domingo, 27 de noviembre de 2011
sábado, 26 de noviembre de 2011
jueves, 24 de noviembre de 2011
Pink Floyd, Kubrick y la sincronización casi perfecta
¿Qué hay de cierto y qué hay de leyenda en la sincronización de Echoes de Pink Floyd con el final de 2001 de Kubrick? En vida, tanto Kubrick como Pink Floyd negaron que existiera paralelismo alguno entre la monumental obra del genial director y la pieza musical más allá de la influencia que tuvo el director en la banda de Waters. Aún así, lo cierto es que si juntamos y sincronizamos el segmento final de 2001 Jupiter and Beyond the Infinite con Echoes no podemos evitar pensar que la banda construía 23 minutos enormes mientras observaba en una pantalla las escenas del espacio.
La historia ha dejado mil y una anécdotas acerca de Pink Floyd y la influencia que tuvo para la banda muchos de los clásicos de la ciencia ficción o del género fantástico en el cine. No sólo2001, sino The Wizard of Oz o la misma Alicia de Disney parecen avanzar al unísono si bajamos el volumen del filme y acoplamos a la banda en las imágenes.
En cualquier caso existen dos elementos comunes en estos ejemplos. Cada uno de estos tres filmes se hicieron antes de que la banda lanzara tema o LP que se sincronizaba. Junto a este detalle, Pink Floyd comentaría en más de una ocasión ser auténticos fans de las tres obras.
Echoes fue lanzado en 1971 como cara B del sexto álbum de la banda Meddle, tres años después de que se estrenara 2001 en el año 1968. Se trataba posiblemente de una de las primeras piezas que harían famosos al grupo. Una space rock como preámbulo de la obra maestra que fue Dark Side of the Moon.
Echoes son 23 minutos y 31 segundos de música que irremediablemente y con el paso del tiempo se unieron a la película de Kubrick. El mismo Waters reconocería más adelante que uno de sus grandes pesares fue no contribuir con Pink Floyd a la banda sonora. Aún así, la banda siempre negó que existiera intencionalidad. La propia tecnología de la época para reproducir la película en un estudio de grabación a comienzos de 1971 hubiera sido tremendamente costoso y difícil.
Sea como fuere este el resultado, los sonidos finales de la película parecen coincidir en efecto con las vibraciones de Echoes, incluso hay momentos en que música y escena se funden casi al unísono. Este fue el resultado, juzguen ustedes mismos (y si tienen oportunidad, apaguen las luces y suban el volumen de esta maravilla)…
Coincidencia o no, imágenes y tema podrían haber pasado como uno de los grandes relatos del espacio en cine, ya sea en formato documental o como película. No fue el único como decía al comienzo. Dos años después de lanzar Meddle, Pink Floyd publicaba uno de los discos más emblemáticos de la historia del rock, se lanzaba el brutal Dark Side of the Moon. Al poco tiempo se creaba una nueva leyenda tras su lanzamiento. Tres nombres como título:Dark Side of the Rainbow, Dark Side of Oz o The Wizard of Floyd.
Hablamos del paralelismo que se volvía a encontrar en otro clásico del cine The Wizard of Oz. El caso es que si alguna vez habéis intentado sincronizar disco y película ocurre algo similar a2001 y Echoes. Pink Floyd volvieron a comentar con el tiempo que no existía ninguna relación más allá de la coincidencia.
Sea o no cierto, la historia del clásico con el álbum tiene diversos enfoques. Cientos de fans han recopilado y subido a la red la interacción que observaban entre ambos. De hecho, existen varios enfoques sobre cómo sería la sincronización perfecta. Muchos indican que se alcanza la perfección cuando sale el león de la MGM, otros indican que se produce al tercer rugido, otros al segundo o incluso en el momento en el que comienza a desvanecerse, justo en el momento en el que comienza la película.
No sólo eso, algunos han llegado a ver en la mítica cubierta de Dark Side of the Moon un reflejo en trancisión blanca y negra de la Kansas de Oz. Incluso algunos investigadores y psicólogos hablan del efecto que se produce en muchas ocasiones en el cerebro humano, el fenómeno que da como resultado la tendencia de la mente a pensar que reconoce patrones en medio de un desorden descartando datos que no encajan. El psicólogo Carl Jung lo explica como un fenómeno en que se involucra la causalidad.
