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domingo, 27 de diciembre de 2009

Ella Fitzgerald: Ella Abraça Jobim (1981)

En esta revisión de composiciones de Antonio Carlos Jobim grabada entre 1980 y 1981, Ella Fitzgerald se hace acompañar por lo más granado del jazz tradicional (Joe Pass, Clark Terry, Zoot Sims, Toots Thielemans) y algunas emergentes figuras del movimiento del jazz fusión (Alex Acuña, Abraham Laboriel, Paulinho Da Costa, Paul Jackson).
Diecisiete temas afrontados con desparpajo y buen gusto gracias a los arreglos de Erich Bulling, y la Fitzgerald demostrando una forma soberbia y una versatilidad pasmosa.

tracks

1. Dreamer (Vivo Sonhando)
2. This Love That I've Found (So Thina De Ser Com Voce)
3. The Girl From Ipanema (Garota De Ipanema)
4. Somewhere In The Hills (Favela)
5. Photograph (Fotografia)
6. Wave
7. Triste
8. Quiet Nights Of Quiet Stars (Corcovado)
9. Water To Drink (Agua De Beber)
10. Bonita
11. Off Key (Desafinado)
12. He's A Carioca (Ele E Carioca)
13. Dindi
14. How Insensitive (Insensatez)
15. One Note Samba (Samba De Uma Nota So)
16. A Felicidade
17. Useless Landscape (Inutil Paisagem)

jueves, 24 de diciembre de 2009

Nils Landgren: Funky ABBA - 2004


Nils Landgren nació en 1956. Es un trombonista sueco especializado en la música de jazz y el funk.

Entre 1972 y 1978 estudió trombón clásico en el colegio de música de Karlstad y en la universidad en Arvika. Tras conocer al pionero del jazz-folk sueco Bengt-Arne Walling, así como al trombonista Eje Thelin, dio un giro a sus intereses musicales de lo estrictamente clásico hacia la improvisación, dando así comienzo al desarrollo de su estilo y mundo propio.

Tras su graduación, Nils se mudó a Estocolmo para trabajar como trobonista profesional. Pronto hizo giras con la exitoso estrella del pop sueco Björn Skifs cuyo "Blue Swede" alcanzó el número uno de ventas en U.S.

En 1981, Thad Jones invitó a Landgren a unirse a su nuevo proyecto de big band "Ball of Fire", como primer trombonista.

Nils Landren siempre ha estado interesado en la mayoría de estilos musicales de calidad como el jazz y rock, soul y hip hop, big bands. Por su propio reconocimiento como músico de sesión, ha participado al menos en 500 álbumes de artistas internacionales como ABBA, The Crusaders, Eddie Harris, Bernard "Pretty" Purdie, Wyclef Jean y Herbie Hancock.

En 1983 llegó el álbum de debut de Nils llamado Planet Rock al que siguieron Streetfighter en 1984, You Are My Nr 1 en 1985, Miles from Duke with Bengt-Arne Wallin en 1987, Chapter Two 1 en 1987, Chapter Two 2 y Follow Your Heart en 1989. Entre 1985 y 1987 Nils también trabajó como actor, cantante y trombonista y bailarín en más de 360 actuaciones del show sueco "play of the year", SKÅL, así como apariciones en varios filmes televisivos como actor.

El álbum "Live in Stockholm" (ACT 9223-2) fue el comienzo de la colaboración con Siefried Loch y su emergente sello ACT.

http://es.wikipedia.org/wiki/Nils_Landgren

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Pedro Abrunhosa con Maceo Parker: Viagens (1995)

Pedro Abrunhosa (Oporto, 20 de diciembre de 1960) es un cantante y compositor portugués.
Inicia pronto sus estudios musicales. Termina el curso de Composición en el Conservatorio de Música de Oporto y después estudia y trabaja con los porfesores Álvaro Salazar y Jorge Peixinho. Hace el curso de Pedagogía con el profesor polaco Jos Wuytack.

01. Não Posso Mais
02. Não Tenho Mão Em Mim
03. Lua
04. É Preciso Ter Calma
05. Socorro
06. Estrada
07. Fantasia
08. Viagens
09. Mais Perto Do Céu
10. Tudo O Que Eu Te Dou

miércoles, 16 de diciembre de 2009

Ben Sidran: Dylan Different (2009)


Hay que ser muy valiente para atreverse con un proyecto sobre la obra de Bob Dylan. Ser respetuoso con una de las leyendas vivas más influyentes e importantes de la música de nuestro tiempo y, a la vez, ofrecer un producto que aporte originalidad y atrevimiento, no es tarea fácil. Ben Sidran, "el maestro", ha conseguido en "Dylan Different" captar el espíritu de la música y letras de Bob y acomodarlo a su manera de interpretar sin tener que hacer extraños equilibrios sobre un repertorio difícil por la intransferible personalidad de su autor.
Lejanos los tiempos de la Universidad de Wisconsin, Ben siempre ha sido un referente clave para la música americana en general y el jazz en particular, acreditando una trayectoria que abarca todos los campos imaginables (compositor, intérprete, productor, escritor, periodista musical, director de sello discográfico). Su inquietud intelectual, aspecto que no pasa inadvertido para cualquiera que hable con él cinco minutos, ha sido determinante a la hora de investigar y conocer el desarrollo y evolución de la música americana, desde sus raices hasta hoy.
En su nuevo proyecto, Ben Sidran "reinventa" a Dylan a a través de algunos de sus "clásicos" más reconocibles como "Blowin In The Wind", "Knockin' On Heaven Door", "Highway 61 Revisited", "Tangled Up In Blue" o "Ballad Of A Thin Man", entre otros. Hace poco tiempo, celebrábamos la edición de "Cien Noches", que incluye la versión en directo desde el Café Central de "Gotta Serve Somebody", procedente de aquel gran álbum de Dylan titulado "Slow Train Coming"(79) , que significó su gran éxito de ventas en España y que ahora puedes escuchar en la versión de estudio en "Dylan Different".

viernes, 11 de diciembre de 2009

Rolf Lislevand: Nuove Musiche (2006)


Rolf Lislevand (Oslo, Noruega, 1961) es un laudista, vihuelista y tiorbista noruego especializado en música antigua.

Desde 1980 a 1984 estudió guitarra clásica en la Academia de Música del Estado de Noruega. En 1984 ingresa en la Schola Cantorum Basiliensis de Suiza, que era en aquel entonces el centro de música antigua más activo de Europa. Estudió allí bajo la guía de Hopkinson Smith y Eugène Dombois hasta 1987.

En ese momento recibió una oferta de Jordi Savall para acompañarlo en sus grupos Hespèrion XX, La Capella Reial de Catalunya y Le Concert des Nations. A través de su trabajo con Savall ha obtenido un conocimiento profundo de la música francesa para viola da gamba del siglo XVII y realizan numerosas grabaciones y conciertos por todo el mundo. Asímismo, Montserrat Figueras le introdujo a la música vocal española de los siglos XVI y XVII.

A partir de 1987 se establece en Verona, donde trabaja sobre nuevas formas interpretativas de la música italiana del siglo XVII. Viviendo en estrecho contacto con una civilización que siempre ha enfocado el modernismo como tradición, procura integrar intuición e investigación en la búsqueda de un concepto global de estilo y estética de la música barroca.

La frondosa discografía de Rolf Lislevand como solista es editada por el sello francés Astrée-Auvidis. Desde su primer CD con música del laudista italiano Hieronymus Kapsberger, obtiene las más laureadas criticas y premios internacionales, como el Diapason d’Or del año, Choc de le Monde de la Musique, 10 de Répertoire...

Ha dirigido diferentes ensembles compuestos especialmente para alguno de los más importantes festivales europeos, con grandes figuras del mercado artístico internacional, como Edimburgo, Utrecht, Brujas, Montreaux.

Es uno de los grandes intérpretes de compositores españoles del Renacimiento, prestando especial atención al siglo XVI, respetando los criterios, las formas y los instrumentos originales de época, complementado en alguna oportunidad con danzas renacentistas.

