María Dolores Pradera: Canciones del Alma - 2003

María Dolores Fernández Pradera (Madrid, 29 de agosto de 1924), conocida artísticamente como María Dolores Pradera, es una cantante melódica y actriz española.
Es una de las intérpretes de su país que ha alcanzado mayor fama internacional por su excepcional voz y su difusión de la canción en español, difundiendo en España la canción popular latinoamericana y la obra de sus más grandes autores.

http://es.wikipedia.org/wiki/Mar%C3%ADa_Dolores_Pradera

1. Tu Nombre Me Sabe A Hierba


2. Amarraditos


3. A Dios Le Pido


4. Cuando Sale La Luna


5. El Rosario De Mi Madre


6. Amaneci En Tus Brazos


7. El Camisa De Fuera


8. Fina Estampa


9. Gracias A La Vida


10. La Flor De La Canela


11. El Andariego


12. El Tiempo Que Te Quede Libre

Bajar

Cesare Picco: Bach to Me - 2007

Pianista de formación clásica, Cesare Picco ha cultivado todos los géneros: Jazz, Clásica, Pop, Música para ballet y teatro y ha abierto conciertos para artistas tan dispares como Michael Bublé, Andrea Bocelli, Al Jarreau, Terence Blanchard o Simply Red. Entre sus influencias, él mismo destaca a Keith Jarret, Bill Evans, e incluso Bach.

http://area-reservada.blogspot.com/2006_12_01_archive.html

BACH TO ME
Revisiting the Brandenburg Concerto No.5 BWV 1050
Tracklist
1 Allegro 09:01
2 Adagio 08:08
3 Allegro 07:15
CESARE PICCO piano
GUY ESHED flute
ISKANDAR VIDJAJA violin
ZVI CARMELI conductor BERLIN CHAMBER SOLOISTS
Registrazione Live effettuata presso Auditorium S.Barnaba di BresciaFestival “Le Diecigiornate di Brescia” - 23 Giugno 2006
PERSONAL LANDSCAPES
Revisiting Chorals and Sarabandas by J.S.Bach
Tracklist
4 Invocation 05:40from Choral “Ich ruf’ zu Dir” BWV 639 (piano transcription by F. Busoni)
5 Joyful 01:43from Choral “Komm, Gott Schöpfer, heiliger Geist ” BWV 631 (piano transcription by F. Busoni)
6 Next Land 07:12from Choral “Durch Adams Fall ist ganz verderbt” BWV 637 (piano transcription by F. Busoni)
7 Simple Prayer 05:11from Choral “Jesus Christus, unser Heiland” BWV 626 (piano transcription by F. Busoni)
8 Hymn 02:24from Sarabanda - English Suite N.5 BWV 811
9 A Long Wait 06:41from Sarabanda - English Suite N.2 BWV 807

http://www.cesarepicco.com

Parte 1

Parte 2

Asturcon : "Asturcon" (1981)

Discografica: Dial Discos "Diapason"
Temas:
Mayu (12:53)
Xareu en la 214 (4:15)
El ventolin (4:01)
El galope del asturcon (8:07)
Anyada pa la mio Aidina (3:01)
La Coralina (3:58)
Musicos:
P. Solana: Guitarras electricas y acusticas
J. Carlos "Mingla": Teclados
Victor M. Carrizo: Bateria, flauta, gaita y voces
J. Carlos Martinez: Bajo
PREAMBULO
Asturcon (nombre de una raza de caballo asturiano) es uno de los tantos grupos ibericos de Folk formados por experimentados musicos academicos, que tuvieron la osadia de mezclar lo tradicional con el rock sinfonico anglosajon. que entraba en Espanya a finales de los 70's con mucha fuerza.
Las letras estan cantadas en Bable (lengua asturiana) y hasta ahora solo se ha sido editado en formato vinilo por "Diapason".
LOS TEMAS
Destaca entre todos, por ser el mas sinfonico y progresivo, el tema (4) "El galope del Asturcon " donde las atmosferas de los teclados de J. Carlos "Mingla" se funden con los pasajes mas pastorales debido a los solos de flauta y saxo.
Tambien destaca la "nana" folcklorica (5) "Anyada pa la mio Aidina " de corte tranquilo con gaitas suaves de fondo.
Por ultimo mencionar el primer tema que abre el album, el largo (1) "Mayu" un tema que combina las suaves flautas y percusion con gaitas y sobre todo mucho Folk tradicional asturiano de aire festivo con relatos en "bable" para acabar con un rock&roll tipo The Sirex.
El resto de temas son mas de corte Tradicional Folk que de Rock Sinfonico Progresivo.
CONCLUSION
Curioso trabajo que seguro que dejara satisfechos a los que guste del Folk Tradicional con toques sinfonicos y progresivos.