Igualmente, se da la misma circunstancia que en 2001. Hay momentos en el que la propia película cambia el ritmo al unísono que el disco, momentos casi idénticos. Les dejo con uno de los cientos de videos que podemos encontrar para que juzguen. En este caso se muestran los tres primeros temas Speak to me, Breathe y On the run…
Stand By Me - Japan
En el verano de 2011, Playing for Change Band fue invitada a actuar en el festival de jazz de Nueva Orleans. mientras estábamos en la ciudad, Jimmy Buffett, desde hace mucho tiempo amigo del proyecto, nos invitó a una sesión de improvisación en Margaritaville. La banda PFC inició la noche con este homenaje al pueblo de Japón, que han sido afectados por el tsunami en la primavera pasada.
miércoles, 23 de noviembre de 2011
Muere el batería de jazz Paul Motian
El batería de jazz Paul Motian ha fallecido a los 80 años de edad en el Hospital Monte Sinaí de Nueva York.
Motian, un influyente batería y compositor desde ladécada de los 50, vivía en Manhattan y sufría un desorden en la médula ósea.
Un ritmo especial
Nacido en Pennsylvania (EE.UU.) en 1931, Paul Motian se crió en Rhode Island, donde aprendió a tocar la guitarra y después la batería, con tan sólo 12 años.
Pronto destacó por su inigualable sentido del ritmo, que le llevó a girar, entre otros, con el gran pianista Thelonius Monk. También tocó de forma regular en el trío de Bill Evans y en el cuarteto de Keith Jarrett.
En su discografía encontramos más de treinta álbumes sin contar las numerosas colaboraciones que dejó grabadas. Su último disco, Windmills of your mind, se publicó en el verano de 2011.
http://www.rtve.es/radio/20111122/muere-bateria-jazz-paul-motian/477323.shtml:
Keith Jarrett Trio en Hamburg Funkhaus, Alemania, el 14/06/1972
Keith Jarrett - piano
Charlie Haden - bajo
Paul Motian - batería
Keith Jarrett - piano
Charlie Haden - bajo
Paul Motian - batería
sábado, 19 de noviembre de 2011
LA CANCIÓN DEL ALMA de Tolba Phanem
vía SOCIALISMO ZEN de Miguel Aguado Arnáez el 18/11/11
Cuando una mujer de cierta tribu de África sabe que está embarazada, se interna en la selva con otras mujeres y juntas rezan y meditan hasta que aparece la canción del niño. Saben que cada alma tiene su propia vibración que expresa su particularidad, unicidad y propósito. Las mujeres entonan la canción y la cantan en voz alta. Luego retornan a la tribu y se la enseñan a todos los demás.
Cuando nace el niño, la comunidad se junta y le cantan su canción.
Luego, cuando el niño comienza su educación, el pueblo se junta y le canta su canción.
Cuando se inicia como adulto, la gente se junta nuevamente y canta.
Cuando llega el momento de su casamiento, la persona escucha su canción.
Finalmente, cuando el alma va a irse de este mundo, la familia y amigos se acercan a su cama e igual que para su nacimiento, le cantan su canción para acompañarlo en la transición.
En esta tribu de África hay otra ocasión en la cual los pobladores cantan la canción. Si en algún momento durante su vida la persona comete un crimen o un acto social aberrante, se lo lleva al centro del poblado y la gente de la comunidad forma un círculo a su alrededor. Entonces le cantan su canción. La tribu reconoce que el castigo no es la corrección para las conductas antisociales; es el amor y el recuerdo de su verdadera identidad.
Cuando reconocemos nuestra propia canción ya no tenemos deseos ni necesidad de hacer nada que pudiera dañar a otros. Tus amigos conocen tu canción y te la cantan cuando la olvidaste. Aquellos que te aman no pueden ser engañados por los errores que cometes o las oscuras imágenes que muestras a los demás. Ellos recuerdan tu belleza cuando te sientes feo; tu totalidad cuando estás quebrado; tu inocencia cuando te sientes culpable y tu propósito cuando estás confundido.
miércoles, 16 de noviembre de 2011
Archie Shepp (2) - Jazzpassage Offenburg - Jazzdor Estrasburg
vía Esther Cidoncha - Jazz Photographer - Fotografías de Jazz de Esther el 16/11/11
Archie Shepp en los años sesenta marcha a vivir a Nueva York donde conoce a John Coltrane y a Cecil Taylor, dos nombres de importancia absoluta en la historia del jazz. Grabó con Taylor su primer disco 'The World of Cecil Taylor', en 1960. En 1961, graba 'New York City Rhythm and Blues'. Este periodo tayloriano de la carrera de Shepp amplía su concepción musical hacia algo innovador, hacia una reversión dirigida hacia las influencias africanas de la música.