Desde 1993 Lislevand es profesor en la Staatliche Hohschule für Musik en Trossingen, Alemania. Mientras los métodos de estudio habituales en academias se basan habitualmente en criterios pedagógicos surgidos de la tradición romántica del siglo XIX, en Trossingen se trabaja guiados por ideales más acordes con un concepto humanista del artista y del ser humano.

http://es.wikipedia.org/wiki/Rolf_Lislevand

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Classique & Jazz (2008)

Lista de Temas:

CD 1
01. Erik Satie - Trois Gymnopedies (Part I)
02. Claus Ogerman Orchestra - Time Passed Autumn (Part I)
03. Claus Ogerman Orchestra - Time Passed Autumn (Interlude & Part 2)
04. Gary Le Mel - I Ll Only Miss Her When I Think Of Her
05. The Helsinki Strings - Holberg Suite Op. 40-I Preludium: Allegro Vivace
06. Khalil Chahine - Clandestin
07. Ella Fitzgerald & Louis Armstrong - Summertime
08. Sir Malcolm Arnold - Concerto for 2 Pianos (2 Satz)
09. Karin Krog & John Surman - Dont Just Sing
10. Schoenberg - Gurre (Lieder Orchestral Prelude)
11. The Chico Hamilton Quintet - Something to Live For
12. Jarek Smietana - Children of Time (Autumn Suite Part. 3)
13. Esbjoern Svensson Trio - Spam-Boo-Limbo
14. Henryk M. Gorecki - Symphony No. 3 (Lento E Largo)


CD 2
01. Avo Paert - Summa for Strings
02. Claude Debussy - Suite Bergamasque (Claire De Lune)
03. Charlie Parker - Just Friends
04. Horace Silver - How Did it Happen
05. Kerem Goersev - Serenity
06. Eliane Elias - Crystal and Lace
07. Maurice Ravel - Pavane Pour Une Infante Defunte
08. The Five Corners Quintet ft. Mark Murphy - This Could Be The Start Of Something
09. Franck Avitabile - Facin Up
10. Camille Saint - Saens-Symphony No. 3-1. Satz Poco Adagio
11. Russell Malone - Heartstrings
12. Fazil Say - Le Clavier Bien Tempere Livra 1 Prélude Et Fugue N°1 BWV 846 En Ut Majeur Prélude
13. Till Broenner - Tarde
14. Philadelphia Orchestra & Eugene Ormandy (Adagio For Strings)

jueves, 10 de diciembre de 2009

Niño Josele: Española (2009)


Juan José Heredia, “Niño Josele” (Almería, 1974) vuelve a sacar disco, el segundo en este 2009 tras publicar hace unos meses ‘Venta del alma’. ‘Española’ es el nombre de su quinto álbum que ya está a la venta.

En este CD encontramos nueve cortes, todos ellos composiciones inéditas y originales del tocaor de Almería, menos el tema que abre y da nombre al trabajo: Española es una versión de la canción del músico McCoy Tyner.
Estamos ante una obra compacta en la que Josele profundiza en su sendero estético, el de mezclar el flamenco y el jazz latino con un desparpajo admirable. En su guitarra, esta aventura se transforma en género por la capacidad que tiene para que suene redondo. A través de las figuras que homenajea en el disco -Paco de Lucía, Bebo Valdés y Bill Evans- Niño Josele dibuja el triángulo musical en el que se sitúa por tradición y por vocación.
Flamenco, aires tropicales y jazz se van sucediendo, dejándose espacio en unas ocasiones y en otras conviviendo en armonía. Con estas herramientas, Josele aborda bulerías, rondeña, seguiriyas, rumba y zapateado, amén de alguna que otra composición libre. En ningún caso aparecen voces, aunque la guitarra sí que pasa de solista a acompañante para dar el protagonismo a los instrumentos que lo acompañan.

Fernando Trueba se encarga de la producción y su mano se nota en la calidad de los músicos que comparecen en ‘Española’. Phil Woods, compañero y heredero de Charlie Parker, pone el saxo alto en dos de los cortes: ‘¿Es esto una bulería?’ y ‘Waltz for Bill’. Otros nombre que intervienen son los de Ralph Bowen, Alain Pérez y Piraña.
Niño Josele debutó discográficamente en 1995 con ‘Calle ancha’. Sus posteriores discos como solista han sido ‘Niño Josele’ (2003), su ya histórico ‘Paz’ (2006) y en este 2009 ‘Venta del alma’ que es una recopilación de antiguas composiciones y ‘Española’. Además, ha publicado junto al productor y músico Javier Limón el interesantísimo ‘Sorbo’ (2001) y ha participado en los trabajos de un buen ramillete de artistas entre los que se incluyen Enrique Morente, Diego el Cigala y Andrés Calamaro.
Autor: Ernesto Novales.


Temas:

01 Española
02 ¿Es esto una bulería?
03 Camino de Lucía (rondeña)
04 Gloria bendita (rumba)
05 Waltz for Bill
06 Zapateado para Bebo
07 Balcón de luna (seguiriya)
08 A contratiempo (bulería-tumbao)
09 La partida

miércoles, 9 de diciembre de 2009

Paul Winter: Greatest Hits

Paul Winter nació el 31 de agosto de 1939 en Altoona, Pennsylvania. Es un músico estadounidense especializado en el saxofón, alto y soprano. También es compositor musical, ha liderado varias exitosas bandas musicales, fue pionero en la world music y fundó su propio sello musical, llamado Living Music. Además, es también un destacado activista ecológico incluyendo en sus disco sonidos de la naturaleza y de animales, como ballenas.


domingo, 15 de noviembre de 2009

Hilario Camacho: La mirada del espejo (1981)


"Madrid a tope, las noches escribiéndolas en blanco. La retina titila con las primeras luces. Estoy camino de la cama fumando el último y mirando desde mi ventana de piso alto, sobre los tejados, como un gato, alerta. La gente se mueve. Las palabras de la canción empiezan a aparecer por mi pantalla mental y me subo al carro de Madrid amanece"
HILARIO CAMACHO



  1. Final de viaje


  2. La misma piedra

  3. Nube de arena

  4. Madrid amanece

  5. Me siento bien

  6. Hojas secas

  7. Despistado

  8. Letanía

  9. Creo que mejor te digo adiós

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sábado, 14 de noviembre de 2009

Selección



  1. Vicente Amigo (con Alejandro Sanz) - Y será verdad del disco Paseo de Gracia

  2. Michel Camilo Big Band - Dreamlight del disco Caribe

  3. Guillermo McGill Quartet - Por la vida del disco Tan Cerca

  4. John Pizzarelli - Things We Said Today del disco Meets the Beatles

  5. Electro Deluxe - If Only del disco Hopeful

  6. Kiko Aguado - Canción afortunada del disco Maíz Tostao

  7. Anat Cohen -A Change Is Gonna Come del disco Notes From The Village

  8. Nusrat Fateh Ali Khan & Michael Brook - My Hearth, My Life del disco Night Song

  9. Dusko Gojkovic - Ýste Seu Olhar del disco Samba Tzigane

  10. Houston Person Black Coffee del disco Thinking of You

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domingo, 1 de noviembre de 2009

Buika con Chucho Valdés: El último trago (2009)


Buika bebe con Chavela «El último trago»
Ríe mucho Concha Buika; ríe incluso cuando piensa en el plan de trabajo que tiene por delante, con una exhaustiva promoción y una serie de conciertos de presentación que le van a llevar, en apenas dos semanas, a Santiago, Zaragoza, Madrid, Barcelona, Cartagena y San Sebastián. Tiene motivos para reir la artista, porque su disco de homenaje a Chavela, «El último trago» (Warner) -producido por Javier Limón, su particular Pigmalión, y promovido por Pedro Almodóvar- es un acariciador trabajo que ha recibido ya el respaldo de, entre otros, los críticos del «Times» londinense y del siempre exigente «New York Times». Se grabó en Cuba, y Buika contó con una pareja de lujo: el pianista Chucho Valdés -«el maestro», le llama-, que no puede estar junto a ella en esta gira. «Costó arrancar la grabación -recuerda Buika-, pero cuando empezamos fue una grabación mágica, con una energía que no terminaba de fluir nunca.
Tardamos sólo once horas en grabar el disco». Chavela ha sido siempre un referente artístico para Concha Buika. Al grabar este disco, dice sin embargo, se ha abierto la puerta «a una habitación, a una sala a la que no quería entrar por varias razones. Cantarle a Chavela me ha hecho reabrir capítulos de mi vida en los cuales me sentía víctima, y resulta que ni yo era tan víctima ni el culpable era tan culpable». Con Chavela, añade, tiene en común «la falta de miedo a vivir, a hacerlo bajo nuestras propias reglas; somos conscientes de que si recibimos un garrotazo en la cabeza seguiremos con el pecho bien abierto. Ella descubrió muy pronto que era buena persona... Con una gran mala leche, tremendo carácter, pero muy buena persona. Y eso tiene que latir. También nos une la falta de miedo a contar lo que sentimos, lo que vivimos, lo que somos, lo que soñamos, lo que nos gusta, lo que no...»Se define como una «buscadora de placeres, y tengo un olfato impresionante; soy una gran rastreadora de placeres». La música es un placer, quizás el mayor, que le hace crecer. «Casi todo lo que he crecido yo en esta vida ha sido gracias a escuchar mi música, a confiar en ella y a creer en la música de los demás con fe». Envuelta en los últimos años un creciente éxito, es lógico pensar que se haya multiplicado el número de amigos de Concha Buika. «Eso está muy bien. Estoy muy cansada de escuchar todos esos tópicos tan absurdos: «No son amigos de verdad, cuando desaparece el éxito se marchan»... Y no. ¿Qué tontería es esa? Amigo es todo aquel que durante equis tiempo quiera compartir este momento contigo; es todo aquel que te mira y no te insulta, sino que te escucha y te habla. Da igual si lo ves todos los fines de semana o una vez en la vida».Gracias a este disco, añade Concha Buika, ha dejado de tenerle miedo a la soledad; «hay más soledad entre las malas compañías que en el silencio de un cuarto carente de cacofónicos gemidos».

