Páginas

sábado, 31 de diciembre de 2011

La infancia de un mito: de los bajos fondos de Nueva Orleans al Hogar de Niñ...

vía LA MÚSICA ES MI AMANTE de Manu Grooveman el 30/12/11


Nueva Orleans, principios del siglo XX. Un niño de unos 7 años empuja una desvalijada carretilla de madera por el Storyville negro, uno de los más depravados de la ciudad. En ella, lleva carbón que reparte por todos los salones, burdeles y tabernas del barrio. Sopla una larga corneta de hojalata para aunciar su presencia.  Las prostitutas le conocen y le saludan con una especie de instinto maternal. Le llaman cariñosamente 'little' o 'dippermouth' (boca grande) debido a su apariencia menuda y a su descomunal sonrisa, que nunca parece perder a pesar de la situación. 

De cuando en cuando, ese niño sonriente asoma la cabeza entre las cortinas de los lupanares y escucha una música diferente, mágica y excitante. Una música que se está forjando a golpe de sexo y alcohol, de corneta y de piano. Escucha un ritmo contagioso y vibrante que le atrapa, le transporta y le hace soñar. Ese niño -aunque todavía no lo sabe- será la figura clave en la evolución del jazz, el que codifica y asimila todo lo que ha pasado antes para marcar el camino de lo que será el lenguaje la música jazz y convertirlo en una forma de expresión artística universal.

Una de las leyendas mas antiguas del jazz -a la que contribuyó principalmente el propio protagonista- dice que Louis Armstrong nació el 4 de julio de 1900. Sin duda no podía haber efeméride más apropiada - el Día de la Independencia y el inicio del siglo- para el nacimiento de una de las mayores glorias estadounidenses, pero, como casi siempre, la realidad es mucho menos mitológica y solemne. Daniel Louis Armstrong vino al mundo el 4 de agosto de 1901 en el barrio de Jane Alley de Nueva Orleans como hijo ilegítimo de William Armstrong y Mary Albert, 'Mayan', una prostituta que tan solo tenía 17 años. Gracias al certificado de bautismo que descubrió el crítico Gary Giddins en su libro 'Satchmo: The Genius of Louis Armstrong' se pudo confirmar definitivamente esa fecha y se cerró un ciclo de pesquisas e investigaciones que habían emprendido otros autores.

Louis junto a su madre y su hermana
Los negros de la época no solían dejar registrado los eventos de sus vidas. Por tanto, no es algo circunstancial la fecha de nacimiento al igual que no lo son los detalles que el mismo Armstrong ofreció de su infancia. Nunca pareció avergonzarse de sus orígenes, sobre todo en lo que respecta al sentido comunitario y a la sensación de pertenencia. Aunque la mayoría de versiones de aquella etapa son contradictorias y en general tendían a edulcorar una realidad mucho más dura para un niño negro como fueron la segregación, la violencia y la extrema pobreza. En sus memorias Armstrong reconoció que en muchas ocasiones no tenían ni para cenar. Casi nada más nacer, además, su padre abandonó el hogar y se fue a vivir con otra mujer, con la cual formó una nueva familia, dejando a Louis sin una referencia masculina a la que imitar.

La ausencia de esta figura paterna marcó definitivamente el carácter y la personalidad del joven Armstrong que desde muy pequeño tuvo que hacerse cargo de las riendas de su casa. Pero además le influyó en su carrera artística ya que según apunta James Lincoln Collier en su espléndida 'Louis Armstrong: an American Genius', Armstrong siempre se rodeó de hombres -generalmente blancos- con personalidades fuertes, dominantes y rudas, algunos incluso con antecedentes criminales, porque creía que era la única manera que tenía un hombre negro de hacer algo en la vida.