En 1963, Shepp crea junto a John Tchicai y Don Cherry el grupo New York Contemporary Five con el que hace una gira por los países nórdicos. Un año después graba su primer disco como líder, 'Four for Trane' que abre una colaboración histórica para el sello Impulse. Uno de sus discos importantes es 'Fire Music', para Impulse, con arreglos de los temas todos de Shepp. Otro de sus mejores discos de este periodo con Impulse es 'On this Night'. Destacan para el mismo sello 'Mama too Tight' o 'The Magic of Ju-Ju'. La música hace referencias a las raíces africanas, lo cual en manos de Shepp significaba una propuesta de camino a seguir con carácter de consignas políticas y artísticas.
En los años setenta emprende nuevas etapas grabando Attica Blues, una grabación con connotaciones políticas. Shepp siempre ha sido un artista comprometido que aúna la militancia con la música. En la década de los ochenta Archie es reconocido y aceptado unánimamente como uno de los grandes jazzmen de su generación.
En cuanto a las influencias de los músicos en Shepp fueron fundamentales: Ben Webster, como una de las voces más sofisticadas, más perfectas al saxo tenor. Y John Coltrane que comprendió las implicaciones de lo que el saxo podía hacer, otra forma de vocalizar. Otra influencia fue Eddie "Lockjaw" Davis. (continuará)
Fotografía © Esther Cidoncha
Sakamoto con Morelenbaum
vía Cuando los elefantes sueñan con la música de Carlos Galilea el 16/11/11
El trío de Ryuichi Sakamoto, con Jaques Morelenbaum al chelo y Judy Kang al violín, en el concierto que ofreció en Madrid este martes. El músico japonés termina su gira europea hoy miércoles 16 de noviembre en Cartagena (Auditorio y Centro de Congresos), el viernes 18 en Barcelona (Palau de la Música), el domingo 20 en Valladolid (Centro Cultural Miguel Delibes) y el lunes 21 en Lisboa (Fundación Gulbenkian).
domingo, 13 de noviembre de 2011
Pink Floyd - Animals (1977)
vía Discos, música y reflexiones de Abacab el 12/11/11
Sigo regateando la responsabilidad de a la hora de abordar a los gigantes del rock y de la música en general Pink Floyd de afrontar el análisis de sus consideradas 3 grandes obras (véanse "The Wall", "Dark Side Of The Moon" y "Wish You Were Here"). Si el primer post que concedí a los Waters, Gilmour y cía. correspondió a un disco infravalorado o traspapelado dentro de su discografía como es el fabuloso "Meddle", hoy al menos sí que tomo por banda uno de los que sí están enmarcados en su era grande y no en vano se sitúa entre los 3 trabajos que he mencionado entre paréntesis, siendo de alguna forma el 4º lp más valorado, al menos si no contamos la era Barrett.
Y es que "Animals" es emblemático desde su portada, quizás la más fácilmente recordada del grupo o la más espectacular por el despliegue que supuso. No me negarán ustedes que atar a un cerdo hinchable gigante en una de las descomunales chimeneas de la tétrica, siniestra, mastodóntica y lúgubre Battersea Power Station (en activo aún en aquellos días) y sacar una instantánea global no tiene mérito y que además el resultado es fabuloso. Puede resultar minimalista el significado del prisma de "Dark Side Of The Moon", o los sencillos ladrillos blancos de "The Wall", incluso choca mucho detenerse a ver ese acalorado saludo de "Wish You Were Here", pero la portada de "Animals" representa ambición en proporción tal como el del tamaño del edificio que refleja.
El grupo estaba inmerso en sus años de más gloria y con la formación más memorable en pleno rendimiento, aquella compuesta por David Gilmour como vocalista y guitarrista, Roger Waters al bajo y voces, Nick Mason como batería y Rick Wright en los teclados. La resaca de "Wish You Were Here" todavía duraba en aquellos días en los que el grupo comenzó a dar forma a Animals. El disco se comenzó a gestar en la gira anterior y la inercia de Pink Floyd en aquellos momentos era inmejorable. El resultado fue una gran obra conceptual, con un corto listado de temas, pero de duración kilométrica en algunos casos (marca de la casa), que pasamos a analizar sin más demora.