JULIO BRAVO MADRID

http://afrocubanlatinjazz.blogspot.com/2009/10/buika-el-ultimo-trago-con-chucho-valdes.html

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lunes, 26 de octubre de 2009

De-Phazz & The Radio Big Band Frankfurt: Big (2009)


Vamos con un poquito de mambo.

“Big” es el nuevo recopilatorio que repasa la carrera del grupo alemán De Phazz y “The Mambo Craze” es el mayor hit que han tenido nunca, el cual estrenaron hace muchos años en el disco “Godsdog” en pleno apogeo de la onda lounge/cocktail que junto al trip-hop, el nu-jazz y el downtempo caracterizaron las sonoridades más en voga a finales de la decada pasada.
La novedad es que De Phazz vuelven pero esta vez en formato “Big Band” acompañados de la Radio Bigband de Frankfurt. Se trata de una “big band” de verdad, que aparece por cortesía de la radio pública alemana Hessischer Rundfunk, y dirigida por Jörg Achim Keller. Una gran banda, con grandes canciones y muchas expectativas al respecto. Si te gustaron los experimentos “Big Band” de Mathew Herbert probablemente te guste este disco aunque si eres fan de largo de los alemanes quizás te resulte un tanto chocante la simbiosis que han hecho de vientos y electrónica.

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De-Phazz es una agrupación capitaneada por el dj, productor y compositor alemán Pit Baumgartner, quien incluso antes de iniciar dicha empresa, ya se imputaba una profusa trayectoria cargada de éxitos en diferentes ámbitos artísticos. De hecho, se puede comprender su interesante proyecto como la consumación de una extensa búsqueda que comenzó en su propia adolescencia, corriendo los años setenta. Erró por toda Europa indagando en pro de su futuro; luego de trabajar durante mucho tiempo como dj, remixer y productor, finalmente en 1997 decidió aventurarse llevando a cabo su propio emprendimiento.
Y fue tal el éxito de De-Phazz, que al cabo de unos pocos años Baumgartner logró, junto a Haluk Peters, abrir las puertas del sello independiente Phazz-a-delic, también conocido como Phazzadelic.
Con un modo más que peculiar de trabajar, De-Phazz actualmente es el producto de la colaboración de los cantantes Karl Frierson, Pat Appleton, Susan Horn y Barbara Lahr, además del trombonista Otto Engelhard y el percusionista cubano Roy Randolph, con Pit Baumgartner.
El alemán suele elaborar bases electrónicas usando samples de jazz de los 50 y 60, música latina y cualquier elemento que encuentre en su repertorio, y una vez confeccionada una base consistente envía las pistas a los músicos, y éstos dan al material el toque orgánico… Finalmente, todo vuelve al lugar de donde emergió, para que el mismo Baumgartner termine de editarlo acabando así el extraño proceso. Por lo demás… puesto que se consideran una “open band”, el elenco principal puede crecer con la llegada de nuevos artistas, según el material que se encuentren trabajando y las exigencias que éste demande.
Con seis álbumes en su haber, este año nos llegó una nueva y arriesgada tentativa de la “open band”. No obstante, no se trata de su séptimo larga duración, sino de un compendio con los mejores temas de su carrera, todos reinterpretados por la The Radio Bigband Frankfurt.
El nu-jazz de De-Phazz siempre se identificó por su calidez, su radiante alegría y también por su simplicidad…, de lo que se desprende, que la propuesta de Big debía mantener, al menos, dichas virtudes esenciales. Cierto es que logra conservarlas, pero sin dudas, como ya han mencionado numerosos críticos, en el proceso de fusión entre las bases electrónicas y la puesta en escena de la big band algo se ha perdido, a saber…, la gracia misma, por decirlo de alguna manera.
Son y no son, al mismo tiempo, las piezas de De-Phazz, y esto no debería de haber salido así… En cualquier caso, la oferta en sí es más que tentadora, y sea como sea que haya quedado, no termina por perder del todo su valor...
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Big Edita Phazz-A-Delic, 2009NU JAZZ.
Aquí, la música de Dephazz se mira al espejo y repasa parte de sus éxitos con el toque original de llamar a una big band. Este disco trocea una carrera discográfica iniciada en 1997 cuando el dj y productor alemán Pit Baumgartner encontró las voces cómplices precisas para plantar en la Europa más fría [así lo dice el tópico] una propuesta electrónica de corazón cálido [caliente es otra cosa].
Nujazz, triphop, lounge, nusoul, llámalo cómo quieras pero para escuchar a Dephazz piensa en el tacto de la seda, en fiestas con un punto de elegancia retro, en una copa ovalada de Martini con aceituna, en lámparas de cristal con diseño a medio camino entre lo cool y lo chic... y muy importante, en Karl Frierson y Pat Appleton repartiéndose las voces, a todo eso suenan los discos de Dephazz aunque éste sea diferente.
Me explicaré. En este reto cuentan con la Radio Bigband Frankfurt, sirviendo una hora de música negra abierta con un mambo de manual ["The mambo creaze"], latinidad que convive con el luminoso aire lounge de "Jazz Music" y con el deje jamaicano de "Dummes Spiel", cortes que no acaban de romper, delatando el irregular tono general del disco. Algo falla, y no sabría decir el qué pero el abrazo entre pulso electrónico de Baumgartner y el cuerpo instrumental de la big band no acaba en romance de sofá.
Sobresalen tres cortes concretos: "Jim The Jin", donde Frierson y los metales ponen el nervio que falta en otras partes del álbum; "Death by chocolate", un instrumental lounge ideal para tumbarse y mirar a un techo donde se bambolean las sombras del agua de la piscina a cielo abierto de ese verano que tanto soñamos; y "Preachin’ To The Choir" , de nuevo con Frierson a la voz, dándole estilo y clase a un disco que, a pesar de ser un reco, tal vez no sea la mejor puerta de entrada hacia el universo Dephazz si es la primera vez que sabes de ellos.
A su favor, que el riesgo no les ahoga aunque tampoco domen a esa fiera; que Frierson [amigo y colaborador de los madrileños Venueconnection] canta 5 temas que ya valen el precio del disco; y que los Dephazz editan este trabajo a través de su propio sello, apostando por la independencia hoy que hasta los grupos punk presentan sus discos en sedes de la SGAE [¡tenía que decirlo!].Xabier Sanmartín
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Temas [ Track List ]The Mambo Craze
Jazz Music
Belle De Jour
Jim The Jin
Jeunesse Doree
Death By Chocolate
Something Special
Excoursion En Mer
Preachin’ To The Choir
Dummes Spiel
Heart Gallery
Jeunesse Dorée [Dub-Mix]