http://www.dlsi.ua.es/~inesta/LCDM/Discos/asturcon_asturcon.html

asturcon.zip

Joan Baptista Humet: Hay que Vivir

Nacido en Navarrés, al poco tiempo vuelve a Tarrasa, ciudad catalana donde se encuentra afincada su familia. Hijo de un industrial del sector textil que tras la crisis industrial catalana de los años 50 tiene que vender su negocio. En 1968 se traslada a Barcelona con el fin de estudiar Arquitectura, pero la música y el arte de Joan Manuel Serrat, que en esa época ya emergía junto a otros cantautores, cambian su vocación y empieza a componer y a cantar sus propias canciones.
En 1968, con 18 años canta por primera vez en un teatro en Tarrasa, lo hace junto a Serrat. Las posibilidades en esos momentos eran magníficas para la Cançó catalana. Durante dos años actúa como telonero en los conciertos de Lluís Llach. Pero desde el primer momento Joan Baptista Humet tenía claro que con sus canciones lo que quería expresar eran sentimientos y sensaciones, huyendo de la política, pero sin dejar de lado las circunstancias sociales siempre vistas desde el lado mas humano.
Como describe Fernando G. Lucini en su libro Y la palabra se hizo Música. 50 años de Canción de Autor, a este artista “con frecuencia se le criticó (e incluso se le marginó), en ciertos círculos catalanistas, al considerar que sus creaciones y sus planteamientos eran demasiado comerciales; crítica que, en el fondo, enmascaraba, como ocurrió en el caso de Serrat, el rechazo (teñido de intolerancia) hacia la opción que un buen día tomó de cantar en castellano”.
Desde el comienzo de su vida artística la calidad de sus composiciones lo destacan como uno de los cantautores más respetados de España, sobre todo teniendo en cuenta que fue uno de los pocos artistas, junto a Joan Manuel Serrat, en mantener el bilingüismo en su obra, en tiempos de la dictadura y la transición española.
Joan Baptista Humet como artista se caracterizó por su estilo propio, sin etiquetas que pudieran enmarcarlo en una clasificación definida. Se trataba de un cantautor ajeno a grupos o corrientes, que durante toda su vida artística fue técnicamente por delante de su tiempo, no llegando a ser nunca un artista ni minoritario, ni de masas.

En 1981 publica uno de sus trabajos que más fama y reconocimiento le han dado, Hay que vivir, donde recoge temas como Vaya con la vida, El extranjero, Dama de una noche, Hay que vivir y, sobre todo, Clara. La canción Clara trata sobre el drama de las drogas, reflejada en la vida de una joven, de la destrucción que representa en todos los sentidos. Esa canción tuvo un gran éxito en España y a la vez le abrió las puertas de Iberoamérica. Con Clara, Joan Baptista Humet alcanza los primeros puestos en las listas de éxitos de 1980 y se convierte en un artista inolvidable.