Su madre Mayann (apodo utilizado por Armstrong) tuvo otra hija llamada Beatrice (apodada Mama Lucy), pero enseguida los niños se quedaron a cargo de su abuela Josephine, ya que Mayann trabajaba en varios prostíbulos para ganarse la vida. El entorno en el que crecieron era un barrio negro de desvencijadas y atestatadas casuchas de madera. En los meses de calor las calles se llenaban de polvo y durante las lluvias todo se cubría de lodo. Además era uno de los barrios más peligrosos de Nueva Orleans conocido popularmente como 'El Campo de Batalla'. Las peleas con cuchillos, las pistolas y los asesinatos estaban a la orden del día. Parece imposible que un genio de la categoría de Armstrong saliera de un lugar así donde la vida apenas importaba y si además tenemos en cuenta que no existían antecedentes musicales en su familia.

Louis Armstrong (centro, fila de arriba)  y la 'Waif's Home Colored Brass Band' 

Alrededor de 1905, Armstrong y su hermana Mama Lucy, ya con Mayann al frente, se trasladaron a un apartamento en Perdido Street, en pleno Storyville negro, donde compartían techo con los diferentes novios que tenía su madre. De hecho, Louis se vestía con un chaleco de algodón azul y unos pantalones arremangados que heredaba de éstos. Siempre iba descalzo, incluso en invierno, y nunca llegó a tener más de tres prendas a la vez.

A unos 50 metros de su casa, en South Franklin Street, se encontraba la escuela Fisk, donde parece que aprendió a leer y escribir, pero justo en la acera de en frente estaba otra escuela que enseñaría mucho más Armstrong: el Funky Butt Hall, lugar donde escuchó por primera vez a uno de sus ídolos, Buddy Bolden. Junto a los otros niños espiaban por los agujeros de la pared para ver el baile de las prostitutas y al mismo tiempo oír el espectacular sonido de corneta de Bolden, como ya describimos en la entrada dedicada al pionero cornetista.

En la zona no había una sola casa decente y abundaban los salones y burdeles. Precisamente a otro de sus ídolos, y principal mentor, Joe Oliver, lo descubrió en el Lala's trabajando para los Karnofskys, una familia judía de inmigrantes rusos, como repartidor de carbón. Cuando se aproximaba al salón donde tocaba Oliver, Armstrong ralentizaba el paso para poder estar más tiempo escuchándole.

El Hogar de los Niños Expósitos

En la Nochevieja de 1912, Armstrong se encontraba en la calle, como el resto del barrio, celebrando el Año Nuevo. Había tomado prestado de su padrastro un revólver del calibre 38. Un niño disparó un cartucho sin bala en dirección a Armstrong, a lo que éste respondió lanzando seis tiros al aire, sin ninguna intención de herir a nadie. Pero un policía blanco que observaba la escena le cogió de inmediato para llevárselo arrestado a comisaría. Después de una rápida audiencia, el 2 de enero de 1913 fue internado en el Hogar de Niños Expósitos de Nueva Orleans.

Este hecho que podría haber resultado traumático para cualquier niño de su edad, produjo una contrapartida sorprendente. El Hogar era una institución con disciplina militar que potenciaba la tradición musical de bandas. De hecho, había una banda, la 'Waif's Home Colored Brass Band',  formada por un bombo y 15 instrumentos de bronce El primer instrumento que asignaron a Armstrong fue una pandereta, después pasó a los tambores, luego el bugle para acabar finalmente ocupándose de la corneta.

A diferencia de los grandes cornetistas de Nueva Orleans que tuvieron una formación autodidacta, Armstrong recibió en el Hogar una rudimentaria formación técnica. El repertorio se basaba en los rags y blues populares del momento porque todavía no existía el término jazz. Pero sin duda, el principiante Armstrong adquirió una concepción musical básica que le resultaría muy útil en el futuro.