La 1ª composición es la 1ª parte de "Pigs on the wing", que ofrece un carácter acústico y relajado, con un leve poso de melancolía, que al fin y al cabo no es más que una introducción a la primera de las obras maestras que tiene el disco y que son las 3 composiciones centrales. Y es que "Dogs" es una pieza de 17 minutos de duración, muy del estilo y gusto de Pink Floyd, al estilo de esas composiciones gigantes tipo Echoes de Meddle, que ya comentamos hace un tiempo, y en el que la canción evoluciona y ofrece numerosas partes muy interesantes, tanto líricas como instrumentales. Ciertas partes de la letra son incisivas a más no poder como cuando Gilmour dice eso de que "…tienes que transmitir confianza a la gente que mientes y cuando ellos te den la espalda tienes la posibilidad de clavarles el cuchillo". La melodía quizás más recordada es esa que ofrece unos acordes tan claros de guitarra eléctrica, demostrando el virtuosismo del grupo y en especial de Gilmour. Aunque la presencia de los teclados de Wright tiene sus retoques o añadidos que son inestimables, lo cierto es que "Dogs" es más bien recordada por sus guitarras y estructura de rock clásico."Pigs (three different ones)" me llama la atención principalmente por la interpretación vocal en este caso de Roger Waters con esa especie de risa o repetición que hace en una parte de la letra oída en el comienzo de la pista. Es una pista más desenfadada que la sesuda "Dogs", con un carácter levemente hipnótico en las melodías que entrelaza. Con "Sheep", que fue el único corte de la obra incluido en el recopilatorio "Echoes", el grupo gira un poco más la rueda de graduación de intensidad rockera de "Animals". El tema es un auténtico trueno en varias de sus partes y un ejemplo del sector más abrasivo de Pink Floyd. Igual que la 1ª parte de "Pigs on the wing" era una intro a la obra, la 2ª parte es una especie de epílogo o cierre, que da carácter global o conceptual a la obra, rubricando su envoltura correctamente.
La lástima principal de "Animals" no reside en sus resultados comerciales, los cuales fueron notables, o su calidad, la cual es indiscutible, sino en el hecho de que en su proceso de creación, desde que comenzó su génesis, se produjeron las primeras grietas incurables en el seno de la banda, las cuales se fueron acrecentando en los siguientes años y desembocarían en el desmantelamiento de la banda en los años 80, o mejor dicho en su reconversión.
¿Quién fue el culpable? Pues sí, el malo de la película parece que está aceptado de forma generalizada que es el amigo Roger Waters, al cual no le vamos a discutir en ningún momento su nivel como músico y compositor, pero al que sí reprocharemos su actitud con sus compañeros, especialmente con Mason y sobre todo con Wright. El hecho de que los teclados de Richard sean sibilinos y secundarios en la producción no es fruto de la casualidad o despiste, sino que fue el inicio de un mobbing claro hacia el teclista de la formación por parte del cada vez más autoproclamado líder Roger Waters, el cual consideraba a Wright un vago.
Con "The Wall" y su gran éxito, Waters terminó de convencerse de sus ansias de dominar en exclusiva Pink Floyd, con la única salvedad de mantener a Gilmour y para "The Final Cut" Richard Wright ya no era parte del grupo. Luego vendrían peleas legales, más peleas legales, malas formas en las entrevistas con recaditos al rojo vivo de unos a otros componentes, etc. Es una pena que esta obra conceptual, que se basa en el libro de Orwell "Rebelión En La Granja", y su estratificación social a través de los grupos formados por los animales que protagonizan las canciones del disco, supusiera el comienzo del fin de Pink Floyd. No obstante, dejando esas leves consideraciones al margen de la música en sí, estamos ante una de las grandes joyas en forma de lp que editó el cuarteto clásico de Pink Floyd en los años 70. Aprovechen su recuperación o escucha como se merece.
DUB INC. ''HORS CONTROLE'' (FRANCIA,2011) @ [178k VBR]
vía AfroCubanLatinJazz © de Luís el 12/11/11
DUB INC.
''HORS CONTROLE''
(FRANCIA,2011) @
En 1997 empieza la historia de DUB INC
Una historia como otras, igual a las que vivieron otros grupos también: la de amigos reunidos alrededor de una pasión común, la música. Los orígenes y las influencias musicales de cada miembro del grupo son ricos y varios y eso es lo que hace su música singular. Aunque la etiqueta "reggae francés" este comúnmente utilizada para calificar Dub Inc, el atajo parece fácil y no totalmente adaptada a su música, cuyas influencias pueden ser tan orientales como Hip Hop…
En seguida, nace la envidia de ver más lejos y grabar sus canciones; resultarán dos CD maxis: en noviembre 1999 saldrá Dub Incorporation 1.1 y en junio 2001 Version 1.2. Al largo de los meses, el grupo va profesionalizándose, haciendo conciertos de más en más y el apasionamiento alrededor de su provincia y de su ciudad (Saint Etienne) no para de crecer.
Su nueva etapa en la industria musical: el álbum. En septiembre 2003, sale el primer LP del grupo llamado Diversité (por lo cual, el grupo está, por primera vez, distribuido nacionalmente). Va a seguir una larga y enorme acción promocional tras redes de medios de comunicación independientes y locales anunciando sus conciertos. Su notoriedad va creciendo, los billetes de conciertos se agotan de seguida y las ventas de discos despegan también.
