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jueves, 14 de marzo de 2013

Ten Years After "Winterland Ballroom" (Live Video 1975)

Tomatito - Soy flamenco 2013. Camarón "Forever".

Tomatito - Soy flamenco 2013. Camarón "Forever".:


Link: http://shorttext.com/vNdeqB

o

http://tny.cz/345b426f





“Soy Flamenco” es la definición de un amante de este arte y una persona dedicada en cuerpo y alma a dignificar cada día la guitarra flamenca, de aquí el título de su nuevo disco y primer single sea “Soy Flamenco”.

En este nuevo lanzamiento de Tomatito se encuentran grandes amigos guitarristas como Paco de Lucía en “Corre por mis venas”, e incluso su compañero y descubridor José Monge Cruz, “Camarón de la Isla”, inseparable y magistral como siempre en una segurilla, “El Regalo”, que como bien dice su título es un auténtico obsequio para los oídos.

Abre el disco haciendo eco con una reivindicación natural por Bulerías, pasando por “El Regalo” (seguirilla) donde está arropado por Camarón al cante, en “Corre por mis venas” se acompaña por Paco de Lucía a la guitarra, y cierra el disco con “Our Spain” un homenaje al contrabajista de jazz norteamericano  Charlie Haden.

Bulerías, soleas, tangos , rondeñas, seguiriyas y rumbas en un único disco, diez temas con el mejor toque de la guitarra flamenca.




1. Tomatito - Soy Flamenco (Bulerías) (6:04)

2. Tomatito - La Fuentecica (Soleá) (4:00)

3. Tomatito - Asomao A Mi Ventana (Tangos) (4:24)

4. Tomatito - Despacito (Bulerías) (4:08)

5. Tomatito - Cerro De San Cristóbal (Rondeña) (4:58)

6. Tomatito - El Regalo (Seguiriya) (3:03)

7. Tomatito - A Manuel, Moraíto Chico (Bulería Desdoblá) (4:47)

8. Tomatito - Mister Benson (Rumba) (3:58)

9. Tomatito - Corre Por Mis Venas (Bulerías) (6:33)

10. Tomatito - Our Spain (4:48)

viernes, 15 de febrero de 2013

OMAR SOSA ''EGGÚN - THE AFRI-LECTRIC EXPERIENCE'' (CUBA,2013)

OMAR SOSA ''EGGÚN - THE AFRI-LECTRIC EXPERIENCE'' (CUBA,2013) @:


OMAR SOSA  
''EGGÚN - THE AFRI-LECTRIC EXPERIENCE'' 
(CUBA,2013) @

El proyecto discográfico Eggûn. The Afri-Lectric Experience del pianista y compositor de de origen cubano Omar Sosa, comenzó como un encargo del Festival de Jazz de Barcelona Jazz 2009 para hacer un tributo al clásico Kind Of Blue de Miles Davis en su 50 aniversario. Sosa creó un conjunto de piezas en honor al espíritu de libertad que caracteriza la obra de Davis, unificado a la devoción africana por los eggûnes o espíritus de los fallecidos que iluminan el camino de los vivos. Un trabajo impresionante con texturas jazzísticas vitales y un uso generoso de elementos electrónicos disímiles.
Jesús Vega/El Nuevo Herald
Fuente
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EGGUN: The Afri-Lectric Experience began as an Omar Sosa commission from the Barcelona Jazz Festival in 2009. The assignment: to compose and produce a tribute performance to Miles Davis’ classic recording, Kind Of Blue, on the occasion of its 50th anniversary. Inspired by various musical elements and motifs from Kind Of Blue, Omar wrote a suite of music honoring the spirit of freedom in Davis’ seminal work.

Featuring trumpet and two saxophones, Eggun provides a medium for musical elements from Africa to shape and develop the music. The resulting jazz textures are further enhanced by the subtle and expressive use of electronic elements. At the heart of the recording is the spirit of Mother Africa.

The featured horn players are Joo Kraus on trumpet (Germany), Leandro Saint-Hill on alto saxophone and flute (Cuba), and Peter Apfelbaum on tenor saxophone (U.S.A.). Omar’s longtime rhythm section of Marque Gilmore on drums (U.S.A.) and Childo Tomas on electric bass (Mozambique) create the foundation.