Gracias a los méritos y los ensayos rápidamente Louis progresó hasta convertirse en primer cornetín de la banda. Consiguió sus primeros reconocimientos como músico y le dio la oportunidad de tocar en público en desfiles y procesiones. Además le mostró las posibilidades que había más allá del Storyville negro. En cierto modo le dignificó. Pero pasados 18 meses el juez le otorgó la libertad, circunstancia que no le agradó en absoluto porque él se sentía feliz y realizado en el Hogar. Además su salida significaría que tendría que vivir con su padre. Tendrían que pasar todavía 2 años hasta que Louis Armstrong pudiera pagarse su primera corneta. Como sugiere James Lincoln Collier, si el Hogar de Niños Expósitos no hubiera puesto un instrumento en sus manos es posible que hubiese llegado demasiado tarde a la música...

Las selecciones musicales son dos deliciosas piezas compuestas por Louis Armstrong y su segunda esposa, Lil Hardin, inspiradas en sus orígenes. En primer lugar 'Perdido Street', con uno de los fraseos más reconocibles de Armstrong y en segundo lugar 'Coal cart blues' (El blues de la carreta de carbón); ambas grabadas en 1940 en Nueva York para la discográfica Decca.





"Mi padre nunca tuvo tiempo para enseñarme nada; estaba demasiado ocupado persiguiendo rameras", Louis Armstrong en su autobiografía 'Satchmo'.

viernes, 30 de diciembre de 2011

ONE-BY-ONE-videoclip-Tuku-Mtukudzi - Positive Generation .org


Positive Generation es un proyecto musical de Médicos Sin Fronteras (MSF) que quiere dar a conocer las extraordinarias canciones de los grupos de apoyo y coros de Zimbabue que hablan sobre los retos de la enfermedad del VIH/sida y que se fusionan con el talento de artistas como Alejandro Sanz, Antonio Carmona, Javier Limón, Estrella Morente, Juan Luis Guerra, Carminho, Andrés Calamaro, Oliver 'Tuku' Mtukudzi y otros.

