josele” (Almería, 1974) vuelve a sacar disco, el segundo en este 2009 tras publicar hace unos meses ‘Venta del alma’. ‘Española’ es el nombre de su quinto álbum que ya está a la venta.
En este CD encontramos nueve cortes, todos ellos composiciones inéditas y originales del tocaor de Almería, menos el tema que abre y da nombre al trabajo: Española es una versión de la canción del músico McCoy Tyner.
Estamos ante una obra compacta en la que Josele profundiza en su sendero estético, el de mezclar el flamenco y el jazz latino con un desparpajo admirable. En su guitarra, esta aventura se transforma en género por la capacidad que tiene para que suene redondo. A través de las figuras que homenajea en el disco -Paco de Lucía, Bebo Valdés y Bill Evans- Niño Josele dibuja el triángulo musical en el que se sitúa por tradición y por vocación.
Flamenco, aires tropicales y jazz se van sucediendo, dejándose espacio en unas ocasiones y en otras conviviendo en armonía. Con estas herramientas, Josele aborda bulerías, rondeña, seguiriyas, rumba y zapateado, amén de alguna que otra composición libre. En ningún caso aparecen voces, aunque la guitarra sí que pasa de solista a acompañante para dar el protagonismo a los instrumentos que lo acompañan.
Estamos ante una obra compacta en la que Josele profundiza en su sendero estético, el de mezclar el flamenco y el jazz latino con un desparpajo admirable. En su guitarra, esta aventura se transforma en género por la capacidad que tiene para que suene redondo. A través de las figuras que homenajea en el disco -Paco de Lucía, Bebo Valdés y Bill Evans- Niño Josele dibuja el triángulo musical en el que se sitúa por tradición y por vocación.
Flamenco, aires tropicales y jazz se van sucediendo, dejándose espacio en unas ocasiones y en otras conviviendo en armonía. Con estas herramientas, Josele aborda bulerías, rondeña, seguiriyas, rumba y zapateado, amén de alguna que otra composición libre. En ningún caso aparecen voces, aunque la guitarra sí que pasa de solista a acompañante para dar el protagonismo a los instrumentos que lo acompañan.
Fernando Trueba se encarga de la producción y su mano se nota en la calidad de los músicos que comparecen en ‘Española’. Phil Woods, compañero y heredero de Charlie Parker, pone el saxo alto en dos de los cortes: ‘¿Es esto una bulería?’ y ‘Waltz for Bill’. Otros nombre que intervienen son los de Ralph Bowen, Alain Pérez y Piraña.
Niño Josele debutó discográficamente en 1995 con ‘Calle ancha’. Sus posteriores discos como solista han sido ‘Niño Josele’ (2003), su ya histórico ‘Paz’ (2006) y en este 2009 ‘Venta del alma’ que es una recopilación de antiguas composiciones y ‘Española’. Además, ha publicado junto al productor y músico Javier Limón el interesantísimo ‘Sorbo’ (2001) y ha participado en los trabajos de un buen ramillete de artistas entre los que se incluyen Enrique Morente, Diego el Cigala y Andrés Calamaro.
Autor: Ernesto Novales.
Niño Josele debutó discográficamente en 1995 con ‘Calle ancha’. Sus posteriores discos como solista han sido ‘Niño Josele’ (2003), su ya histórico ‘Paz’ (2006) y en este 2009 ‘Venta del alma’ que es una recopilación de antiguas composiciones y ‘Española’. Además, ha publicado junto al productor y músico Javier Limón el interesantísimo ‘Sorbo’ (2001) y ha participado en los trabajos de un buen ramillete de artistas entre los que se incluyen Enrique Morente, Diego el Cigala y Andrés Calamaro.
Autor: Ernesto Novales.
Temas:
01 Española
02 ¿Es esto una bulería?
03 Camino de Lucía (rondeña)
04 Gloria bendita (rumba)
05 Waltz for Bill
06 Zapateado para Bebo
07 Balcón de luna (seguiriya)
08 A contratiempo (bulería-tumbao)
09 La partida
02 ¿Es esto una bulería?