Los profesionales también empiezan a reconocerlos. DUB INC esta laureado del FAIR 2004 y tiene por efecto de ayudarles en todos aspectos y especialmente en la colaboración con la agencia de booking A GAUCHE DE LA LUNE.
En agosto 2005, llega el segundo álbum llamado Dans le Décor y su salida beneficia de una grande promoción: van de un a otro torno, el nombre de DUB INC va fuera de las fronteras francesas (Alemania, Portugal, Italia, España, Grecia, Maruecos…). La notoriedad se hace de mas en mas fuerte, el publico viene mas en mas numeroso a los conciertos, juegan en salas de conciertos mas en mas grandes. Lógicamente, en octubre 2006 sale el primer álbum en vivo del grupo Live (CD/DVD) grabado durante el torno de los festivales del verano 2006.
La experiencia, los encuentros y el tiempo pasado sobre las carreteras hacen que los artistas se descubren ganas y sensibilidades nuevas para lo que viene. De prisa, empiezan un nuevo proyecto, totalmente producido al estudio MCB de Saint Etienne. Seis meses de elaboración permitirán al grupo de dar vida a Afrikya, el tercero opus (salida oficial el 6 mayo 2008): se organizan los tornos, las salas van llenándose… A continuación…
VV.AA. ''MILES ESPAÑOL - NEW SKETCHES OF SPAIN'' (2011) @ [320]
vía AfroCubanLatinJazz © de Luís el 11/11/11
VV.AA.
''MILES ESPAÑOL - NEW SKETCHES OF SPAIN''
(2011) @
"Concebido y producido por Bob Belden, "Miles Español" es un sorprendente viaje en el alma española de Miles Davis"
En mayo de 2010 en Nueva York se reunieron los mejores músicos de jazz latino, y un elenco de excepcionales músicos de flamenco, se reunieron en los estudios Sear Sound en Manhattan. De alli salio esta maravilla.
Dos discos con nuevas interpretaciones y arreglos de temas del disco de Miles; "Sketches of Spain":
"Concierto de Aranjuez", "Saeta" , "Pan Piper Medley", "Solea". Pero también re visiones de maravillas como "Kind Of Blue", aquí titulada "Flamenco Sketches", "Someday My Prince Will Come", "Spantango", etc...
Ahora agárrense a su silla al nombrar los interpretes de estas maravillosas relecturas de Miles: Chick Corea, Jack DeJohnette, John Scofield, Ron Carter, Sammy Figueroa, Fortune Sonny, Alex Acuña, Gonzalo Rubalcaba, Rabih Abu Khalil, Chano Domínguez, Jorge Pardo, Carles Benavent, Eddie Gómez, Jerry González, Cristina Pato, Jaco Abe, Edsel Gómez, Rodolfo Adán, Fribgane Brahim, Edmar Castañeda, Niño Josele, Antonio Sánchez, John Benítez.
Un disco absolutamente recomendable para amantes del Jazz, la música española, y la fusión cultural y musical. Tanto las influencias orientales como las hispánicas se fusionan de maravilla con el sabor inconfundible de las composiciones de Miles. Si ya en su época y para siempre el trabajo de Miles Davis / Gil Evans en "Sketches of Spain" fue una obra maestra, esta re lectura es un paso nuevo y no debe ser comparado con aquella obra y simplemente disfrutarla como algo nuevo.
Fuente
Track Listing:
CD1:
Comcierto de Aranjuez;
Trampolin;
Just Three Miles;
Duende;
Momento;
Brujo y Cayo;
Paisaje;
Saeta/Pan Pipe
CD2:
Spantango;
Flamenco Sketches;
Tirititran;
El Swing;
Fantasia por Miles y Gil;
Teao/Neo;
Beautiful Love;
Solea
Personnel: Bob Belden: co-producer, arranger, marimbas, timpani; Ron Carter: bass; Jack DeJohnette drums; Sonny Fortune: flute; Eddie Gomez: bass; Gonzalo Rubalcaba: piano; John Scofield: guitar; Rabih Abou-Khalil: oud; John Clark: French horn: Tim Hagans: trumpet; Jerry Gonzalez: percussion, conga, flugelhorn; Adam Rudolph: tabla, caxixi, cajon, sintir, qarqaba; Jorge Pardo: flute; Alex Acuña: percussion, bongos, drums, maracas, bells, cajon, quinto; Carlos Benavent: bass; John Benítez: bass; Chick Corea: piano; Sammy Figueroa: percussion, conga, ganza; Scott Kinsey: synthesizer; Lou Marini: flute, bass flute; Michael Rabinowitz: bassoon; John Riley: timpani; Antonio Sanchéz: drums; Vince Wilburn Jr.: drums; Mike Williams: trumpet; Chano Domínguez: piano; Luisito Quintero: conga; Charles Pillow: English horn, oboe: Edsel Gomez: piano; Jaco Abel: guitar; Dominick Farinacci: trumpet; Victor Prieto: accordion; Cristina Pato: bagpipes; Edmar Castaneda: harp; Brahim Fribgame: dumbek, cajon; Niño Josele: guitar.