miércoles, 21 de diciembre de 2011

Cantares, los artistas flamencos cantan a Serrat



Varios
“Cantares, los artistas flamencos cantan a Serrat”
UNIVERSAL
Texto: CHEMA DOMÍNGUEZ.
“Si uno no puede decir quién es, si uno no puede decir qué piensa, si uno no puede decir qué siente, francamente, nuestro paso por la vida sería un tránsito realmente penoso y sobre todo seríamos cómplices de una terrible injusticia”. Esta verdad inolvidable fue dicha por Joan Manuel Serrat el pasado 10 de diciembre, dentro de la campaña de recogida de firmas de Amnistía Internacional a favor de la libertad de expresión, y que él mismo encabezó en Madrid.
La expresión flamenca ha buscado desde sus inicios esa libertad. Ha roto cadenas cantando lo que siente, y las canciones de Serrat han buscado lo mismo. Así que este “Cantares” estaba ahí, esperando desde hace tiempo a que alguien le diese forma. Editado a finales de noviembre, contiene un índice de trece temas con nombres destacados del flamenco que quieren recoger la mayoría de los diferentes colores de voces, y la mejor representación de cantes que hermanen bien con el repertorio de El noi del Poble-sec.
Duquende por ‘Decir amigo’, José Mercé con ‘Lucía’ y Carmen Linares recitando ‘Poema de amor’ inician la entrega por el lado de las voces más genuinas, destacando la de Jaén.Miguel Poveda es uno de momentos más esperados, por unir en su voz grandeza flamenca y popular, justo el nexo de unión que necesita el repertorio del Nano. Y no defrauda con ‘El meu carrer’.
Un corte al que no esperé que le llegara su turno es esa copla honda y maravillosa titulada ‘Romance del Curro El Palmo’, a cargo de Mª Ángeles Fernández y Josemi Carmona. Una de las mejores letras de Serrat que sintetiza como pocos el folclore y una forma de expresión realmente del pueblo. Expectativas cumplidas, este romance justificaría por si solo el disco. Pero lo mejor es que siguen las buenas noticias al llegar los turnos habaneros y fiesteros con María Carrasco para cantar ‘Tu nombre me sabe a yerba’ y El Pele y El cuarteto de la Habana recordando ‘Aquellas pequeñas cosas’. Qué bueno El Pele, en compañía de otros o con Vicente Amigo, me viene a la memoria esa fantástica ‘La fuente de lo Jondo’ o ese ‘Vengo del moro’.
Camarón y Tomatito y Enrique Morente tenían que estar aunque fuera tirando de archivo, no podían faltar para que este mapa fuera completo. ‘La Saeta’ y  ‘Nanas de la cebolla’ respectivamente aportan la dimensión poética que Serrat y el Flamenco tienen, gracias a Antonio Machado y Miguel Hernández. Y en esa línea y, quizá, con el timbre más llamativo del flamenco en su fantástica evolución, y que tanto deberá y deberemos siempre al talento de Mario Pacheco y sus Nuevos Medios, está Diego Carrasco dando argumento al proyecto con ‘Cantares’. Formidable.
Afortunadamente, el disco no sufre ningún descuelgue y mantiene una media muy alta que logra otro de sus mejores momentos con Mayte Martín, plena de sentimiento, cuando se acerca a la canción, sin más, y va directa al corazón con ‘Paraules d’amor’.
El proyecto, además, incluye una labor divulgativa muy acertada en el libreto, al incluir una breve reseña para contextualizar al artista que interpreta cada tema. De esta forma, quien se acerque por Serrat al flamenco o al flamenco por Serrat, encontrará un mínimo de pistas para seguir explorando y descubriendo. Nadie que lo haga se va a arrepentir. Los créditos de cada tema, aportan también esas huellas necesarias que podemos seguir para encontrar nuevos e interesantes caminos: los que han ido trazando y trazan Jesús Bola, Javier Limón, Manuel Ruiz “Queco” o José Miguel Carmona, entre otros. Lo único, ¿tenía que ser tan breve?

http://www.efeeme.com/90011/el-disco-del-dia-cantares-los-artistas-flamencos-cantan-a-serrat/

Aquí

A Curva da Cintura - Arnaldo Antunes, Edgard Scandurra e Toumani Diabaté (2011)