viernes, 23 de octubre de 2009

Jacques Loussier Trio with Strings Orchestra - Mozart Piano Concertos 20 and 23



El gran WOLFGANG AMADEUS MOZART compuso "Concerto nº 20 in D Minor" y "Concerto nº 23 in A Major" recién llegado a Viena, procedente de su Salzsburgo natal. Siglos más tarde, estos conciertos fueron llevados al Jazz por los pianistas Chick Corea y Keith Jarrett, entre otros. Ahora, el pianista y arreglador JACQUES LOUSSIER nos presenta en este CD su particular versión, con nuevos arreglos adaptados al Jazz. Le acompañan el contrabajista BENOIT DUNOYER DE SEGONZAC, el batería ANDRE ARPINO y una orquesta de cuerda compuesta por 12 músicos, que le aportan ritmo y swing, pero sin abandonar el romanticismo original de las composiciones.
Tracks:1. Concerto No. 20 In D Minor, K. 466-Allegro2. Concerto No. 20 In D Minor, K. 466-Romance3. Concerto No. 20 In D Minor, K. 466-Rondo Presto4. Concerto No. 23 In A Major, K. 488-Allegro5. Concerto No. 23 In A Major, K. 488-Adagio6. Concerto No. 23 In A Major, K. 488-Allegro Assai
1. Concerto for Piano no 20 in D minor, K 466Composer: Wolfgang Amadeus Mozart (1756 - 1791); Date Written: 1785
Jacques Loussier (Piano, arranger)Andre Arpino (Drums)Benoit Dunoyer de Segonzac (Double Bass)Anne Gravoin (Violin)Jacques Saint-Yves (Violin)David Naulin (Violin)Paul Rouger (Violin)Richard Schmoucler (Violin)David Braccini (Violin)Matthias Tranchant (Violin)Renaud Stahl (Viola)Vincent Debruyne (Viola)Mathilde Sternat (Cello)Jean-Claude Auclin (Cello)Sylvain Le Provost (Double Bass)
2. Concerto for Piano no 23 in A major, K 488Composer: Wolfgang Amadeus Mozart (1756 - 1791); Date Written: 1786
Jacques Loussier (Piano, arranger)Benoit Dunoyer de Segonzac (Double Bass)Andre Arpino (Drums)Anne Gravoin (Violin)Jacques Saint-Yves (Violin)David Naulin (Violin)Paul Rouger (Violin)Richard Schmoucler (Violin)David Braccini (Violin)Matthias Tranchant (Violin)Jean-Claude Auclin (Cello)Renaud Stahl (Viola)Sylvain Le Provost (Double Bass)Vincent Debruyne (Viola)Mathilde Sternat (Cello)
http://avaxhome.ws/music/jazz/jacquesloussierplaysmozart.html
Jacques Loussier (Angers, 26 de octubre de 1934), es un famoso pianista y compositor francés. Su talento se manifestó precozmente cuando tenía 10 años. Se inició en la composición musical a los 16, mientras era estudiante del maestro Yves Nat en el Conservatoire National de Musique de París.
Ha sido famoso por sus interpretaciones jazzísticas de las obras de Johann Sebastian Bach. De esta combinación de música barroca con el contemporáneo jazz, dentro del espíritu de la llamada Third stream, nació el Trio Play Bach con Pierre Michelot en el contrabajo y Christian Garros en la percusión. Especializados en revitalizar los tesoros del maestro Bach, han vendido más de seis millones de álbumes. En 1985 refundó el Play Bach Trio con dos nuevos compañeros: André Arpino (en la percusión) y Vincent Charbonnier (en el contrabajo).
En sus últimas grabaciones incorporó temas de Claude Debussy (Prélude à l'après-midi d'un faune, Clair de lune), Maurice Ravel (Boléro), Erik Satie (Gymnopédie, Gnossienne), Antonio Vivaldi, Frédéric Chopin, George Frideric Handel, Ludwig van Beethoven y Wolfgang Amadeus Mozart. Además publicó en el álbum "Boléro"(1999) su propia suite neoimpresionista titulada "Les Nymphéas", alusión a los cuadro del pintor francés Claude Monet. El maestro Loussier ha participado también en la composición de música en varias producciones cinematográficas francesas.
http://es.wikipedia.org/wiki/Jacques_Loussier

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jueves, 8 de octubre de 2009

Samba pa ti: Homenaje a Brasil (2005)

Reunir en un solo disco a tantos artistas españoles de tan variados estilos, cantando todos un solo estilo totalmente ajeno al trabajo habitual que ellos hace es algo, bastante complicado. Y que ese trabajo, finalmente resulte, algo más que una curiosa grabación es una tarea, yo diría que casi inenarrable. Pues aquí esta el resultado: Jarabe de Palo, Rosario, David Demaría, Carmen Paris, Lolita, Monica Naranjo, Alejandro Sanz, Lucrecia, Antonio Vega, Presuntos Implicados, Jorge Drexler, Melendi, Ana Belen, Martinez Ares,Café Quijano, Pastora Soler Y Javier Alvarez son los integrantes de este recopilatorio que al menos por su curiosidad inicial, merece la pena unos minutos de escucha. Todos ellos honran con su música a clásicos de la samba de Brasil como Caetano Veloso, Gilberto gil, Toquinho,Milton Nascimento, Djavan, María Bethania, Carlinhos Brown, Belel Gilberto... El resultado a mi me ha vuelto loco por que opino que de la música de Brasil hay mucho que aprender y mucho que escuchar, esta quizás, sea una correcta manera de acercarse a los sonidos de aquel pais sin tener que adentrarse en profundidad con los artistas de allá y luego elegir a quién escuchar más a fondo.

http://agorademusica.blogspot.com/2007/12/samba-pa-ti-un-tributo-brasil.html

01. Jarabe de palo - La chica de Ipanema.
02. Rosario - Se que te amaré
03. David Demaria - Samurai
4. Carmen Paris - Mañana de Carnaval
05. Lolita - Usted abusó
06. Monica Naranjo - Insensatez
07. Alejandro Sanz - Sozinho
08. Lucrecia - Mas que nada
09. Antonio Vega - Hoy dar¡a yo mi vida
10. Presuntos Implicados - Una guitarra una cancion- Corcovado
11. Jorge Drexler - Oh que sera
12. Melendi - Adios tristeza
13. Ana Belén - Barquinho
14. Martinez Ares - Ven Magalenha
15. Cafe Quijano - País Tropical
16. Pastora Soler - Por que llorar
17. Javier Alvarez - Desde que o samba e samba
18. Lolita Ana Belen, Lucrecia, Carmen Paris, Pastora Soler - Desafinado

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sábado, 3 de octubre de 2009

Michel Camilo: Caribe (2009)


La calidad y pureza de sonido en Michel Camilo van unidas a un virtuosismo rítmico que impregna la audiencia de una energía y vitalidad inusitadas. Además el asombro. Porque durante el instante de sus formidables ejecuciones, se nos hace difícil aprehender en toda su extensión y hondura la versatilidad musical de este gran pianista dominicano. Más que versatilidad, riqueza, duende, ese algo intangible que no está escrito en la partitura, ese espíritu genial, único, osado que aflora y traspasa las fronteras de lo posible y se adentra en el reino de lo maravilloso o sorprendente.
Pero, además, la alegría. Es como si la felicidad que Michel Camilo le infunde al piano le fuera devuelta, multiplicándose, en la audiencia, que a su vez la retorna al músico, creándose una dinámica plena de euforia y entusiasmo. Michael Camilo maneja hábilmente toda esa avalancha de energía y no deja que haya desperdicio alguno. No hay escapes. No hay manera en que la audiencia pueda sentirse distraída o abrumada. En vilo, estamos atentos a cada movimiento, a cada ráfaga de innovación o de evocación y allí se nos calienta el alma y sin saber cómo empezamos a danzar en sus rituales. Rituales cuya lejana memoria parte de África y cubre toda la amplia geografía norteamericana.
En las composiciones musicales de Michel Camilo se manifiestan antiguas tradiciones rítmicas caribeñas, nostálgicas tonadas flamencas y latinas; y toda una gama de innovaciones técnicas y musicales que provienen de una formación clásica, rigurosa, actualizada, muy bien informada.
http://www.latinartmuseum.com/michael_camilo.htm

1. Why Not?
2. Dreamlight
3. Suite Sandrine - Part III
4. Suntan
5. Just KIddin'
6. Not Yet
7. Caribe
Michel Camilo - Piano
Anthony Jackson - Contrabass Guitar
Cliff Almond - Drums
Guarionex Aquino - Percussion
John Faddis - Trumpet
Michael Mossman - Trumpet
Virgil Jones - Trumpet
Dave Bergeron - Trombone
Ed Neumeister - Trombone
William Cepeda - Trombone
David Taylor - Bass Trombone
Chris Hunter - Alto & Soprano Sax
Alex Foster - Alto Sax & Flute
Ralph Bowen - Tenor Sax & Flute
Lou Marini - Tenor Sax & Flute
Gary Smulyan - Baritone Sax
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jueves, 1 de octubre de 2009

Mike Stern: Big Neighborhood (2009)