Source
jueves, 10 de noviembre de 2011
Frank Morgan, "Love, Lost & Found" (1995).
vía Bienvenidos a la Monga! de Carlos el 9/11/11
Es una real rareza para un músico de jazz haber interrumpido su carrera durante 30 años y luego ser capaz de realizar un regreso con todo. En sus inicios Frank Morgan exhibió suficiente mérito para ser una gran promesa, pero tuvo que pasar mucho tiempo para que pudiera demostrar totalmente su potencial.
Hijo del guitarrista de los Ink Spots, Stanley Morgan, sus inicios fueron con el clarinete y el saxo alto. En 1947 la familia se mudó a Los Angeles, donde Frank ganó una competencia de talentos que le permitió grabar junto a Freddy Martin. Luego trabajó en la escena del bop en Los Angeles de comienzos de los 50, grabando con Teddy Charles (1953) y Kenny Clarke (1954) y liderando su propio álbum para GNP en 1955. Pero entonces ingresó en sus 30 años de oscuridad.
Adicto a la heroína (siguiendo los pasos de su ídolo, Charlie Parker), Morgan fue arrestado por posesión de drogas, y pasó décadas entrando y saliendo sucesivamente de la cárcel. Ocasionalmente pudo tocar en el ámbito local, pero no fue hasta 1985 en que tuvo la oportunidad de encarar su segunda etapa. Morgan se las arregló para mantenerse libre de su adicción y luego de un período inicial, durante el cual sonó muy cercano a Charlie Parker, logró desarrollar su propio estilo bop.
Frank Morgan ha grabado una serie de excelentes materiales para los sellos Contemporary, Antilles y Telarc; y se convirtió en una figura inspiradora para el mundo del jazz. Entre sus álbumes más recientes se incluyen Tribute to Charlie Parker (2003), City Nights: Live at the Jazz Standard (2004), Raising the Standard (2005) y Night in the Life: Live at the Jazz Station (2007).
Frank Morgan se cambió del sello Antibes a Telarc con Love, Lost & Found, en el que enfatiza el lado romántico del saxo alto y en el que es acompañado por Cedar Walton en piano, Ray Brown en bajo y Billy Higgins en batería.
Aquellos que conocen la carrera de Morgan saben que ha sido siempre un magnífico baladista, y en este disco las baladas son una prioridad. La mayoría de los standards que eligió han sido grabados asiduamente a través de los años, incluyendo "Skylark", "I Can't Get Started", "My One and Only Love" y "Don't Blame Me". Pero el toque de Morgan es tan personal y emocional que a uno no le importa volver a escuchar una nueva versión de "What Is This Thing Called Love" o "All The Things You Are."
Siempre es mejor para los músicos mantenerse alejados de los típicos temas que son un caballito de batalla si es que no tienen algo realmente valioso que agregar en lo personal a sus versiones, pero afortunadamente Morgan lo tiene. Aunque no contiene muchas sorpresas, Love, Lost and Found será muy gratificante para aquellos admiradores de Morgan y de su lado más romántico.
(traducción libre del texto de allmusic.com que hizo mi macanudísimo, genial y exquisito primo Guillermo)
Frank Morgan: alto saxophone
Cedar Walton: piano
Ray Brown: bass
Billy Higgins: drums
01 The Nearness of You 07:49
02 Last Night When We Were Young 05:03
03 What Is This Thing Called Love 05:50
04 Skylark 04:47
05 Once I Loved 07:45
06 I Can't Get Started With You 04:56
07 It's Only a Paper Moon 04:30
08 My One and Only Love 05:31
09 Someday My Prince Will Come 04:43
10 All the Things You Are 05:08
11 Don't Blame Me 06:28
Tiempo aprox: 62:50
61,4 MB
Hijo del guitarrista de los Ink Spots, Stanley Morgan, sus inicios fueron con el clarinete y el saxo alto. En 1947 la familia se mudó a Los Angeles, donde Frank ganó una competencia de talentos que le permitió grabar junto a Freddy Martin. Luego trabajó en la escena del bop en Los Angeles de comienzos de los 50, grabando con Teddy Charles (1953) y Kenny Clarke (1954) y liderando su propio álbum para GNP en 1955. Pero entonces ingresó en sus 30 años de oscuridad.