Special guests on the project include Lionel Loueke on guitars (Benin), Marvin Sewell on guitars (U.S.A.), Pedro Martinez on Afro-Cuban percussion (Cuba), John Santos on percussion (U.S.A.), and Gustavo Ovalles on Afro-Venezuelan percussion (Venezuela). The CD was recorded primarily in Brooklyn, NY. Of particular interest is a set of six Interludios interspersed among the primary tracks of the recording, inspired by melodic elements from the solos of Bill Evans.

Eggun, in the West African spiritual practice of Ifá and its various
expressions throughout the African Diaspora, are the spirits of those whohave gone before us, both in our immediate families and those who serve as our Spirit guides.

From the liner notes, by Joan Cararach, artistic director of the Barcelona Jazz Festival:

Harmony, peace, respect, freedom. That has been Omar Sosa’s
response to our proposal: to revisit Kind of Blue, by Miles Davis, from his own (quite exceptional) aesthetic assumptions. The year was 2009. The 41st Voll-Damm Barcelona International Jazz Festival had hired drummer Jimmy Cobb – the only surviving member of the group’s original line-up who created that record – and a tribute band committed to revive, in concert, the memory of that iconic jazz piece. But Kind of Blue, rather than a museum piece, is a mysterious record with an intimacy to be disclosed very slowly, generation after generation, beyond the commonplaces of history books.

That’s why we asked two artists who are familiar with our festival to revisit Kind of Blue from another perspective, following the artistic principles evoked by Bill Evans in his notes to the record signed by Davis: be yourself, be spontaneous, give all you have to give, everything you learned from those who came before and those you are sharing the road with. We selected Chano Domínguez, from Andalucía, who contributed Flamenco Sketches (Blue Note, 2012), and Cuban Omar Sosa, who did a powerful research of Miles Davis’ record.

Eggun (ancestors) is not a typical record, just as Sosa is not a typical pianist. The artist, at first reluctant, became obsessed probing into Kind of Blue to find nothing else but the paradoxes of a never-ending search: love and indifference; exile and emigration; being here and now with the lessons of those who illuminated us; restless energy and deliberate contemplation; the uncanny twists and turns of our souls and the shades of our lives; the constant strain between grief and joy, contradictory and supplementary at the same time.

Eggun essentially derives from the melodic cells of Kind of Blue’s solos and has the aim of honoring that record, which, let’s say it once more, is hardly known in spite of having been used and abused. Eggun is like all of Sosa’s works, an invitation to a journey plentiful with luxury, peace and sensuality (thanks, Baudelaire!). We have a welcome with Alejet – whitein Arabic – and El Alba. All the sounds of the African diaspora – where Moroccan bendir meets Dominican merengue and Puerto Rican plena: So All Freddie. The interludes, almost sacred invocations to the genius of Bill Evans. And a passionate desperation in the finale, as in records conceived the old way, like a narrative, followed by the final rest, grace in a religious sense, like an overflowing energy which at the end of the journey becomes pure togetherness.

Kindness, in short.
Joan Anton Cararach is the Artistic Director of the Barcelona Voll-Damm International Jazz Festival. In 2009 he commissioned 'Eggun' to Omar Sosa to celebrate the 50th anniversary of Miles Davis' Kind of Blue'.s.
Source



Tracks:

1. S'Inguldu (5:35)
  2. Inverno Grigio (5:28)
  3. No Trance (3:36)
  4. Alma (5:49)
  5. Angustia (4:34)
  6. Crepuscolo (3:15)
  7. Moon On The Sky (5:59)
  8. Old D Blues (6:36)
  9. Medley Part I: Niños (4:00)
  10. Medley Part II: Nenia (5:23)
  11. Under African Skies (7:28)
  12. Rimanere Grande! (2:58)

sábado, 9 de febrero de 2013

PAT METHENY ''THE ORCHESTRION PROJECT'' [2CDs][USA,2013]

AfroCubanLatinJazz:



PAT METHENY  
''THE ORCHESTRION PROJECT'' 
[2CDs]
[USA,2013] @ 

PAT METHENY - "THE ORCHESTRION PROJECT" NUEVO ALBUM Y GIRA 2010

Nacido el 12 de agosto de 1954 en Lee's Summit, Missouri, EE.UU., Patrick Bruce Metheny es sin lugar a dudas uno de los músicos del jazz contemporáneo más importantes del planeta. Para quienes no lo conocen, bastaría con decir que este guitarrista, compositor y maestro de la improvisación en su instrumento ha ganado 18 premios Grammys hasta la fecha (esto es, apenas dos menos que la suma combinada de los Grammys ganados por Madonna y Michael Jackson!).

Metheny fue dado a conocer mundialmente al ser reclutado por el extraordinario vibrafonista Gary Burton como parte de su quinteto, colaborando en la grabación y posterior gira del magnífico album "Ring" en 1974. En el año 1976 Pat grabó su primer disco "Bright Size Life" con el fallecido Jaco Pastorius, quien es considerado por muchos el mejor bajista eléctrico y solista que jamás haya vivido. En su próximo disco titulado "Watercolors" del 1977, Metheny introduce al gran pianista, tecladista y compositor Lyle Mays, donde empezaría una asociación que fue formalizada en el siguiente album titulado "Pat Metheny Group" del 1978; colaboración que lleva ya más de 30 años y permanece sólida hasta la fecha.

Es mucho lo que ha llovido desde entonces en la carrera de Pat Metheny, quien además ha colaborado en grabaciones y giras con luminarias del jazz como lo son Ornette Coleman, Jim Hall, Michael Brecker, Herbie Hancock, Chick Corea, Dave Holland, Jack DeJohnette, Eberhard Weber, John Scofield, Bill Frisell, etc. Y con artistas del mundo pop como Joni Mitchell, Anna Maria Jopek, Santana, David Bowie, Milton Nascimento, Pedro Aznar, etc.

Ilustración gráfica de un Orchestrion inventado por M. Welte en 1862
Es el año 2009, y a finales del mes de julio, en una extensa misiva, Metheny se dirigió a sus cientos de miles de fans y amigos de su página en MySpace, explicando ampliamente en qué consiste su último e innovador proyecto. A continuación un resumen del texto original titulado "Pat on The Orchestrion Project".

"He sido muy afortunado en los últimos años de tener muchas oportunidades de explorar una amplia gama de ideas como músico. La búsqueda para encontrar nuevas formas de pensar sobre las cosas y el proceso de tratar de llegar a un punto de vista personal sobre la música ha sido una prioridad importante en el camino, casi desde el principio. El "Orchestrion Project" es un salto hacia un nuevo territorio. Este proyecto representa una dirección conceptual recientemente desarrollada, que implica la fusión de una idea de finales del siglo XIX y principios del siglo XX, utilizando la tecnología de hoy en día creando una plataforma abierta para la invención y ejecución musical".

"Orchestrionics" es el término que estoy utilizando para describir un nuevo método de ejecución que implica el presentar la música -solo- en el escenario con instrumentos musicales acústicos y electroacústicos que son mecánicamente controlados utilizando el poder de la tecnología moderna. A principios del 2010 una nueva grabación será lanzada por la casa disquera Nonesuch. Será un "solo" en el sentido de que soy el único músico, pero será un CD que de alguna manera recontextualizará el término".

"Algunos antecedentes. En la década de 1800 y principios de 1900, en la medida que surgieron las pianolas o pianos mecánicos (pianos que tocaban solos mecánicamente, moviendo rollos de papel perforado a través de un mecanismo que movía las teclas físicamente), el siguiente paso lógico era el de aplicar ese mismo principio a una serie de instrumentos de orquesta, a menudo incluyendo instrumentos de percusión e instrumentos de mazo. Estos grandes conjuntos de instrumentos fueron llamados Orchestrions".