Gal Rocha
Um trecho da canção "Kaira" diz: "a música muda você / você muda mais alguém / alguém muda outro alguém / que muda você também". Esse mesmo efeito, no qual uma coisa vai desencadeando outra, agiu para que Arnaldo Antunes e Edgard Scandurra encontrassem Toumani Diabaté - músico maliense que toca um instrumento chamado kora, uma espécie de harpa com 21 cordas, típica da África Ocidental. Toumani foi premiado em 2010 e 2011 no Grammy Awards na categoria melhor álbum de Traditional World Music.
Arnaldo e Edgard, parceiros há mais de vinte anos, já estavam apresentando uma série de shows juntos, com voz, violão, guitarra e um bumbo eletrônico, e compondo novas canções para um disco, quando foram convidados a dividir um concerto com o maliense em 2010, dentro do Festival Back2Black, no Rio de Janeiro. E, apesar de terem feito apenas um ensaio antes do show, a sintonia foi perfeita. O músico, então, os convidou para gravar em Bamako, capital do Mali, na África. Eles não só aceitaram como chamaram Toumani para participar do novo projeto.
O álbum foi gravado em Mali e São Paulo durante os meses de abril e maio deste ano. Em Bamako, os músicos ficaram duas semanas gravando com Toumani, seu filho, Sidiki Diabaté, e outros músicos do lugar. Lá compuseram mais alguns temas além dos que já haviam feito. O CD, produzido por Gustavo Lenza, tem 14 faixas, além de quatro bônus tracks. O lançamento do disco está previsto para este mês em parceria com a MTV, sob o selo Especial MTV, junto com o documentário, dirigido por Dora Jobim, com cenas das gravações em Mali.
Culinária, modo de vestir e costumes malienses - como assistir novelas brasileiras, por exemplo, também são mostrados no DVD. Uma parte especialmente bonita é o registro feito na casa de Toumani quando as crianças começam a cantar e a dançar. Interessante também quando o músico conta sobre a independência do Mali, na década de 1960, e sobre o movimento de resistência para enfrentar os colonizadores franceses, chamado de Kaira. A "arma" usada pelo movimento foi o canto - que falava sobre cultura, alegria, amor e paz.
"A Curva da Cintura" - Arnaldo Antunes, Edgard Scandurra e Toumani Diabaté
1. A CURVA DA CINTURA (Arnaldo Antunes / Edgard Scandurra)
2. CARA (Arnaldo Antunes / Edgard Scandurra)
3. CORAÇÃO DE MÃE (Arnaldo Antunes / Edgard Scandurra)
4. MEU CABELO (Serge Gainsbourg / versão: Arnaldo Antunes)
5. GRÃO DE CHÃOS (Arnaldo Antunes / Liminha / Paulo Miklos)
6. CÊ NÃO VAI ME ACOMPANHAR (Arnaldo Antunes / Edgard Scandurra)
7. QUE ME CONTINUA (Arnaldo Antunes / Edgard Scandurra)
8. UM SENHOR (Arnaldo Antunes / Edgard Scandurra)
9. PSIU (Arnaldo Antunes / Edgard Scandurra)
10. SE VOCÊ (Arnaldo Antunes / Edgard Scandurra)
11. MUITO ALÉM (Arnaldo Antunes / Edgard Scandurra)
12. CÊ SABE COMO É (Arnaldo Antunes / Edgard Scandurra)
13. IR, MÃO (Arnaldo Antunes / Edgard Scandurra)
14. KAIRA (Toumani Diabaté / Arnaldo Antunes)
Bônus track
RIO SECO (Toumani Diabaté)
NEBLINA DE AREIA (Edgard Scandurra)
YACINE (Toumani Diabaté)
BAMAKO'S BLUES (Edgard Scandurra)


Download: A Curva Da Cintura

jueves, 15 de diciembre de 2011

FOLÍAS DE ESPAÑA - Concierto de Jordi Savall



FOLÍAS DE ESPAÑA - Concierto de Jordi Savall.


Intérpretes:

- Jordi Savall (Viola de gamba)
- Rolf Lislevand (Guitarra barroca, tiorba)
- Arianna Savall (Arpa)
- Pedro Estevan (Percusión)
- Adela González-Campa (Percusión)

Grabado en la Iglesia de Plouaret, el 13 de octubre de 2002, dentro del Festival de Música Antigua de Lanvellec (Francia). (MEZZO TV)

martes, 13 de diciembre de 2011

Hubiera Cumplido 60 (Jaco Pastorius)