Joan Baptista Humet - Hay que vivir.zip

Kiko Veneno

Hijo de militar y ama de casa, nació en Figueras, creció en Cádiz y reside desde hace muchos años en Sevilla. Estudió Filosofía y Letras y viajó por Europa y Estados Unidos, donde asistió a conciertos de artistas que le han infludo como Frank Zappa y Bob Dylan, pero, curiosamente, también allí descubrió (o redescubrió) el flamenco. En 1975, en un encuentro que cambiaría su vida, conoció a los hermanos Rafael y Raimundo Amador, con los que forma el grupo Veneno. En 1977 publicaron un disco titulado con el nombre del grupo y producido por Ricardo Pachón. Aunque no tuvo gran repercusión en su momento, es considerado en la actualidad un disco fundamental de la música española.
En 1979 colaboró en el mítico disco La leyenda del tiempo de Camarón de la Isla. La aportación de los jóvenes Veneno en el resultado final de este disco fue vital. Eran momentos de cambio. Paco de Lucía recorría el mundo en solitario y Camarón fichó a Tomatito, jovencísimo, y hasta ese momento, desconocido. Ricardo empieza a darle vueltas al asunto, y Kiko le dice: "¿Porqué no cogemos estrofas de Lorca, aunque sean de diferentes poemas y le damos a su poesía la música flamenca que está pidiendo a gritos?". Y así se empezó a trabajar. Kiko es reconocido sobre todo por ser el autor de "Volando voy", aunque también participó en otros temas del disco: "Mi niña se fue a la mar" (letra: F.G. Lorca / música: R. Pachón y Kiko Veneno), "Viejo Mundo" (letra: Omar Kayan / música: Kiko Veneno) y "Homenaje a Federico" (letra: F.G. Lorca / música: R. Pachón y Kiko Veneno).
En 1982 publicó su primer elepé en solitario, Seré mecánico por ti, producido por José Luis de Carlos, tras el que seguirían otros, sin obtener gran repercusión comercial. Durante los 80 hizo canciones para Martirio, a la que también le produjo su primer disco, y realizó varias colaboraciones con el programa de televisión La bola de cristal como compositor y cantante. Sin embargo, no conseguía vivir profesionalmente de la música y compaginaba sus labores artísticas con un puesto de programador cultural en la Diputación de Sevilla.
En 1992 pasó a formar parte de la plantilla de BMG-Ariola y comenzó una nueva etapa en su carrera, quizá la de mayor éxito comercial, con la publicación de los álbumes Échate un cantecito (1992) y Está muy bien eso del cariño (1995), ambos producidos por Joe Dworniak. El primero de ellos, con el apoyo decisivo de Santiago Auserón, sacó a Kiko del malditismo gracias a canciones como "Echo de menos", "Lobo López", "Joselito" o "En un Mercedes blanco", que se convirtieron en éxitos y le permitieron dedicarse en exclusiva a la música. Para presentar este disco realizó la gira "Kiko Veneno y Juan Perro vienen dando el cante", donde también participaron, entre otros, Raimundo Amador y Luis Auserón. En cuanto al disco Está muy bien eso del cariño de 1995, destaca el diseño de la cubierta, realizado por Javier Mariscal y la presencia de la guitarra flamenca del gran Raimundo Amador, que, junto con la producción de Dworniak, confiere al disco un sonido totalmente único. Temas a destacar son: "Viento de poniente", "Memphis blues", "Casa cuartel" o "Lince Ramón".
En 1992 Kiko apadrinó el nacimiento de un grupo que iba a llamarse Mártires del Compás, formado por Chico Ocaña, Raúl Rodríguez y José Caraoscura. Desacuerdos entre Ocaña y Kiko provocaron, sin embargo, que el grupo se separará en dos: Ocaña se apropió el nombre del grupo y continuó en solitario, y Raúl Rodríguez y José Caraoscura (con Kiko en la sombra) formaron Caraoscura. Éstos publicaron un disco en 1995 titulado ¿Qué es lo que quieres de mí?.
En 1999 visitó la Argentina para dar una serie de tres conciertos en La Trastienda, con un singular éxito de crítica y de público. Pese a eso, la compañía para la que trabajaba no satisfacacía al artista, que pedía inútilmente que su música se editase también en otros países de Hispanoamérica y Europa.
Tras otros tres discos de larga duración, Kiko precipitó el final de su contrato con Ariola (afirmaría más tarde que el poco apoyo de la disquera fue lo que impidió que hiciera más álbumes de la calidad de Échate un cantecito y Está muy bien eso del cariño) y decidió que a partir de ese momento todos sus discos serían editados y comercializados por él mismo, tanto por medio de la distribución tradicional, como aprovechando las oportunidades que ofrece internet, a través de su sello Elemúsica. El primer disco de ese proyecto musical y empresarial fue Gira mundial, grabado junto a Pepe Begines (de No Me Pises Que Llevo Chanclas). Después realizará la producción, junto con Charlie Cepeda —productor de 'Las Niñas' y músico habitual de Kiko—, del primer disco en solitario de Pepe Begines: Mi propia película.
También co-produjo un disco junto a Cathy Claret y adaptó su canción "Esperanza" en su disco La familla Pollo.
En septiembre del 2005 publicó El hombre invisible, después de casi dos años de proceso. En este álbum destacan las participaciones de Jackson Browne en "Hoy no", canción homenaje a Lennon y al pacifismo; Jorge Drexler en "Inspiración", plegaria en busca de belleza, y la guitarra de Raimundo Amador en "Satisfacción".
En 2006 formó junto con Los Delinqüentes, Tomasito y Muchachito Bombo Infierno el grupo G5. Su primer disco fue haciéndose en sesiones dispersas pero concentradas. Según los miembros del grupo, las canciones son hijas de todos, son concebidas sobre la marcha, y salen solas. Tucaratupapi, contiene el sencillo "40 forajidos". También cabe destacar "Calla", la aportación más clara de Kiko a este disco.
En diciembre su grupo, la Banda del Retumbe, se trasladó hasta Vilna (Lituania). Y el año 2007 lo iniciaron en Nueva York, donde Kiko tocó en el mítico The Knitting Factory, gracias a su colega Jonathan Richman, que lo invitó a compartir su show.
A finales del 2007 Kiko comenzó un pequeño periplo internacional de conciertos. Fue primero a México, donde a veces coincidió con los Delinqüentes. Allí tocó en Guadalajara, León y México DF. Después viajó a California, donde su amigo Jackson Browne le brindó la oprotunidad de compartir escenario con él. Tocaron juntos en Santa Barbara, en el Lobero Theatre y en el Temple Bar.