"Durante varios años, he estado trabajando con un grupo de  técnicos e inventores de todo el país, todos muy talentosos e innovadores, para construir una gran paleta de sonidos acústicos utilizando dispositivos reproductores de sonidos que puedo organizar entonces como un nuevo tipo de Orchestrion. Los principales instrumentos han sido diseñados y construidos para mí por el increíblemente talentoso Eric Singer, que es un gran innovador en este ámbito de la ingeniería".

"Un pequeño número de músicos han estado haciendo este tipo de cosas en los últimos años debido a que la mecánica de todo ha evolucionado. Y, naturalmente, de muchas maneras, se trata tanto acerca de la tecnología como del resultado musical. Mi único objetivo aquí, sin embargo, es uno: la música. Ahora, casi 10 años en el nuevo siglo, se siente como que es hora de tratar de crear algo especial, conectado a la realidad de este período único en el tiempo".

"La cuestión del contexto, es fundamental para este proyecto. Tanto como lo he hecho en el pasado, continuaré disfrutando de tocar en formatos tradicionales (solista, dúos, tríos, cuartetos, quintetos,  grandes orquestas, y por supuesto el Pat Metheny Group), sin embargo, la necesidad de investigar las posibilidades en este rincón relativamente inexplorado de la música, ha ido creciendo en mí".

"Una de las características inspiradoras de la tradición del jazz a través de las décadas ha sido la manera en que la forma se ha acomodado con éxito a los diferentes contextos musicales, dando lugar a nuevos entornos para los músicos y compositores en sus ejecuciones (en vivo). Esta búsqueda de cambio y la manera en que los innovadores en el jazz han reconciliado las raíces de la forma tradicional con las nuevas posibilidades de sus tiempos ha sido una inspiración y un elemento importante en la definición y evolución de mi música a lo largo del camino".

"Desde las nuevas combinaciones de instrumentos y nuevas técnicas de interpretación a los cambios tecnológicos en los instrumentos mismos que se desplegaron en la primera configuración de jazz (la batería, el uso del saxofón, la modificación y adaptación de los instrumentos europeos de música clásica, la guitarra eléctrica, etc) hasta las presentaciones de grandes bandas (las big bands, etc), los músicos de jazz han sido a menudo los pioneros en probar cosas nuevas, en busca de nuevos sonidos. Esta búsqueda, junto con la generación de un contenido profundo y conmovedor, ha hecho de la historia del jazz, un viaje fascinante".

En los últimos años, hemos observado que la forma continúa a lo largo de las líneas de perfeccionamiento (en el mejor de los casos) y reducción de personal y el revisionismo histórico (en el peor). Por ejemplo, en mi caso, me gusta mucho tocar en el contexto de trío año tras año desde el comienzo de mi carrera y la tarea ha sido el de encontrar nuevas maneras de mirar muchos de los mismos asuntos que fueron de gran importancia para mí en este contexto desde el principio... ha sido un viaje que ha valido la pena. Y la misión y compromiso del Pat Metheny Group (PMG) con el potencial musical y tecnológico y las realidades de los tiempos, también ha sido gratificante y válido, así como estoy seguro de que lo seguirá siendo en el futuro.

"Pero mientras tanto, me he encontrado con la necesidad de expresar mi música dentro de un contexto que en cierto modo está intrínsecamente vinculado a este momento en el tiempo, el anhelo de presentar algo que sólo podría estar ocurriendo ahora, en el 2010".

"Estoy muy emocionado de compartir este proyecto con todos ustedes. Espero y confío en que si nada más, esto será algo verdaderamente único. Se siente como un progreso, y ha conseguido algunas notas de mí que yo no sabía que estaban allí. Eso siempre es algo bueno".
Fuente