Adicto a la heroína (siguiendo los pasos de su ídolo, Charlie Parker), Morgan fue arrestado por posesión de drogas, y pasó décadas entrando y saliendo sucesivamente de la cárcel. Ocasionalmente pudo tocar en el ámbito local, pero no fue hasta 1985 en que tuvo la oportunidad de encarar su segunda etapa. Morgan se las arregló para mantenerse libre de su adicción y luego de un período inicial, durante el cual sonó muy cercano a Charlie Parker, logró desarrollar su propio estilo bop.
Frank Morgan ha grabado una serie de excelentes materiales para los sellos Contemporary, Antilles y Telarc; y se convirtió en una figura inspiradora para el mundo del jazz. Entre sus álbumes más recientes se incluyen Tribute to Charlie Parker (2003), City Nights: Live at the Jazz Standard (2004), Raising the Standard (2005) y Night in the Life: Live at the Jazz Station (2007).
Frank Morgan se cambió del sello Antibes a Telarc con Love, Lost & Found, en el que enfatiza el lado romántico del saxo alto y en el que es acompañado por Cedar Walton en piano, Ray Brown en bajo y Billy Higgins en batería.
Aquellos que conocen la carrera de Morgan saben que ha sido siempre un magnífico baladista, y en este disco las baladas son una prioridad. La mayoría de los standards que eligió han sido grabados asiduamente a través de los años, incluyendo "Skylark", "I Can't Get Started", "My One and Only Love" y "Don't Blame Me". Pero el toque de Morgan es tan personal y emocional que a uno no le importa volver a escuchar una nueva versión de "What Is This Thing Called Love" o "All The Things You Are."
Siempre es mejor para los músicos mantenerse alejados de los típicos temas que son un caballito de batalla si es que no tienen algo realmente valioso que agregar en lo personal a sus versiones, pero afortunadamente Morgan lo tiene. Aunque no contiene muchas sorpresas, Love, Lost and Found será muy gratificante para aquellos admiradores de Morgan y de su lado más romántico.
(traducción libre del texto de allmusic.com que hizo mi macanudísimo, genial y exquisito primo Guillermo)
Frank Morgan: alto saxophone
Cedar Walton: piano
Ray Brown: bass
Billy Higgins: drums
01 The Nearness of You 07:49
02 Last Night When We Were Young 05:03
03 What Is This Thing Called Love 05:50
04 Skylark 04:47
05 Once I Loved 07:45
06 I Can't Get Started With You 04:56
07 It's Only a Paper Moon 04:30
08 My One and Only Love 05:31
09 Someday My Prince Will Come 04:43
10 All the Things You Are 05:08
11 Don't Blame Me 06:28
Tiempo aprox: 62:50
61,4 MB
miércoles, 9 de noviembre de 2011
Kate Price - THE ISLE OF DREAMING (EUA) 2000
vía GPS sonoro de Guayacas el 20/10/11
Katie Price es a menudo comparada con Loreena McKennit, Pero ella conserva un sonido caracteristico que no podria estar compuesto por nadie mas, Kate toca maravillosamente el Hammer Dulcimer y el piano y sus melodias respaldadas por el Bodhran y la cadencia del acordeón.
Su voz dulce se mezcla bien con los instrumentos para crear ricas baladas y magnificas piezas instrumentales. Fuente
The isle of dreaming
The isle of dreaming
Lo que Kate comenzó en Deep Hearts Core, lo completó con The isle of dreaming, pero esta vez con una influencia indo-persa superpuesta a la base celta. Se trata de una grabación exquisita y polifacética de gran profundidad y ternura, y que sólo se pone mejor con la escucha repetida. Esta grabación está dedicada a Leo, el hermano de Kate, cuyo amor y apoyo fue un pilar de fortaleza para Kate a lo largo de su vida. Él murió de complicaciones de la diabetes en 1998. También co-producido por Teja Bell, este disco logró fusionar diversas influencias musicales en una visión coherente y ejemplar.