vía La Quinta Disminuida de nico el 13/12/11


Arte. Magia. Genio. Locura. Innumerables y variopintas han sido las expresiones que han intentado explicar, los detalles inherentes al proceso de creación artística. De igual modo que la religión se apoya en metáforas épicas con las que trata de dar respuesta a los problemas derivados de la existencia humana, el germen del que nace el arte ha sido públicamente manipulado, evitando el reconocimiento del trabajo y el esfuerzo, mitificando y comercializando la figura del artista y reforzando indirectamente esa teoría que identifica al arte como un reflejo de la propia vida.
La genialidad de pintores, escultores, escritores y músicos se relaciono en muchos casos con detalles anecdóticos aparejados de sus biografías. Según este criterio el postimpresionismo pictórico se basó en la enfermedad mental de Vincent Van Gogh hasta el punto de amputarse su propia oreja, Ludwig Van Beethoven jamás podría haber compuesto su Novena Sinfonía, ni Francisco de Goya retratar sus Caprichos si ambos no hubieran padecido sordera, los suicidios de varios artistas tuvieron una relación directa con su martirizada mente de creador, y la revolución musical que propuso Wolfgang Amadeus Mozart estaba fundamentada en su inusual espíritu histriónico e infantil.
Esas mentes atormentadas, cuya compleja personalidad originada en oscuros pasados familiares, duras condiciones de vida y enfermedades de tipo físico y psíquico pertenecían a individuos con lógica, destreza e incansable disposición al trabajo, cualidades de gran valía, pero menos dadas a alimentar leyendas. Leyendas que siempre existieron en el jazz, una música que surgió de forma marginal, en lugares marginales y a cargo de un grupo social tan marginal como la raza afro-americana en la América de principios del siglo XX.
Los aspectos más oscuros de las biografías de los músicos suelen ser los más comentados, ya que justifican ese elemento especial, mágico, divino que les diferencia del resto de mortales y les otorga la calidad de artista. Entre la información siempre brilla la anécdota, y la historia del jazz está plagada de ellas.
Mi nombre es John Francis Pastorius III y soy el mejor bajista eléctrico del mundo.
Así se presentaba, ni más ni menos. No existe fanático del jazz que no conozca a Jaco Pastorius. No hay bajista que no lo idolatre. Jaco vino a revolucionar el mundo del jazz, tanto en aspectos creativos de sus composiciones, como en la manera de tocar el bajo eléctrico. Antes de de su aparición en el ámbito musical, el bajo era un instrumento plano, Jaco le dio una tercera dimensión, su percusiva y fluida rítmica funk, el innovador uso de armónicos naturales y su excepcional empleo de acordes, le permitían tocar desde una Fantasía cromática de J. S. Bach hasta los Pasos Gigantes de Coltrane, pasando por la Bruma Púrpura de Hendrix, todo esto en un bajo Fender Fretless que el mismo se había “fabricado” quitándole los trastes con la ayuda de una navaja. En la quinta disminuida hicimos varios homenajes a Jaco, el de hoy será diferente, y será diferente no solamente por las versiones o los temas que escucharemos, sino fundamentalmente porque no hablaremos de su trágica vida y consecuentemente de su leyenda. En esta sesión hablaremos del Jaco músico, músico completo, el bajista, el compositor, el arreglista, el acompañante. Todas estas facetas las escucharemos en toda la dimensión de su obra.
  1. Happy Birthday
  2. Havona
  3. The Days Of Wine and Roses
  4. Blackbird
  5. The Chicken
  6. Dark Prince
  7. I Shot The Sheriff
  8. Chromatic Fantasy
  9. Portrait Of Tracy
  10. Three Views of a Secret
  11. Continuum
  12. Killing Me Softly
  13. Sophisticated Lady
  14. God Must be a Boogie Man
  15. Bird Song
  16. Spiral
  17. 4:00 AM
  18. Missouri Uncompromised
  19. The Hope
  20. Fanny Mae


domingo, 4 de diciembre de 2011

If / Kiko Veneno





Videoclip de la canción "If" de Kiko Veneno, perteneciente a la edición especial del disco "El hombre invisible" (2006)

Berta Rojas plays "Danza" by Edin Solis Nominated by WAMA as Video of th...