http://es.wikipedia.org/wiki/Kiko_Veneno

Kiko Veneno_Selección.zip

Nono Garcia: Asturias patria querida

A mí me gusta más esta versión que la que ponen siempre de los borrachos

Toquinho e Vinícius - O Poeta E O Violão (1975)

http://milangavenenosa.blogspot.com/2006/09/toquinho-e-vincius-o-poeta-e-o-violo.html

Un directo desde el estudio que cautiva desde el “Lara laira Lara la laraira Lara la laraira Quero de novo cantar” del primer tema, Tristeza. Es ese, entonces, un pasaje directo a la nostalgia de color verde y amarillo, a las playas de Río, a los morros de Floripa, o a cualquier otra fotografía de aquel enorme país. Toquinho hace con la guitarra en sus manos lo que Zico hacía con la pelota en los pies, dibuja y dibuja; por momentos resulta claro que toca más de un violão a la vez, llena el aire por completo con sus “18” cuerdas.Vinícius nos canta verdades que salen desde los hielos de su vaso de Whisky, y son verdades aún cuando no las entendamos, aún cuando el idioma nos suba su barrera (y nos deje esperando, horneados en la kombi).Simple entonces. Dos que eligen buenas canciones, se meten en un estudio, las graban y dejan esto...

Toquinho y Vinicius - O poeta e o violao.zip

Los Chichos: Hasta aquí hemos llegado (2008)

http://es.wikipedia.org/wiki/Hasta_aqu%C3%AD_hemos_llegado
Hasta aquí hemos llegado es el último disco del grupo de rumba flamenca español, Los Chichos.
Es un disco recopilatorio en el que reunen los grandes éxitos de su larga carrera musical, y en el que cuentan con la colaboración de grandes estrellas del panaorama musical español.