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"In 2010, 19-time Grammy Award winner Pat Metheny took his musical exploration to a new territory with his Orchestrion, a computer controlled mini-orchestra capable of responding to his touch on guitar. After releasing the Orchestrion record, Metheny and his "band" hit the road, playing over 100 concerts around the world, culminating with the recording of The Orchestrion Project in Brooklyn, NY. This recording showcases the full evolution of the Orchestrion as documented at the tail end of a sprawling world tour. The double-disc set features all five sections of Orchestrion "a soaring five-movement suite featuring some of the most intricate music he's ever created" (Boston Globe) plus eight additional Metheny compositions reimagined with the Orchestrion.The Orchestrion itself is an assemblage of computer-operated acoustic instruments, all controlled by Metheny's guitar. The full instrumental array includes several pianos, drum kits, marimbas, "guitar-bots, " dozens of percussion instruments and even cabinets of carefully tuned bottles. Through Metheny's guitar, the instruments are struck, plucked, and otherwise played via the technology of solenoid switches and pneumatics. Metheny worked for months with a brilliant team of scientists and engineers to develop and assemble the Orchestrion.The Orchestrion album and tour received critical praise, with Jazz Times saying, "Mallets, bells, bottles, piano, cymbals and incidental percussion held forth in a spectacle of dissonance and extraordinary color, sounding like Metheny meets Boulez. " And NPR Music said, "No matter who or what he has on stage with him, Pat Metheny plays music as if at the end of the show he would be prevented from doing so for the rest of his life. He makes every note matter, and infuses each with so much emotion that it's very hard not to get swept up in the moment...he always looks like he's having as much fun playing as we are listening. His tour with the Orchestrion will likely be talked about for quite a while."
Source


CD1:

01. Improvisation #1 (4:51)
02. Antonia (6:14)
03. Entry Point (10:27)
04. Expansion (8:43)
05. Improvisation #2 (10:07)
06. 80/81-Broadway Blues (4:23)
07. Orchestrion (15:59)

CD2:

01. Soul Search (9:54)
02. Spirit of the Air (8:38)
03. Stranger in Town (5:39)
04. Sueno con Mexico (8:53)
05. Tell Her You Saw Me (5:17)
06. Unity Village (7:35)






domingo, 13 de enero de 2013

Clapton

Música con nocturnidad y alevosía:
La “mano lenta” de Dios


El mar se mide por
olas,
el cielo por alas,
nosotros por
lágrimas.
(Jaime Salinas)

Tenía Ainhoa, mi hija, tan solo 5
años, quizás menos. Regresábamos a casa, en el coche, como siempre, escuchando
música, como siempre, y ella, como siempre, no paraba de preguntar “¿cuándo
llegaremos?”. De repente se calló por completo y al mirar curiosa por el
retrovisor vi que estaba llorando en silencio. “¿Por qué lloras, mi vida?” le
pregunté. “Es que nunca había escuchado una canción tan triste, mamá” La
canción que en ese momento sonaba era Tears
In Heaven
de Eric
Clapton




Mi hija, evidentemente, no sabía inglés ( ni yo tampoco) pero supo captar la aflicción que plasmó Clapton en esa canción ante la muerte de su hijo Conor, en un accidente el 20 de marzo de 1991, a la edad de 4 años, al caer del piso 53 de un rascacielos de Nueva York en el que se encontraba con su madre.





¿Sabrías cómo me
llamo... Si te viera en el cielo?
¿Sería lo mismo... Si
te viera en el cielo?
Debo ser fuerte y
seguir mi camino
Porque sé que no
pertenezco, aquí en el cielo.
¿Me cogerías de la
mano... Si te viera en el cielo?
¿Me ayudarías a
levantarme... Si te viera en el cielo?
Hallaré mi camino de
noche y de día
Porque sé que no
puedo quedarme aquí en el cielo.
El tiempo puede
abatirte
El tiempo puede
ponerte de rodillas
El tiempo puede
romperte el corazón
Y tenerte implorando
piedad, implorando piedad.
Detrás de la puerta
habrá paz, estoy seguro
Y sé que no habrá
más, lágrimas en el cielo.
¿Sabrías cómo me
llamo... Si te viera en el cielo?
¿Sería lo mismo... Si
te viera en el cielo?
Debo ser fuerte y
seguir mi camino
Porque sé que no
pertenezco, aquí en el cielo.

Casi 13 años después, en mi Escuela, L'Aixernador, tuve la satisfacción de comprobar con esta misma canción, con criaturas de tan solo 3 y 4 años, cómo la música es un lenguaje universal transmisor de emociones; una maravillosa experiencia de esas que marcan profesionalmente a cualquier educador apasionado por su trabajo.