Reconocida por su técnica impecable y su innata maestría musical, Berta Rojas es una de las nuevas figuras más destacadas en la guitarra en el presente. Fue elogiada por el Washington Post como “guitarrista extraordinaria” y por la Classical Guitar Magazine del Reino Unido como “Embajadora de la Guitarra Clásica”. Su reconocida calidez y musicalidad le otorgaron un lugar de preferencia en el gusto del público que la aplaudió en escenarios como el Carnegie Hall o el South Bank Centre de Londres, el Frederick P. Rose Hall del Jazz en el Lincoln Center en New York, el Kennedy Center en Washington DC o el National 
Concert Hall en Dublín, donde fue solista de la Irish Radio an Television Orchestra.
Recientemente estuvo en el estudio 4 de Flagey en Bruselas, que la recibió como solista de la Brussels Philarmonic Orchestra en un concierto emitido para la Televisión Nacional belga. Tuvo el honor de abrir la Cumbre de las Primeras Damas de las Américas, a la que asistió la entonces Primera Dama, Hillary Rodham Clinton

Berta mantiene una prolífica agenda de grabaciones. Su CD Intimate Barrios es una de las grabaciones más celebradas del gran compositor y guitarrista paraguayo Agustín Barrios, que brilla con la espontaneidad y cercanía que un compatriota brinda a su música. 
Con su CD Cielo Abierto y más recientemente con Terruño, Berta logró grandes reconocimientos de la 
crítica presentando un repertorio personal, fresco y emocionante en la guitarra clásica. También hizo 
giras con Carlos Barbosa Lima, con quien grabó el CD Alma y Corazón.
Además de enriquecer continuamente su carrera artística, Berta Rojas se comprometió a fomentar el conocimiento de la guitarra clásica, haciendo especial hincapié en la promoción de la música de su país, 
el Paraguay, así como también de la música latinoamericana y apoyando la carrera de jóvenes artistas. En el verano del 2009 creó el primer concurso online de guitarra clásica, el Barrios WorldwideWeb Competition, el que actualmente, en su segunda edición, genera un enorme interés en todo el mundo de la guitarra. 
Fue directora artística de las tres ediciones del Festival Iberoamericano de Guitarra que se realizó en el Museo Smithsonian, en Washington DC y co-fundadora del Beatty Competition. Sus maestros fueron Felipe Sosa, Violeta de Mestral y Abel Carlevaro. 
Obtuvo la licenciatura en música en la Escuela Universitaria de Música en Uruguay, donde fue alumna de Eduardo Fernández. Más tarde, logró una Maestría en Música en el Peabody Institute, bajo la guía de Manuel Barrueco.
Rojas fue Fellow of the Americas del Kennedy Center for the Performing Arts por su excelencia artística y tiene el honor de ser Embajadora del Turismo de su país, Paraguay.
Actualmente, es profesora de la cátedra de Guitarra en la George Washington University


http://www.bertarojas.com


sábado, 3 de diciembre de 2011

Veronica Ferreiro - Stop Your Step



Video “Strop Your Step (Sala Clamores)”

“LAIO” es el nombre que da título al álbum debut de Verónica Ferreiro. En él se incluyen 10 profundas canciones, que abordan géneros como el Jazz, Neo-Soul y el Folk. Letras en gallego, castellano e inglés, de las cuales Verónica es autora (excepto del corte número 2, con letra escrita por Carmen Rey).
Verónica abraza con nombre propio un proyecto que significa el comienzo de un concepto, de una entidad, de una manera diferente de entender la música.
LAIO son raíces, cultura, corazón, nostalgia, nuestros miedos, nuestra fragilidad como seres humanos, nuestras esperanzas, nuestra fe hecha música en el sentido estricto dela palabra.