03 Camino de Lucía (rondeña)
04 Gloria bendita (rumba)
05 Waltz for Bill
06 Zapateado para Bebo
07 Balcón de luna (seguiriya)
08 A contratiempo (bulería-tumbao)
09 La partida
jueves, 1 de octubre de 2009
Mike Stern: Big Neighborhood (2009)
El guitarrista Mike Stern, tras su graduación en Berklee College de Boston, su ciudad de origen, se unió el grupo Blood, Sweat & Tears y, desde esa etapa, "saltó" a numerosos grupos de algunos de los músicos más importantes del jazz norteamericano, destacando su brillante participación en la banda de Miles Davis (81-83). Músico de "sonido propio" y excelente compositor, ha ido progresivamente limitando su presencia en discos y conciertos de otros artistas con el fin de potenciar su discografía en solitario. Trece álbumes desde el 83, conforman una sólida carrera marcada por el dominio de cualquier estilo musical ya sea jazz, rock, blues o funky y siempre intentando aportar algo nuevo y distinto a cada uno de sus discos.
En "Big Neighborhood", uno de sus álbumes más ambiciosos, Mike ha unido el sonido de su guitarra a otros instrumentos y voces procedentes de algunos de los nombres más notables del jazz contemporáneo. La contrabajista y cantante Esperanza Spalding, interviene en tres de los temas y, además, Richard Bona, Medeski-Martin & Wood, Randy Brecker, Terri Lyne Carrington, Bob Malach, Dave Weckl, Steve Vai y Eric Johnson, entre otros.
Mike Stern, que ya ha tocado en el pasado junto a otros guitarristas como Bill Frisell o John Scofield, ha querido buscar una fórmula distinta para su nuevo disco, buscando la colaboración de músicos que se mueven en una órbita musical diferente a la suya y el resultado no ha podido ser más satisfactorio.
En "Big Neighborhood", uno de sus álbumes más ambiciosos, Mike ha unido el sonido de su guitarra a otros instrumentos y voces procedentes de algunos de los nombres más notables del jazz contemporáneo. La contrabajista y cantante Esperanza Spalding, interviene en tres de los temas y, además, Richard Bona, Medeski-Martin & Wood, Randy Brecker, Terri Lyne Carrington, Bob Malach, Dave Weckl, Steve Vai y Eric Johnson, entre otros.
Mike Stern, que ya ha tocado en el pasado junto a otros guitarristas como Bill Frisell o John Scofield, ha querido buscar una fórmula distinta para su nuevo disco, buscando la colaboración de músicos que se mueven en una órbita musical diferente a la suya y el resultado no ha podido ser más satisfactorio.
jueves, 6 de agosto de 2009
Django Reinhardt: Rétrospective 1934-53
Jean Baptiste "Django" Reinhardt (Liberchies, 23/24 de enero de 1910 - Fontainebleau, 16 de mayo de 1953), guitarrista de jazz de origen gitano sinti nacido en Bélgica. Se trata del primer músico de jazz originario de Europa que ejerció una influencia similar a la de los grandes artistas estadounidenses. Su música es el resultado de la fusión entre el swing y la tradición musical gitana del este europeo, lo que se conoce con el nombre de Gypsy jazz, en inglés, o, en francés, Jazz manouche / Manouche jazz (jazz gitano).
Reinhardt revoluciona el toque de guitarra en el jazz justo antes de que se empezase a utilizar la amplificación. Sobre la base de un bajo, de dos guitarras rítmicas y del habitual violín de Stéphane Grappelli, Django desarrolla una música alegre y extraordinariamente flexible. Sus conceptos armónicos fueron sorprendentes en su época y así impresionó a músicos como Charlie Christian y Les Paul; además, su influencia sobre el swing fue decisiva para la decantación de una línea de este en la llamada música country.