El guitarrista Mike Stern, tras su graduación en Berklee College de Boston, su ciudad de origen, se unió el grupo Blood, Sweat & Tears y, desde esa etapa, "saltó" a numerosos grupos de algunos de los músicos más importantes del jazz norteamericano, destacando su brillante participación en la banda de Miles Davis (81-83). Músico de "sonido propio" y excelente compositor, ha ido progresivamente limitando su presencia en discos y conciertos de otros artistas con el fin de potenciar su discografía en solitario. Trece álbumes desde el 83, conforman una sólida carrera marcada por el dominio de cualquier estilo musical ya sea jazz, rock, blues o funky y siempre intentando aportar algo nuevo y distinto a cada uno de sus discos.
En "Big Neighborhood", uno de sus álbumes más ambiciosos, Mike ha unido el sonido de su guitarra a otros instrumentos y voces procedentes de algunos de los nombres más notables del jazz contemporáneo. La contrabajista y cantante Esperanza Spalding, interviene en tres de los temas y, además, Richard Bona, Medeski-Martin & Wood, Randy Brecker, Terri Lyne Carrington, Bob Malach, Dave Weckl, Steve Vai y Eric Johnson, entre otros.
Mike Stern, que ya ha tocado en el pasado junto a otros guitarristas como Bill Frisell o John Scofield, ha querido buscar una fórmula distinta para su nuevo disco, buscando la colaboración de músicos que se mueven en una órbita musical diferente a la suya y el resultado no ha podido ser más satisfactorio.


lunes, 28 de septiembre de 2009

Jorge Pardo: Vientos Flamencos 2 (2009)


Jorge Pardo es uno de los músicos procedentes del jazz que más se ha aproximado al flamenco, logrando resultados excelentes a lo largo de su ya dilatada trayectoria. Bien con la flauta, bien con el saxo, la música que hace está muy entroncada con lo jondo, obteniendo un sonido noble y logrando un lenguaje propio de difícil asunción para otros.“Vientos flamencos 2” hace el octavo trabajo en solitario del músico madrileño y, en sus propias palabras, este es un disco con "espíritu colaborativo" en el que han participado casi una treintena de músicos.

Hay que hacer notar que esta es una “colección” de música de música que Pardo ha ido grabando a lo largo del tiempo en diferentes lugares, la mayoría en ‘home studios’ de muchos de los participantes en este excelente disco (Nono García, Paquete, …), pero también se han registrado temas en estudios profesionales. O sea, nada reciente, pero todo nuevo.

Uno de los elementos más destacables del disco es que es un trabajo que ‘ida y vuelta’. Hay música española; la firmada por el saxofonista mismo –cuatro temas en total, donde no hay que dejar pasar “A media ración” y “Billones de años”-, pero también por Camarón (“Viejo mundo”, uno de los cortes más significativos del disco “La leyenda del tiempo”), Falla, con un estupendo trabajo a la flauta en “Danza del fuego”; y Albéniz, con una preciosa versión de “Cadiz”; pero también incluye músicas del otro lado del Atlántico, como son el joropo ‘Membrillo’ de Juan Romero y la guajira ‘Tintando el día’ de Héctor González. Y esta riqueza de sabores, de matices, es uno de los grandes aciertos del disco. Y es que el jazz y el flamenco son, en definitiva, músicas de ida y vuelta.
Músicos: Jorge Pardo (saxo tenor, flauta); Polo Ortí (piano); Peña Elbucle (palmas y jaleos); Moy Natenzon (cajón, batería); Juan Diego (guitarra); Juan Peña ‘El Chispa’ (tinaja); Lapeña (palmas, cañas, kazoos); Nono García (guitarra); Alejandro Vaquerizo (bajo); Joaquín Sanchez Gil ‘El Calaíta’ (clarinete); Kike Rodríguez (trompeta); Josemi Carmona (guitarra); Francis Posé (contrabajo); Fernando Marconi y Pau Martínez (percusiones); El Paquete (guitarra); Antonio Carbonell (cante); Héctor González (piano); Javier Pedreira (guitarra eléctrica); José Vera (bajo); Carles Benavent (bajo)Percusión: Tino di Geraldo (percusión); Paco Rivas (guitarras eléctricas, bajo); Diego Cruz (voz); Vicente Climent (batería); David Cobo (congas, percusión); Rogerio de Souza (marimba); Raúl Márquez (violín); Juan Belda (piano Fender); Rubem Dantas (percusión)

John Pizzarelli: Meets The Beatles (1998)


John Pizzarelli (Paterson, 6 de abril de 1960), cantante y guitarrista estadounidense de jazz. Poseedor de una voz cálida y suave, y de una presencia elegante, Pizzarelli es uno de los principales representantes del neotradicionalismo jazzístico aplicado al canto. Hijo del guitarrista Bucky Pizzarelli, John empezó a cantar con su padre a los 20 años e hizo su grabación de debut en 1983 con I'm Hip -- Please Don't Tell My Father. Como guitarrista, manifiesta influencias de Les Paul y Django Reinhardt.En 1993 el John Pizzarelli Trio hizo de telonero en una de las últimas giras de Frank Sinatra, llegando a participar en la celebración del 80 cumpleaños de este en el Carnegie Hall. En 1997 participó en la producción de Broadway Dream, un homenaje al compositor Johnny Mercer. Su disco de 1998 Meets the Beatles, le presenta reinterpretando canciones clásicas del grupo de Liverpool, y al año siguiente rindió homenaje a una de sus más grandes influencias, Nat King Cole, con P.S. Mr. Cole. Pizzarelli firmó en 1999 con el sello Telarc y grabó dos discos de estándares, Kisses in the Rain y Let There Be Love, en 2000. Desde entonces, ha grabado un disco con el pianista George Shearing y ha celebrado sus diez años de música con su trío grabando un disco en directo Live at Birdland en 2003.Apartándose por un momento del swing, Pizzarelli grabó Bossa Nova en 2004, cantando composiciones de Antonio Carlos Jobim como "The Girl from Ipanema" y "Aguas de Março". En 2005 presentó nuevos estándares en Knowing You y, respaldado por la Clayton-Hamilton Jazz Orchestra, le ha rendido homenaje a Sinatra en 2006 con Dear Mr. Sinatra.
tomado de la Wikipedia.
http://musicacion.blogspot.com/search/label/JOHN%20PIZZARELLI

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jueves, 24 de septiembre de 2009

John Patitucci: Mistura fina (1995)



"mistura fina" es una mezcla exacta, el punto justo entre el Jazz y los ritmos brasileños. Una preciosidad de disco en el que le acompañan artistas como el percusionista Alex Acuña, el pianista John Beasley, los guitarrista y cantantes brasileños Joaô Bosco y Dori Caymmi, la vocalista de origen germano Kevyn Lettau, el bajista Armand Sabal-Lecco,el saxonista Steve Tavaglione y el baterista Dave Weckl,entre otros. Las composiciones son en su mayoria de John Patitucci y de Joaô Bosco. Por destacar algún tema "Varadero" una bossa nova que nos acercaría a la tradición clásica o "Bate Baiano" que empieza de una manera maravillosa con la guitarra y el bajo marcando un ritmo muy pegadizo.http://larbredeles1000musiques.blogspot.com/2006/12/john-patituccimistura-fina.html


John Patitucci: Electric & Acoustic Bass, Vocals
Scott Mayo: Vocals
Lou Pardini: Vocals
Michael Shapiro: Percussion, Drums
Steve Tavaglione: Sax (Soprano), EWI, Sax (Tenor)

martes, 15 de septiembre de 2009

Iceberg: En directe (1978)

Iceberg son un grupo de rock progresivo y jazz rock de Barcelona, estuvieron activos durante la década de los 70 en la España de la Transición.
Son músicos extraordinarios influenciados principalmente por Mahavishnu Orchestra, sobre todo en lo que las escalas de la guitarra se refiere; aunque en este caso el piano cobra igual protagonismo que la guitarra, sincronizados, en muchas ocasiones, increíblemente a la perfección. Surgieron ya retrasados al movimiento musical progresivo, que para entonces ya llevaba varios años sonando por Inglaterra y Estados Unidos. Sacaron un primer disco en el que la mitad de las canciones hay voz, pero a partir de ahí empezó a ser únicamente instrumental.
En su música se pueden apreciar ciertos aromas flamencos e incluso mediterráneos. Iceberg es la principal representación de Cataluña y España en este estilo musical.
La banda se forma en 1974 con los siguientes componentes: Max Sunyer (guitarra), Josep Mas "Kitflus" (teclados), Primitivo Sancho (bajo), Jordi Colomer (batería) y Ángel Riba (voz y saxo), grabando su disco debut Tutankhamon, posteriormente pero ya sin cantante graban el disco Coses nostres en 1976, Sentiments en 1977, Iceberg en directe en 1978 y finalmente Arc-en-ciel, en 1979. Max Sunyer y Kitflus formaron más tarde el grupo Pegasus junto a Rafael Escoté de Gotic y Santi Arisa de Fusioon.
http://es.wikipedia.org/wiki/Iceberg_(banda)

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jueves, 10 de septiembre de 2009

Rubén Blades y Seis del Solar: Buscando América (1984)