Músicos:
Kate Price -- Vocals, Hammered Dulcimer, Hummel, Harmonium
Teja Bell -- Classical Steel String, 12 String & Bass Guitars, Keyboards, Electric Sitar
Ian Dogole -- Handrums, Udu, Dumbek, Cymbals
Doug Harman -- Cello Hans
Christian -- Nickelharpa, Sarongi
Paul McCandless -- Oboe, English Horn, Penny Whistle, Saxophone
Spencer Brewer -- Piano
Chris Caswell (C2) -- Irish Flute, Penny Whistle (on Beloved)
Bonnie Barnum (B2) -- Celtic Harp
Habib Khan -- Sitar
Ben Mawhorter -- Tabla
Zahar Hayati -- Zylis
James Asher -- Shaker
Fuente
Fuente
Pistas:
01. The isle of dreaming (7:34)
02. Andalusia (6:17)
03. Voices of my people (10:04)
04. The Phoenix (5:42)
05. Kate counts eight (5:52)
06. Sea of silence (5:40)
07. Mystic warrior (5:25)
08. Planxty Almblade-Cruso (4:16)
09. Beloved (5:32)
domingo, 6 de noviembre de 2011
sábado, 5 de noviembre de 2011
Boletín Produccions ContraBaix noviembre 2011
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Ara Malikian descubre Vivaldi a los niños
«Un intérprete de música clásica no es siempre un señor con cara de pescado muerto». La frase con la que Ara Malikian se despidió ayer de un grupo de escolares cántabros define su principal objetivo: acercar esta música a los niños de un modo lúdico, elocuente y hasta gamberro. Y para ello que mejor que 'Las cuatro estaciones' de Antonio Vivaldi, un concierto muy conocido, un 'best seller' de la música clásica, que 4.682 alumnos de 70 centros educativos de la región ya han aplaudido y vitoreado en la sala Argenta del Palacio de Festivales de Santander y que se volverá a representar ante otros 1.545 mañana, sábado, dentro del programa 'El Palacio con los niños'.
A Vivaldi, en el año 1774, le gustaba la primavera; disfrutaba con el canto de los pájaros y con las flores. El verano, en cambio, le asqueaba un poco. La pesadez del ambiente, con las moscas y moscones revoloteando por su alrededor, le hacían soñar con la llegada del otoño y las fiestas de recogida de las cosechas, un periodo de calma y de risas que acababa de una forma brusca con la llegada del invierno, la lluvia y el viento, en una Italia en la que, en aquella época, no había calefacción.
Todas estas sensaciones quedaron reflejadas en la obra del compositor italiano o, al menos, así las entiende Malikian y así se las muestra a los pequeños durante una hora de concierto, en la que no faltan sus habituales saltos en el escenario, varios gags cómicos y ese virtuosismo que ya le define como uno de los más brillantes y expresivos violinistas de su generación.
Se trata, de una manera sencilla, de hacer llegar a este pequeño público la experiencia de la música clásica, explicando y dramatizando antes de cada movimiento los sonetos que el propio Vivaldi redactó para estas cuatro estaciones. «Pretendemos adentrar a los niños en aventura inolvidable», describe el violinista que reconoce que «en el escenario nosotros lo pasamos muy bien y ellos nos transmiten una energía que es imposible no disfrutar».
Entre pase y pase, desde el miércoles hasta hoy se repetirán seis sesiones, el intérprete libanés reconoce que con esta actividad no pretende realizar «una labor pedagógica» sino «despertar el amor por la música clásica y que los pequeños no vean este género como algo aburrido para mayores».
«Sin maquillajes»
Ara Malikian, que comenzó a tocar el violín a los 12 años y que mantiene una estrecha vinculación con Cantabria, le gusta repetir «que los niños son muy listos» y por eso no ha querido maquillar la obra para facilitarles la audición. Sólo una narradora, Esther Blanca Quesada, y el propio violinista van dando paso a cada una de las piezas del concierto. Les acompañan en el escenario Margarita Sikovea (violín), Humberto Armas (viola), Dragos Balán (violonchelo) y Juan Francisco Padilla (laúd).
Las emociones de los niños, muy serios al principio en sus asientos, van evolucionando con cada acorde, de tal forma que reciben a los músicos y los primeros movimientos de 'La primavera' callados y expectantes. Una sensación que poco a poco va cambiando y que se va llenando de algarabía a medida que avanzan las estaciones y que termina con todos ellos poniendo música a la lluvia de 'El invierno' con los pies y sus pequeñas palmas.
Sorpresa y diversión
Natalia y José, dos alumnos del santanderino colegio Gerardo Diego, salieron «entusiasmados» del espectáculo. La niña, con esa sinceridad propia de la edad, reconoció a la salida que se esperaba un «rollo». «Pero, al contrario, me ha encantado sobre, todo el otoño, cuando el violinista se hace pasar por un borracho después de una fiesta de las cosechas». Su compañero, en cambio, no supo quedarse con un único momento: «Me gustó cuando el músico bajó del escenario y fue tocando entre las butacas. Lo tuve casi al lado», comentó casi emocionado.
A Javier, del colegio La Sagrada Familia, lo que más le impactó también fue 'El Otoño' aunque él se queda con el pasaje en que el violinista representa a un ciervo que los músicos intentan cazar con sus instrumentos. «No lo consiguieron, pero fue muy divertido, porque el músico corría por el escenario y hacía muchas tonterías».
http://www.eldiariomontanes.es/v/20111104/cultura/musica/malikian-descubre-vivaldi-ninos-20111104.html:
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