Aunque no sabía leer música, a solas y junto a Grappélli, Reinhardt compuso varias melodías sumamente originales y exitosas como "Daphne", "Nuages", "Manoir de Mes Rêves", "Minor Swing" y la oda a su compañía discográfica de los años treinta "Stomping at Decca".
Creció en un campamento gitano situado a las afueras de París, al lado de las fortificaciones que la rodeaban, a donde se había trasladado su tribu materna cuando tenía ocho años, absorbiendo la raíz gitana que luego se mostraría en su música. Django nunca llegó a utilizar juegos o a vivir en una casa verdadera hasta que cumplió los veinte años. Estos gitanos franceses o Manouches eran un mundo en sí mismos, medievales en sus creencias y desconfiados de la ciencia moderna. Django creció en este mundo de contradicciones, con un pie en la ciudad grande y apresurada de París y el otro en la vida histórica del gitano nómada.
Fue a una edad temprana cuando Django se sintió atraído por la música. Cuando tenía doce años consiguió su primer instrumento, un banjo que le regaló un vecino enterado de su interés prematuro por la música. Aprendió rápidamente a tocarlo, copiando la digitación de los músicos que podía observar. Asombró pronto a los adultos con su habilidad con la guitarra y, antes de los trece años, empezó su carrera musical con el popular acordeonista Guerino en un salón de baile en la Rue Monge. Tocaría también con otras bandas y músicos e hizo sus primeras grabaciones con el acordeonista Jean Vaissade para la Ideal Company. Dado que Django no sabía ni leer ni escribir en esa época, su nombre apareció como "Jiango Renard" en esas grabaciones.
El 2 de noviembre de 1928, a la una de la madrugada, Django regresaba a su casa-caravana de una noche de música en el nuevo club La Java. La caravana había sido llenada con flores de celuloide por su mujer, que pretendía venderlas al día siguiente. Django creyó oír un ratón y utilizó una vela para poder verlo. Un poco de cera caída sobre las altamente inflamables flores bastó para provocar un infernal incendio. El músico se envolvió en una manta para protegerse de las llamas. Tanto él como su mujer salvaron la vida, pero su mano izquierda y toda la parte derecha de su cuerpo de la rodilla a la cintura quedaron seriamente dañadas.
En un principio los doctores querían amputar su pierna, pero Django se opuso. Los cuidados recibidos en una enfermería serían luego decisivos para salvarle la pierna. Django estuvo dieciocho meses postrado en la cama. Al final había quedado incapacitado del cuarto y quinto dedos de la mano izquierda (que habían quedado contraídos hacia la palma de la mano debido al calor recibido por los tendones). No obstante, gracias a su ingenio inventó un sistema de digitación para suplir su problema, sistema que influyó en cierta medida en la originalidad de su estilo. Podía usarlos en las primeras dos cuerdas de la guitarra para los acordes y las octavas, pero su completa extensión era imposible. Con todo, fue capaz de convertirse en un gigante de la guitarra únicamente con el uso del dedo índice y del dedo medio.
De acuerdo con algunas fuentes, fue durante su período de recuperación cuando Django se introdujo en el jazz americano, cuando encontró un disco de Louis Armstrong, Dallas Blues, en un mercado originario de Nueva Orleans. Estuvo trabajando en los cafés parisinos hasta que en 1934 el jefe del Hot Club, Pierre Nourry, le propuso la idea de formar una banda de cuerdas en la que estarían él y Grappélli. Así nació el Quintet of the Hot Club of France, que rápidamente se hizo famoso en todo el mundo gracias a sus grabaciones para Ultraphone, Decca y HMV.