Se cumplen 25 años de la publicación de este maravilloso disco. Para celebrarlo, Rubén Blades puso en marcha la gira "Todos vuelven".
Sábado, 22 de Agosto del 2009
El salsero panameño Rubén Blades demostró hoy en el inicio de su gira "Todos vuelven", en San Juan, por qué es considerado uno de los grandes músicos de la música latina, al recorrer sus mayores éxitos y la celebración de los 25 años del disco "Buscando América".
Vestido de traje negro, corbata negra y un gorro del mismo color, y tras una introducción instrumental del tema "Caminos verdes" por los once músicos del Seis del Solar, Blades comenzó cantando "El padre Antonio y el monaguillo Andrés" y "Cuentas del alma"."
La mayoría de las canciones que hemos escrito en todos estos años han sido de crítica social, pero ésta va dedicada a la familia de cualquier país del mundo y con mucho afecto donde las madres mueren sin vacaciones", dijo Blades al público y continuó con "Amor y control".
El ex ministro de Turismo de Panamá prosiguió con "Decisiones" y "Buscando guayaba", donde el trompetista Jimmy Bosch y el timbalero Ralph Irirarry demostraron sus cualidades.
Blades reconoció que el tema que interpretaría a continuación lo grabó con "uno de los músicos a quien admiraba y respetaba", refiriéndose al trombonista y productor boricua Wilie Colón, a pesar de que lo demandó por falta de pago por su concierto de aniversario del disco "Siembra", en el 2003.
Enfatizó también que dicha canción fue compuesta por "el mejor escritor del Caribe", el fenecido compositor puertorriqueño Tite Curet Alonso, y continuó su presentación con "Plantación adentro", aunque durante la interpretación surgieron varios fallos técnicos.
Dijo después que el próximo tema que interpretaría, "Pablo Pueblo", fue uno de los primeros que escribió en términos políticos.Temas como ese "inspiran y recuerdan nuestro deber y porque es una expresión de solidaridad", dijo.
Blades continuó con "Plástico" y "Ligia Elena", tema del racismo en el que indicó que "las nuevas generaciones se vayan apartando de dicha enfermedad".
Prosiguió con "Juan Pachanga", primera canción que cantó en Puerto Rico, y en la que lo acompañó el salsero puertorriqueño Cheo Feliciano, con quien grabará próximamente un disco en Puerto Rico.
El músico panameño siguió con "Maestra vida", "Caminando" y "Adán García", en la que se acompañó de su guitarra, y luego sostuvo que su próxima canción, "Desapariciones", fue para protestar contra las dictaduras de Argentina y Uruguay en pasados años.
Blades continuó con "Ojos de perro azul" y "Patria", la cual se la dedicó a Panamá y su "segunda nación" Puerto Rico, y "Buscando América".
Luego de una falsa salida, Blades finalizó con "Pedro Navaja", "Sorpresas", "Te están buscando", "Todos vuelven", "Muévete" y "Una sola casa".
Los otros músicos que acompañaron a Blades fueron el trombonista Reynaldo Jorge, el percusionista Jorge González, el bajista Mike Viñas, el pianista Óscar Hernández, el tecladista Arturo Ortiz, el vibráfono Ricardo Marrero, el tumbador Eddie Montalvo y el baterista Robby Ameen.
Blades repetirá el espectáculo en San Juan en la noche del sábado y continuará en las próximas semanas en México. Texto: EFE

Philip Glass:Orion (2004)



Highland Park, Illinois. El debut estadunidense de Orion, obra de Philip Glass (Baltimore, 1937), se efectuó el martes 21 de junio en el contexto del prestigiado Festival Ravinia, realizado en este poblado colindante con el Lago Michigan, 41 kilómetros al norte de Chicago.
Asimismo, el debut latinoamericano ocurrirá el 11 de octubre en la explanada de la Alhóndiga de Granaditas, de la ciudad de Guanajuato, como una de las actividades estelares de la versión 33 del Festival Internacional Cervantino.
Comisionada por la Olimpiada Cultural 2004, celebrada en Atenas, Grecia, Orion toma su nombre de la constelación más grande del cielo nocturno.
Después del estreno en Ravinia, cuyo festival se remonta a 1911, el Philip Glass Ensemble, bajo la dirección de Michael Riesman, con sus siete huéspedes estelares, viajó a Costa Mesa, California, para una segunda presentación.
Luego de un receso de tres meses, la gira de Orion se retomará el 4 de octubre con una serie de cinco funciones en Nueva York, de allí el conjunto de músicos se trasladará a la capital de Guanajuato.
Festival de Ravinia
Las actividades del Festival Ravinia se desarrollan en el parque del mismo nombre, con la particularidad de que los asistentes tienen la opción de comprar un boleto sólo para el área del prado, lo que les permite hacer un día de campo y al mismo tiempo escuchar el concierto, o bien adquirir un asiento en el teatro al aire libre, pero cubierto, espacio con aforo para 3 mil 200 personas.
Orion fue compuesta en colaboración con Mark Atkins, Ashley MacIsaac, Wu Man, Ravi Shankar, Foday Musa Suso y Uakti.
Philip Glass lo determinó así, pues los orígenes multiétnicos de sus invitados reflejaban el carácter internacional de la Olimpiada.
Pasados ''los juegos'', la obra se queda como un mensaje de convivencia humana y demuestra con creces que la música, en efecto, constituye un lenguaje universal.
Eran las 20 horas de la primera noche de verano y el cielo todavía estaba claro. De pronto se encendieron las luces en el escenario del pabellón y aparecieron los nueve integrantes del Philip Glass Ensemble, todos vestidos de blanco, aunque no con el mismo atuendo.
A lo largo de los 95 minutos que dura Orion, el escucha es trasladado a los cinco continentes, en un recorrido por diferentes civilizaciones.
Cabe recordar que desde 1964, Glass se ha ocupado de realizar encuentros con compositores provenientes de tradiciones musicales diferentes a la suya.
Sin embargo, con la mayoría de sus huéspedes estelares ya había trabajado.
El primero en orden de aparición es el australiano Mark Atkins, intérprete del didjeridoo, larga flauta de madera, tal vez el instrumento musical más antiguo sobre la faz de la Tierra.
Concluida su intervención, Atkins dio la bienvenida a la china Wu Man. La solista de pipa rompió con lo estático del australiano, ya que sus manos volaron sobre su laúd de cuatro cuerdas, con cuerpo de pera.
Con coquetería, Man miraba hacia atrás, donde estaban los demás músicos, y sonreía. Volteaba las hojas de la partitura con energía.
Festín con un violinista
Glass ''descubrió'' al violinista zurdo Ashley MacIsaac (Cape Breton Island, Canadá) cuando tenía 17 años y lo llevó a Nueva York en 1992, como solista estelar de la obra de teatro Woyzeck.
MacIsaac vestía camiseta roja con la palabra Canadá, una falda escocesa, con bolsa al frente, y calcetas blancas. Fue un festín. Marcaba el ritmo con su pie. Terminaba bailando y en un brinco alzó las piernas hacia adelante.
En su retirada, el violinista recibió al gambés Foday Musa Suso quien, además de músico, es un mandingo griot, es decir, historiador del pueblo mandingo. En los años 70 se estableció en Chicago. (Glass se graduó a los 19 años en la Universidad de Chicago, con estudios en matemáticas y filosofía, antes de ingresar a la Escuela Julliard.)
Suso cantó, a la vez que tocaba el kora, instrumento de 21 cuerdas hecho con una gran calabaza que se utiliza como caja de resonancia.
Siguió el grupo experimental brasileño Uakti, integrado por Paulo Sergio dos Santos, Artur Andrés Ribeiro y Décio de Souza Ramos Filho. Marco Antonio Guimaraes es el director musical y creador de instrumentos.
Convencidos de que cualquier cosa puede producir sonido, tocan desde flautas, una especie de marimba y un gran rollo metálico que uno gira mientras otro lo hace sonar con una baqueta.
Ovación del público
La parte correspondiente a Ravi Shankar, compuesta por el maestro del sítar y Philip Glass, fue interpretada por su discípulo, Kartik Seshadri, virtuoso con ángel, atento a todo lo que ocurría. La última en aparecer fue la cantante griega Eleftheria Arvanitaki, idolatrada en su país. ''Llena estadios'', anota Orly Beigel, productora de Glass en México.
Volvió al escenario Wu Man quien, con su pipa, hizo las veces del bouzouki griego. De manera paulatina todos los huéspedes estelares regresaron al escenario. Si cada parte de Orion fue única e hipnotizante, el final resultó tan emotivo que cuando terminaba la obra como empezó con un ronquido del didjeridoo, el público en su conjunto literalmente brincó de sus asientos para ovacionarlos de pie.
Entrevistado por La Jornada, Glass habla del ''entusiasmo'' con que fue recibido Orion en Atenas: ''Eleftheria es muy conocida en Grecia. La canción que entonamos, como todo mundo la conoce, la cantaron con nosotros. Fue muy emotivo''.
Respecto de su estreno estadunidense, Glass señaló: ''Hay muchos griegos en Chicago''. Rectificó: ''Claro, no todos eran griegos, pero por lo menos había alrededor de 200. Y ellos pueden hacer ruido cuando quieren''.
Terminada la función, a los pocos minutos, Glass salió a firmar autógrafos debajo de una pequeña lona instalada para ese propósito.

miércoles, 26 de agosto de 2009

Pata Negra: Blues de la frontera (1987)


"Blues de la Frontera" está considerado como uno de los mejores discos editados en España en los años 80, no sólo de flamenco. Es el inicio de un sonido que los hermanos Amador bautizaron como “blueslería”. Es además el cuarto y último disco que los hermanos Amador grabaron juntos. Tras " Blues de la Frontera", Raimundo abandonó la formación y Rafael continuó en solitario. Como el propio título indica, es precisamente blues lo que puede escucharse en este disco, además de flamenco.