Lista de canciones

1. HISTORIA DE JUAN CASTILLO con Estopa


2. QUIERO SER LIBRE con Manolo García


3. TE VAS, ME DEJAS con Antonio Orozco


4. EL VAQUILLA con Bebe


5. NI MÁS NI MENOS con Los Delinqüentes


6. QUIÉREME CON ALEGRÍA con El Arrebato


7. NO JUEGUES CON MI AMOR con Peret


8. CAMPO DE LA BOTA con Andy y Lucas


9. SON ILUSIONES con Sergio Dalma


10. YO QUIERO A MAI con Hanna


11. SEA COMO SEA con Camela


12. ELLA SE VENDRÁ DETRÁS DE MI con Pitingo


13. OTRO CAMINO con Ismael Serrano


14. VENTE CONMIGO GITANA con José el Francés


15. LA CACHIMBA con La Mala Rodríguez


16. ODIO con Medina Azahara


17. MUJER CRUEL con Los Chunguitos

elmundo.es noticia del lanzamiento

Los.Chichos-Hasta.aqui.hemos.llegado-2008.zip

Ben Webster: How deep is the ocean

Benjamín Francis Webster, conocido en el mundo del jazz como, Ben Webster, y apodado "El rana", por sus ojos saltones, nació en la muy jazzistica ciudad de Kansas City, cuna de magníficos saxofonistas, entre ellos la del gran, Charlie Parker. Fue un 27 de marzo de 1909 y su carrera musical comenzó a tomar relieve en la cuerda de saxos de la orquesta del maestro Duke Ellington, en los tiempos del Cotton Club, de Harlem. El "Duke", compuso agradecido a su saxofonista, un tema emblemático que acompaño a Ben Webster, durante toda su carrera. Estamos hablando de "In a Mellotone", una pieza hecha a la medida de nuestro músico y que le acompañaría durante toda su carrera.
Ben Webster, estudió varios instrumentos: primero violín, después piano y clarinete. Su primer trabajo fue precisamente el de pianista en un cine mudo en Texas. Su afición por el saxo la adquirió de Bud Johnson, el famoso saxofonista de Dallas. Tocó el saxo contralto en orquestas bastantes conocidas como la de W.H. Young, padre del gran Lester Young, donde estuvo tres meses. En 1931 trabajó acompañando a la cantante, Blanche Calloway, hermana del famoso director de orquesta, Cab calloway, y desde finales de ese año, hasta principios de 1933, formó parte de una de las mejores orquestas del Medio Oeste, la de Bennie Moten, cuyo pianista era por entonces, el maestro, Count Basie. Tras su fructífera experiencia con Moten, Ben Webster empezó a ser solicitado por las bigbands mas conocidas, y así en 1933, Andy Kirk, lo llamó para ocupar la cabecera de su sección de saxos, luego fue Fletcher Henderson quien se fijó en él, y en 1934, trabajó con Benny Carter. En cada una de ellas, la presencia de Ben Webster coincidió con el periodo de mas esplendor de esa orquestas.
Tras su paso por el atril de Benny Carter, tocó durante mas de un año con la orquesta de Cab Calloway, con el que grabó entre la primavera de 1936 y el verano de 1937, dieciséis temas. La segunda mitad de la década de los treinta fue en ese sentido, un periodo donde Ben Webster se hizo un lugar propio en la escena jazzistica americana y consiguió ser uno de los grandes saxos tenores del momento. Su ultimo trabajo en esa década fue tocar en el grupo de Teddy Wilson, donde le tocó acompañar en mas de una grabación a la cantante, Billie Holiday. El gran momento de su vida llegó en 1940 cuando entró a formar parte de la histórica orquesta de Duke Ellington. Su ingreso coincidió en el tiempo con la tambien incorporación del bajista, Jimmy Blanton. Entre 1940 y 1943, uno de los grandes momentos de la orquesta de Ellington, Webster fue un pilar indiscutible en la sección de saxos, sin duda la mejor de toda la historia del jazz, junto a Johnny Hodges, o Russell Procope. Temas como "Satín Doll" y sobre todo "In a Mellowtone" fueron escritos por Duke Ellington y Billy Strayhorn, para mayor gloria de su saxofonista tenor.
Cuando tras la II Guerra Mundial comenzó el ocaso de las Big-Bands, muchos músicos tuvieron que buscarse con mas o menos fortuna su lugar en la música de jazz como solistas, bien formando su propio grupo mas o menos estable o bien como sideman acompañando a otros músicos. A nuestro protagonista le vino bien la disgregación de las grandes orquestas del swing y en solitario consiguió los éxitos que dentro de la orquesta de Ellington quedaban de alguna forma camuflados. La peregrinación de Ben Webster cuando en 1943 dejó la orquesta de Ellington, comenzó con el grupo de Sidney Catlett a principios de 1944, Joh Kirby (julio de 1944); Stuff Smith (1945) y con Henry "Red" Allen desde noviembre de 1948, hasta septiembre de 1949. A partir de ahí, el productor Norman Granz, le liberó de sus problemas económicos cuando lo embarcó en la aventura del "Jazz at the Philharmonic" donde permaneció vinculado hasta 1959. Convertido en trotamundos, en 1964 emigró a Europa afincándose primero en Copenhague y después en Holanda, hasta que en 1969 echó anclas definitivamente en la capital danesa. En 1973, actuando en la ciudad holandesa de Leyda, sufrió un infarto que acabó con su vida en un hospital de Amsterdam.
Ben Webster, forma parte, junto a Coleman Hawkins y a Lester Young, de la triade de los grandes saxofonistas tenores de la historia del jazz.