El estallido de la Segunda Guerra Mundial en 1939 disolvió el grupo, quedando Grappélli en Londres con el resto de los músicos y con Django regresando a Francia. Durante los años de la guerra lideró una big band, otro quinteto con el claritenista Hubert Rostaing en el lugar de Grappelli, y tras la liberación de París, grabó con músicos estadounidenses que llegaban de visita a Francia como Mel Powell, Peanuts Hucko y Ray McKinley. En 1946 Reinhardt comenzó a practicar con la guitarra eléctrica y realizó una gira por Estados Unidos como solista con la orquesta de Duke Ellington, aunque no obtuvo gran éxito. Algunas de sus grabaciones con la guitarra eléctrica en los últimos años de su vida son incursiones en el bop que suenan frenéticas en comparación con el alegre swing de sus inicios. Sin embargo, a partir de enero de 1946, Reinhardt y Grappelli llevaron a cabo varias reuniones esporádicas donde las influencias bop están más sutilmente integradas en el antiguo formato swing. Durante los años cincuenta, Reinhardt se retiró a Europa, tocando y grabando allí hasta su muerte, debida a una hemorragia cerebral, en 1953.
miércoles, 1 de julio de 2009
Joan Bibiloni: Ma en es cor
Joan Bibiloni Febrer, más conocido como Joan Bibiloni, (Manacor, Mallorca, 1952) es un guitarrista, arreglista y compositor español. Artista prolífico en catalán, ha sido también productor de músicos como Marina Rossell o Antonio Vega.Veinte años después de su debut en solitario, el músico mallorquín, Joan Bibiloni, ha compuesto Mà en es cor, un doble disco-libro de tonalidades clásicas.
Mà en es cor es el particular homenaje de Joan Bibiloni a la ciudad mallorquina de Manacor. Un tributo a través de las composiciones sonoras y poéticas de una serie de creadores nativos de la localidad: desde mosén Alcover hasta Miquel Àngel Riera, pasando por Guillem d'Efak, Antoni Parera Fons, Guillem Sansó, Tomeu Matamalas, Tots Sants, Lluís Massanet, Skardspiken...
Bibiloni ha contado con la colaboración de los músicos que le acompañan habitualmente:Toni Cuenca, Toni Pastor, Tolo Servera, Miquel Figuerola y Damià Timoner.
El virtuoso guitarrista balear ha erigido un pequeño milagro discográfico para los tiempos que corren: música para textos ajenos; composiciones propias, unas ya conocidas y otras inéditas y, en fin, músicas de otros compositores.
El formato de la edición se compone de un doble disco compacto con un libreto de 160 páginas en color, que incluye letras, historia y un profuso despliegue fotográfico.
Mà en es cor cuenta con un puñado de invitados artísticos como Concha Buika, Biel Majoral, Isidor Marí, Joan Pons y Paquito D'Rivera.
http://www.zambra.com/es/revista/noticias/210803-1.html
Bajar
lunes, 30 de marzo de 2009
Luis Salinas y Amigos en España (2004)
Luis Salinas es un guitarrista y compositor nacido el 24 de junio de 1957, en Monte Grande, al sur de Buenos Aires, Argentina.
La influencia de su padre y de su padrastro, ambos músicos, lo animaron a tocar la guitarra desde muy pequeño, “el gusto por tocar todos los géneros viene de ahí”, explicó. Pese a haber comprado su primera guitarra a los 27 años, esta pasión venía desde la cuna. El lugar que marcaría un antes y un después en su carrera fue “El papagayo”, célebre pub, donde tocó durante ocho años. Es un músico autodidacta, el cual no estudió en ningún conservatorio, gran improvisador, de original capacidad interpretativa. Compartió experiencias con varios grandes del folklore y del tango, como Adolfo Ábalos y Horacio Salgán. También tocó con Egle Martin, Jaime Torres y grabó un disco de tango con María Graña. Lleva grabados nueve discos, entre ellos, “Música Argentina 1 y 2” donde tocando la guitarra criolla hizo un recorrido por el folklore y el tango, “Ahí va”, por el que recibió su segundo premio Gardel, en el cual vuelve al sonido eléctrico del latín jazz. "Luis Salinas y amigos en España", se grabó en 2004 en Barcelona junto a músicos de la calidad de Tomatito, Horacio Fumero, Oscar Giunta, Javier Colina, Jorge Bonell, Jorge Pardo y Perico Sambeat entre otros. En mayo de 2006 presentó su cd doble, "Muchas cosas". Durante su carrera tocó con grandes guitarristas como el mismísimo B.B. King y músicos de la talla de Hermeto Pascoal.