Contenido:
1 Bodas de sangre
2 Blues de la frontera
3 Pasa la vida
4 Yo me quedo en Sevilla
5 How high the moon
6 Camarón
7 Calle Betis
8 Lindo gatito
9 Lunático


martes, 25 de agosto de 2009

Richard Stoltzman & friends: Brasil (1991)





El virtuosismo de Richard Stoltzman, su maestría musical y magnetismo personal lo han llevado a los grados más altos de la aclamación internacional, convirtiéndolo en uno de los concertistas más solicitados. Solista con más de cien orquestas, recitalista que cautiva y un artista innovador del jazz, Stoltzman ha desafiado las categorizaciones, deslumbrando críticos y audiencias con sus interpretaciones de todos los géneros de la música. Nacido en Omaha, Nebraska, hijo de un ferroviario aficionado al jazz, Richard Stoltzman pasó sus primeros años en San Francisco y luego se mudó a Cincinnati. Su educación musical empezó con las lecciones que su padre le impartió de saxofón y con algunos conciertos casuales en la iglesia. Después de la preparatoria en Cincinnati, Stoltzman ingresó a la Universidad del Estado de Ohio en las materias de música y matemáticas. Stoltzman obtuvo un grado de Maestría en Música de la Universidad de Yale al estudiar con Keith Wilson, y luego un grado doctoral con Kalmen Opperman en la Universidad de Columbia. En 1967, empezó lo que se convertiría en una asociación de diez años con el "Festival de Música de Marlboro" en Vermont. El interés principal de Marlboro por la música de cámara lo puso en contacto directo con lumbreras musicales tales como Rudolf Serkin, Pablo Casals y Marcel Moyse - artistas que marcarán profundamente el camino creativo musical de Stoltzman. Por las relaciones musicales establecidas allí, se convirtió en miembro fundador del grupo de música de cámara TASHI en 1973.Desde entonces, la manera extraordinaria de ejecución de Stoltzman lo ha llevado a una reputación internacional única, al abrir posibilidades para el instrumento que nadie podría haber predicho, como el presentar los primeros recitales de clarinete en las historias del Hollywood Bowl y el Carnegie Hall. En 1986, llegó a ser el primer intérprete de viento que obtuvo el premio Avery Fisher, uniéndolo a otras eminencias musicales como Richard Goode y Yo-yo Ma. Stoltzman ha aparecido como solista con Levine y la Filarmónica de Nueva York, Dohnànyi y la Orquesta de La Scala, Chailly y la Sinfónica de la Radio de Berlín, Leppard y la Orquesta Inglesa de Cámara, y Eschenbach y Previn con la Sinfónica de Pittsburgh. Como miembro de TASHI, él ha estrenado obras de Takemitsu y Wuorinen con la Sinfónica de Boston y la Orquesta de Cleveland. Su talento tanto como artista de jazz así como artista clásico ha sido oído en el mundo entero. Ha aparecido dos veces en la Tokyo Music Joy Festival, colaborando con Keith Jarrett, Chick Corea, Eddie Gomez, Wayne Shorter, Yuji Takahashi y con la Filarmónica del Nuevo Japón. También se ha presentado como "Artista de la Semana" en el Festival de Edimburgo, el Festival de Hong-Kong y el Festival Adelaide de Australia, presentando recitales, música de cámara y conciertos del jazz. Otras figuras del jazz o pop con quien él ha grabado discos compactos incluye Mel Tormé, Claude Bolling, el fuindador de Spyro Gyro Jeremy Wall, Judy Collins, George Shearing, Gary Burton, Dave Samuels, los Canadian Brass y los King's Singers.El interés de Stoltzman por la música nueva se refleja en un programa constante que él ha establecido para comisionar obras para clarinete. El compositor que fué seleccionado para "La Comisión de ISPAA" fué Nicholas Thorne, cuya Sonata para clarinete Stoltzman estrenó en Houston en septiembre de 1992. Entre junio 1994 y septiembre 1995, grabó doce conciertos nuevos escritos para él con la Filarmónica de Varsovia junto al director George Manahan y tres obras más con Gerard Schwarz y la Sinfónica de Seattle. Composiciones escritas recientemente para Stoltzman incluyen una sonata para clarinete por Timoteo Greatbatch, comisionada por la Universidad del Estado de Pennsylvania y estrenada allí en 1990; una sonata por Clare Fischer, estrenada en septiembre 1992; y una colaboración excepcional con la Compañía de Baile de Lewitzky, en la cual Stoltzman toma parte en la coreografía al realizar la música. Otros trabajo escritos para Richard Stoltzman incluyen el "New York Counterpoint" de Steve Reich, "Fantasma/Cantos" de Toru Takemitsu, un concierto para clarinete comisionado por la BBC para la BBC Wales Symphony y estrenada en los EEUU en 1992 con Leonard Slatkin y la Sinfónica de S. Louis. Este concierto se presentó también en el Kennedy Center y el Carnegie Hall y obtuvo el prestigioso premio Grawemeyer en 1994 y recibió en 1995 una nominación al Grammy como "Mejor Composición Clásica".En agosto 1993, Stoltzman tomó parte en el "CONCERTO", una serie de seis partes para la televisión que representa a Dudley Moore como anfitrión, el director Michael Tilson Thomas y la Orquesta Sinfónica de Londres. El programa que presenta a Stoltzman ha sido alabado por críticos y audiencias y ha sido galardonado con un premio Emmy en la categoría de "Artes Interpretativas Internacionales"

viernes, 21 de agosto de 2009

Bebe: Y (2009)


Y. es un trabajo que sorprenderá a los que esperen una continuación de Pafuera telarañas. Bebe ha arriesgado, ha buscado con valentía lo sencillo, lo elemental para arropar sus letras, elaborando un pop casi minimalista, de corte contemporáneo, que se aventura en terrenos inéditos en la música española. Es un disco para degustar, para acercarse a una artista diferente que defiende a ultranza su mundo y su habitación pero que a veces no tiene reparos en mostrarse sin tapujos, con veracidad y sensualidad pero siempre como guardándose algo, sin desvelarlo todo. Y. es un álbum de coraje, audaz, concebido al margen de las leyes de la música actual, con un peculiar empleo del lenguaje popular (a veces con ecos del castúo extremeño) y pensado para ofrecer algo nuevo, con capacidad para generar sorpresa.



miércoles, 19 de agosto de 2009

Ry Cooder: BSO Paris, Texas (1989)