Pero regresemos a nuestro protagonista de hoy y sus "Lágrimas en el cielo". El tema que acabamos de escuchar aparece primero en la
banda sonora de la película "Rush",
y después en su álbum de 1992 “Unplugged”, en una versión acústica por la que
recibió seis premios Grammy, entre ellos el de álbum del año, y mejor canción
de rock del año.

Clapton es Dios


Eric Clapton fue
apodado Slowhand (Mano lenta) tras su etapa en The Yardbirds, por su
estilo compacto, seguro, preciso y agresivo, dándole prioridad a la expresión
sobre la rapidez. Pero, socarronamente, dice alguna de sus biografías que
fue un juego de palabras acuñado por el largo tiempo que se tomaba Clapton en
reemplazar las cuerdas de su guitarra cada vez que se rompía alguna en plena
actuación por su vertiginosa forma de tocar.
Será, poco después, durante su
estancia en los Bluesbreakers
cuando empiece a ganarse el reconocimiento del gran público. Fueron los días de
las pintadas callejeras proclamando “Clapton is God” 



De su paso por este grupo, os
propongo escuchar All Your Love, una
fulgurante versión del gran Otis
Rush
. Cuenta con un bello trabajo de guitarra, un fabuloso punteo de Eric,
de los riffs más conocidos del
blues. Hay que decir que uno de los mayores aciertos de la vida de John Mayall, fue haber
conseguido a Clapton para la formación de los Bluesbreakers.

Este disco, “Bluesbreakers with Eric
Clapton”, con el tiempo se ha convertido en uno de los esenciales para
reconstruir la historia del blues-rock de mitad de los 60.  La verdad es que todo él es fabuloso, un real
banquete de blues y primer gran disco de guitarra de Eric. De aquí a la
eternidad.

Siempre me he preguntado que si el
multinstrumentalista  John Mayall  (tocaba el piano, el órgano, la armónica y la
guitarra) es considerado el “padre del blues blanco británico” ¿qué es,
entonces, Clapton? Quizás es verdad que es… “Dios”




Layla, el siguiente tema de esta fría noche de invierno, aunque no es que emocione especialmente, consigue ser una súplica de amor imposible (que Clapton hizo que fuera posible) ¿Conocéis la historia? El cantante se enamoró perdidamente de la modelo Pattie Boyd,, la esposa de George Harrison y para colmo uno de sus mejores amigos, y le dedicó esta canción. Ah! Y acabó casándose con ella.


Pero para nosotros Layla siempre será... el nombre de
nuestra gata.

Hay quien dice que en sus
actuaciones en directo Eric Clapton no mira al público. No lo necesita. A
ratos, mientras su mano izquierda revolotea el mango de la guitarra, levanta el
pie del mismo lado y se inclina hacia delante o atrás. Es su máxima expresión.
Eric Patrick Clapton no genera empatía con saludos ni pirotecnia fátua; lo hace con
lo más difícil: la interpretación.

En vivo, pues, uno de sus mejores
temas, Cocaine , un tema visceral,
emotivo, confuso, mil veces versionado y que siempre deja el mismo buen sabor
de boca. Después de un día (semana, meses) duro, duro, duro, no hay mejor droga
que… la música.



Cocaine aparece en el álbum “Slowhand 1977”, interpretada por Clapton
y compuesta por J.J. Cale
, una canción que está en contra de las drogas y no a favor, como mucha gente
piensa. Eric Clapton dijo una vez que es inútil escribir intencionadamente una
canción que vaya en contra de las drogas y esperar a que la gente capte el
significado. 


Acabo este reencuentro con
Clapton evidente que “el Dios de la guitarra” ha conseguido algo que poquísimos
guitarristas logran al ejecutar dicho instrumento: hacer que su guitarra hable.
La guitarra de Clapton nos ha contado tristezas, alegrías, amores y desamores
durante más de 40 años. Además, el sonido de su voz está siempre vestido de
domingo y se ofrece como el complemento perfecto para esa guitarra mágica.

Gracias… "Dios"… por todos tus dones.

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