domingo, 1 de febrero de 2009
Joan Bibiloni: Balears (1999)
Compositor, guitarrista, vocalista, arreglista y productor discográfico, nacido en Mallorca en 1952. Cuenta con un historial musical que lo une a nombres internacionales de la talla de: JON ANDERSON, DAVID ALLEN, GILLY SMITH, KEVIN AYERS, DAVID GRAHAM, LARRY CORYELL, CELIA CRUZ, JOHN CALE, etc., con quienes ha colaborado, tocado o grabado en varias ocasiones.A los quince años, graba su primer álbum y durante los cuatro años siguientes toca con diferentes grupos de las islas: HARLEM, TALAYOTS. Más tarde forma el grupo ZEBRA (fusión de los BRAVOS y Z-66) juntos editan 11 discos, más tarde forma el dúo “MILAN Y BIBILONI”. Graban un disco y realizan numerosas giras dentro y fuera de España. En 1981 y 1982 se une a la KEVIN AYERS BAND, actuando en España y Europa y coproduciendo un L.P.En el año 1982 aparece su primer disco en solitario “JOANA LLUNA”. En 1983 produce y graba junto a JORGE PARDO. Durante este tiempo crea una super-banda, que une a grandes músicos del país, como son JORGE PARDO, MAX SUÑER y KITFLUS, realizando actuaciones y colaboraciones discográficas. BIBILONI compagina su labor en Europa, con viajes frecuentes a Estados Unidos, donde edita un disco “COLOR DROPS” junto al flautista americano ERNIE MANSFIELD.En 1985 y 1986 forma dúo junto a LARRY CORYELL. El trabajo como productor de JOAN BIBILONI , abarca estilos que van desde la música popular de TOMEU PENYA, hasta producciones pop como FURNISH TIME. 1988, nueva e importante etapa encaminada a su lanzamiento internacional de la mano del sello discográfico POLYGRAM (Londres) con quien firma contrato por tres años. En 1989 presenta su disco FOR A FUTURE SMILE en el Festival de Jazz de Montreux (Suiza).También produce y compone para MARINA ROSSELL con motivo de la presentación del disco CINEMA BLAU. Colabora con MARIA DEL MAR BONET componiendo y grabando para su disco BON VIATGE FACI LA CADERNERA.Desde entonces hasta el año 1998 produce PALABRA DE GUITARRA LATINA con guitarristas como TOMATITO, LARRY CORRYELL, LUIS SALINAS, RAY GOMEZ, TITO ALCEDO, JORDI BONELL, RAIMUNDO AMADOR, JAIME STINUS...Y así hasta hoy, editando discos y produciendo otros artistas, como Antonio Vega, desde su productora Satie.
Si te gusta el disco, lo puedes comprar aquí:
Joan Bibiloni
Balears
2007 / Satie
CD 29.95 €Comprar
2CD con libro de 64 paginas / 2CD / con textos de: Miquela Lladó, Josep Marí, Joan Manresa, Maria del Mar Bonet, Tomàs Graves,Bernat Nadal, mossèn Antoni Maria Alcover i Ponç Pons. Músicos: Larry Coryell, Jorge Pardo, Pep Toni Rubio, Angel Matesanz, Vicens Borràs, Nando González, Pepe Milán, Miquel Morey, Pepe Robles, Jordi Mauri,Juan Carlos Mendoza, Miquel Figuerola, Ruben Andreu, Ernie Mansfield, Toni Pastor, Toni Cuenca, Daniel Lagarde, Wally Fraza, Armando Tirelli, Joan Bibiloni.
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