Esta es la banda de sonido de la película Paris - Texas, film dirigido por Wim Wenders, y compuesta por Ry Cooder, guitarrista y cantante estadounidense: Ry Cooder nació el 15 de marzo en Los Ángeles, y ya desde muy joven tocaba la guitarra en distintos grupos de música country y western y blues. Durante 1966 y 1967 fue miembro de la banda Rising Sons. Desde entonces, este polifacético instrumentista (toca sobre todo la guitarra y la mandolina) se convirtió en un solicitado músico de estudio y de sesiones de improvisación, participando en numerosas grabaciones y conciertos en vivo en la escena internacional del pop, el rock, el blues y el country.
Entre otros, ha tocado con Arlo Guthrie, Gordon Lightfoot, Little Feat, Captain Beefheart y The Rolling Stones (Let It Bleed). Desde 1970 ha actuado como solista y director de diferentes grupos. También ha compuesto la música de numerosas películas, entre otras, París - Texas, de Wim Wenders.
Cooder, que a menudo ha elegido a sus acompañantes musicales en el mundo de la tradición popular musical de Sudamérica y África, ha tocado con frecuencia en sus grabaciones con músicos como el guitarrista hawaiano Gabby Pahinui o la leyenda del acordeón Flaco Jiménez. Entre sus canciones más conocidas (a menudo arreglos de antiguos clásicos) figuran títulos como "Borderline", "GetRhythm", "Why Don't You Try Me", "Crazy 'bout an Automobile", "I Got Mine", "Stand By Me", "Yellow Roses" o "Goodnight Irene". En 1994 grabó junto con el guitarrista Ali Farka Toure el compacto con música delmundo Talking Timbuktu. También puso en marcha en colaboración con un grupo de maestros de la música cubana, entre los que se encuentra Rubén González, un proyecto de recopilación de clásicos que culminó con la publicación en 1997 del extraordinario disco Buena Vista Social Club.
Datos tomados de: http://www.epdlp.com/
Pistas
1. Paris, Texas
2. Brothers
3. Nothing Out There
4. Cancion Mixteca - Harry Dean Stanton
5. No Safety Zone
6. Houston In Two Seconds
7. She`s Leaving The Bank
8. On The Couch
9. I Knew These People - Harry Dean Stanton And Nastassja Kinski10. Dark Was The Night

http://musicacion.blogspot.com/

Baja y disfruta

martes, 18 de agosto de 2009

Chano Domínguez: NFS New Flamenco Sound


Chano Domínguez es un pianista de jazz español nacido en Cádiz el 29 de marzo de 1960.

Su primer contacto con la música se debe a la gran afición de su padre al flamenco. A finales de los años 70 formó un grupo de rock andaluz , llamado Cai, que se movía en la onda del rock sinfónico y el jazz fusión. Durante, la década de los años 80 , Chano Dominguez, primero con su grupo Hixcadix y después en solitario, desarrolló su trabajo en pequeños locales y fue evolucionando hacia el jazz.

Chano es actualmente el músico que tiene mayor fama por combinar la tradición flamenca con el jazz. Sus primeros discos como pianista de jazz-flamenco, fueron publicados por la discográfica madrileña Nuba Records. Después ha editado numerosos discos y colaborado con músicos y cantantes en España y otros países. Fue el único músico español en la película de Fernando Trueba Calle 54, dedicada al jazz latino.

http://es.wikipedia.org/wiki/Chano_Dom%C3%ADnguez

Chano Domínguez – Piano y teclados
Mario Rossy – Contrabajo
Marc Miralta - Batería
Piraña - Percusión, palmas y jaleos
Tomasito - Palmas y jaleos
Blas Córdoba - Voz, palmas y jaleos
Jordi Bonell - Guitarra
Marina Albero - Teclados, vibráfono y salterio
Diego Urcola - Trompeta
Llibert Fortuny - Saxo alto y efectos
Steve Berrios - Percusión latina en “Último modelo”
Katherine Miller - Vocal en “Último modelo”

Contenido:
1. Cilantro y Comino
2. Bulería del Garraf
3. Persia
4. Procesión
5. Cantiga de Alfonso X "El Sabio"
6. NFS inclyuendo Atardecer en Bagdad
7. Tangos del Fuego
8. New Soleá
9. Último Modelo
10. Nefertiti
11. Plaza de Tetuán

Disfruta

Ladysmith Black Mambazo: No boundaries (2005)


Ladysmith Black Mambazo es un grupo de música coral sudafricano masculino liderado por Joseph Shabalata. Con su música tratan de representar el resurgimiento de la nueva Sudáfrica, tras los duros años de racismo y apartheid.

Surgido en torno a 1960, el grupo es conocido internacionalmente desde 1986, año de la publicación del legendario disco "Graceland", de Paul Simon. Su estilo representa la música tradicional zulú, llena de espiritualidad y cantada a capella (lo que allí llaman isicathamiya), que tuvo su continuidad entre los trabajadores mineros sudafricanos. Carente de instrumentos, la música de Manbazo tiene ya carácter legendario entre los aficionados a la world music. Varios premios Grammy han jalonado su trayectoria, concretada en la publicación de más de cincuenta discos. Ejemplo de su popularidad es que sus miembros fueron invitados a actuar en la ceremonia de entrega del premio Nóbel de la paz a Nelson Mandela, a quien acompañaron también en su toma de posesión como presidente de Sudáfrica.

http://es.wikipedia.org/wiki/Ladysmith_Black_Mambazo

A disfrutar

lunes, 17 de agosto de 2009

Bebo y Chucho Valdés: Juntos para siempre (2008)



“Alguna vez pensé que no volveríamos a vernos y ahora tenemos la oportunidad de estar juntos y poder grabar lo que hacíamos en casa. Quizá sea una recompensa a todos aquellos años de incertidumbre”, declaraba Chucho Valdés a El País en julio de 2007. Antes, Fernando Trueba había reunido a Bebo Valdés con su hijo Chucho en la película Calle 54 y fruto de este reencuentro y de la larga gira que ambos realizan por toda España es Juntos para siempre,
un disco que se publica el 7 de octubre de 2008 y que reúne a dos de los más grandes pianistas latinos de todos los tiempos. Bebo Valdés nació el 9 de octubre de 1918. Chucho el mismo día de 1941. A punto de cumplir 90 y 67 años respectivamente, el mejor regalo de aniversario que se podrían y nos podrían hacer es Juntos para siempre, un disco único y excepcional, impulsado por Calle 54 Records, que comienza con Preludio para Bebo, una composición de Chucho Valdés que se introduce con aire clásico, casi rozando el impresionismo francés, para continuar en terrenos más jazzísticos con claras influencias latinas. Una filigrana que precede a Descarga Valdés, pura latinidad a dos pianos con el virtusiosmo esencial de Chucho Valdés y la esencia virtuosa de su padre Bebo. Un tumbao ondulante y bailable compuesto al alimón, con referencias a clásicos como El manisero y que marca el carácter del álbum, como lo hace el siguiente tema, el clásico Tres palabras. Compuesto por Osvaldo Farrés, toma aire de bolero a dos pianos, interpretado con enorme delicadeza, mientras Rareza del siglo es obra de Bebo y también reúne culturas musicales pianísticas desde el jazz latino al blues.
Tea for Two es un estándar compuesto en 1925 por Vincent Youmans para el musical
No, No, Nanette que han cantado desde Nat King Cole a Anita O’Day pasando por una versión en cha-cha-cha de Tommy Dorsey y otra del pianista Art Tatum. Bebo y Chucho ofrecen una versión saltarina, juguetona, con lugar para la improvisación.
Son de la loma es una composición magistral de Miguel Matamoros que forma parte de la memoria de Bebo y Chucho desde siempre y que, interpretada a dos pianos, se convierte en una obra maestra.
La gloria eres tú (compuesta por José Antonio Méndez y que han cantado desde Pedro Infante y Vicentico Fernández a Luis Miguel y Alejandro Fernández) es otro modelo de latinidad a dos pianos, mientras en A Chucho, Bebo devuelve el homenaje que le hiciera su hijo en
Preludio para Bebo con una pieza a piano solo llena de gracia y swing.
Sabor a mí es otro clásico incuestionable mil veces versioneado (Los Panchos, Los Lobos, Lila Downs, Mina...), obra de Álvaro Carrillo y que Bebo y Chucho alejan del bolero para convertirlo en cha-cha-cha.
Perdido, de Juan Tizol, fue interpretado en 1941 por Duke Ellington y grabado, ni más ni menos, que por Sarah Vaughan, Ella Fitzgerald, Dinah Washington, Art Tatum, Quincy Jones... Una maravilla que en la versión de Bebo y Chucho mantiene un ritmo swingueante con dos pianos que bastan y sobran.
En la recta final del álbum no podía faltar Lágrimas negras, de Miguel Matamoros, un emblema en la carrera de Bebo Valdés que, en compañía de Chucho, vuelve a sonar nuevo, fresco, emocionante.
Y el disco se cierra con La conga del dentista, de Osmany Valdés el dentista de Chucho, porque para acabar, “nada como una conga”, como se puede leer en el libreto del disco. Unas palabras a las que siguen otras que resumen el espíritu de un álbum histórico: “Este disco es un diálogo, un abrazo y también el legado de dos artistas que tuvieron que vivir separados más tiempo del que ambos hubieran querido. En este disco, Bebo y Chucho están ya, por fin, juntos para siempre”.
http://www.docstoc.com/docs/5844583/BIOGRAF%C3%8DA-BEBO-Y-CHUCHO-Juntos-para-siempre-%E2%80%9CAlguna-vez

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