http://apoloybaco.com/benwebsterbiografia.htm

Ramón de Algeciras

http://www.esflamenco.com

http://www.abc.es/20090120/vivir-ocio-musica/fallece-guitarrista-ramon-algeciras-200901201716.html

El guitarrista y compositor Ramón de Algeciras, figura destacada del flamenco y hermano de Paco y Pepe de Lucía, falleció esta madrugada (20-01-09) en Madrid, según informó a Efe la Sociedad General de Autores.
Nacido en Algeciras (Cádiz), en 1938, Ramón Sánchez Gómez tomó el nombre de su ciudad natal para bautizarse profesionalmente en el mundo del flamenco. Guitarrista, compositor y letrista, Ramón de Algeciras era el hermano mayor del guitarrista Paco de Lucía y del cantaor Pepe de Lucía.
Fue él el primero de los tres hermanos que emprendió su carrera en los tablaos. Comenzó a tocar a los 15 años bajo la dirección de su padre, Antonio Sánchez Pecino, prosiguiendo luego su carrera hasta convertirse en uno de los máximos exponentes de esa "forma tocaora".

En su larga trayectoria, Ramón de Algeciras ha acompañado a las más grandes figuras del flamenco, como Antonio Mairena, Pepe Marchena, La Niña de los Peines, Pepe Pinto o Fosforito, entre otros. Pero, sin duda, en muchos queda su recuerdo como 'guitarrista oficial' de Camarón de la Isla, en la década de los 70.
Entre sus composiciones destacan "Collar de cerezas", "Bulerías flamencas", "Almoraina", "Tango de la vieja rica", "La cueva del gato", "Vivo pa'quererte", "Siroco" o "Rosa María", con la que tantas veces acompañó a la voz de Camarón.

Paco de Lucía sextet: Live... One summer night

Grabacion en directo de un concierto de Paco de Lucía, realizada en 1984. Es el primer disco en vivo del famoso sexteto del genial guitarrista, una formación compuesta por él mismo, Jorge Pardo, Carles Benavent, Rubem Dantas, Ramón de Algerciras y Pepe de Lucía.

Paco de Lucia Sextet-Live ... One Summer Night.zip

Camarón de la Isla: Rosa María (1976)

Publicado en el año que se casó con Dolores Montoya, La Chispa. El tema que da título al disco, los tangos Rosamaría, conquistaron al propio José el Francés cuando tenía 10 años y desde entonces, el genio de la Isla se convirtió en su principal referencia. A la guitarra, su ya inseparable Paco de Lucía y con él, su hermano Ramón de Algeciras. La mayoría de los temas del disco los compuso el padre de los dos “guitarras”, Antonio Sánchez, que descubrió a Camarón y lo unió a su hijo.

Camarón_1976 ROSA MARIA.zip