jueves, 24 de noviembre de 2011

Pink Floyd, Kubrick y la sincronización casi perfecta



¿Qué hay de cierto y qué hay de leyenda en la sincronización de Echoes de Pink Floyd con el final de 2001 de Kubrick? En vida, tanto Kubrick como Pink Floyd negaron que existiera paralelismo alguno entre la monumental obra del genial director y la pieza musical más allá de la influencia que tuvo el director en la banda de Waters. Aún así, lo cierto es que si juntamos y sincronizamos el segmento final de 2001 Jupiter and Beyond the Infinite con Echoes no podemos evitar pensar que la banda construía 23 minutos enormes mientras observaba en una pantalla las escenas del espacio.
La historia ha dejado mil y una anécdotas acerca de Pink Floyd y la influencia que tuvo para la banda muchos de los clásicos de la ciencia ficción o del género fantástico en el cine. No sólo2001, sino The Wizard of Oz o la misma Alicia de Disney parecen avanzar al unísono si bajamos el volumen del filme y acoplamos a la banda en las imágenes.
En cualquier caso existen dos elementos comunes en estos ejemplos. Cada uno de estos tres filmes se hicieron antes de que la banda lanzara tema o LP que se sincronizaba. Junto a este detalle, Pink Floyd comentaría en más de una ocasión ser auténticos fans de las tres obras.


Echoes fue lanzado en 1971 como cara B del sexto álbum de la banda Meddle, tres años después de que se estrenara 2001 en el año 1968. Se trataba posiblemente de una de las primeras piezas que harían famosos al grupo. Una space rock como preámbulo de la obra maestra que fue Dark Side of the Moon.
Echoes son 23 minutos y 31 segundos de música que irremediablemente y con el paso del tiempo se unieron a la película de Kubrick. El mismo Waters reconocería más adelante que uno de sus grandes pesares fue no contribuir con Pink Floyd a la banda sonora. Aún así, la banda siempre negó que existiera intencionalidad. La propia tecnología de la época para reproducir la película en un estudio de grabación a comienzos de 1971 hubiera sido tremendamente costoso y difícil.
Sea como fuere este el resultado, los sonidos finales de la película parecen coincidir en efecto con las vibraciones de Echoes, incluso hay momentos en que música y escena se funden casi al unísono. Este fue el resultado, juzguen ustedes mismos (y si tienen oportunidad, apaguen las luces y suban el volumen de esta maravilla)…

Coincidencia o no, imágenes y tema podrían haber pasado como uno de los grandes relatos del espacio en cine, ya sea en formato documental o como película. No fue el único como decía al comienzo. Dos años después de lanzar Meddle, Pink Floyd publicaba uno de los discos más emblemáticos de la historia del rock, se lanzaba el brutal Dark Side of the Moon. Al poco tiempo se creaba una nueva leyenda tras su lanzamiento. Tres nombres como título:Dark Side of the Rainbow, Dark Side of Oz o The Wizard of Floyd.
Hablamos del paralelismo que se volvía a encontrar en otro clásico del cine The Wizard of Oz. El caso es que si alguna vez habéis intentado sincronizar disco y película ocurre algo similar a2001 y Echoes. Pink Floyd volvieron a comentar con el tiempo que no existía ninguna relación más allá de la coincidencia.
Sea o no cierto, la historia del clásico con el álbum tiene diversos enfoques. Cientos de fans han recopilado y subido a la red la interacción que observaban entre ambos. De hecho, existen varios enfoques sobre cómo sería la sincronización perfecta. Muchos indican que se alcanza la perfección cuando sale el león de la MGM, otros indican que se produce al tercer rugido, otros al segundo o incluso en el momento en el que comienza a desvanecerse, justo en el momento en el que comienza la película.

No sólo eso, algunos han llegado a ver en la mítica cubierta de Dark Side of the Moon un reflejo en trancisión blanca y negra de la Kansas de Oz. Incluso algunos investigadores y psicólogos hablan del efecto que se produce en muchas ocasiones en el cerebro humano, el fenómeno que da como resultado la tendencia de la mente a pensar que reconoce patrones en medio de un desorden descartando datos que no encajan. El psicólogo Carl Jung lo explica como un fenómeno en que se involucra la causalidad.
Igualmente, se da la misma circunstancia que en 2001. Hay momentos en el que la propia película cambia el ritmo al unísono que el disco, momentos casi idénticos. Les dejo con uno de los cientos de videos que podemos encontrar para que juzguen. En este caso se muestran los tres primeros temas Speak to me, Breathe y On the run

Free Counter and Web Stats